30 filmcitater, som alle børn fra 70’erne kender udenad

Få ting hjælper en film til at leve videre til udødelighed mere end en dialoglinje, som alle husker. Disse citater bliver slået frem og tilbage mellem fans, refereret i andre film, og generelt sætter sig fast i det nationale kulturelle vokabularium. Til vores liste over 70’ernes filmcitater har vi hentet fra musicals, gyserfilm, klassiske dramaer og ikoniske romancer. Som ethvert barn fra 70’erne kan fortælle dig, er disse replikker uforglemmelige.

Den berømte ting ved Jaws – ud over at han indvarslede æraen for blockbusterfilm og annoncerede Steven Spielberg som en stor amerikansk filmskaber, man skulle regne med – var, at man aldrig så hajen før langt inde i filmen. Den dukker endelig op af vandet til det nervepirrende chok for politichef Brody (Roy Scheider), som springer op og giver filmens karakteristiske advarsel.

Der er mange, mange mindeværdige citater at vælge imellem, når det kommer til 1977’s Star Wars. Alle de citater om Kraften, for at starte med! Men den bedste replik i filmen kommer, da Darth Vader (James Earl Jones) beslutter sig for at holde op med at tage imod admiral Motti (Richard LeParmentier), hvis hånlige holdning til Kraften irriterer Vader – så han begynder at kvæle ham med sine kræfter fra den mørke side.

Når Fader Merrin (Max von Sydow) kommer til MacNeil-hjemmet for at hjælpe med eksorcismen af den unge Regan (Linda Blair), bringer han sin ekspertise og urokkelige tro med sig. Da han kæmper mod dæmonen Pazuzu, bliver Fader Merrins gentagne besværgelser både et våben og et skjold.

Den ofte parodierede replik i den melodramatiske romantik fra 1970 giver måske ikke så meget mening – faktisk, det modsatte er nok mere korrekt – men den dybe overbevisning om kærligheden mellem Ryan O’Neals Oliver og Ali MacGraws Jenny gør den til en af de mest karakteristiske replikker i en romantisk film nogensinde.

Den spændende afsluttende kampsekvens i Rocky er et spændende og opløftende øjeblik af triumf for titelpersonen (Sylvester Stallone), men det, der gør Rocky fantastisk, er, at filmen ikke afhænger af, at Rocky vinder i sidste ende. Faktisk taber han til Apollo (Carl Weathers). Men når kampen er slut, er Rocky ikke bekymret for, om han har vundet – han begynder at kalde på sin elskede Adrian (Talia Shire), som kæmper sig vej gennem mængden for at være sammen med ham.

Jack Nicholsons gennembrudspræstation i Five Easy Pieces var med til at gøre ham til en af de definerende skuespillere i sin generation. Og dinerscenen, hvor han forsøger at bestille nogle æg med hvedetoast på trods af en klar “ingen substitutioner”-politik, var et udspekuleret, trodsigt og ubehøvlet hyl fra modkulturen. Alt sammen over noget kyllingesalat.

Der er mange måder for Don Corleone (Marlon Brando) at få, hvad han vil have, men for at være leder af en mafiafamilie får han en hel del gjort uden at skulle ty til Tommy Guns eller hestehoveder. Der er en mørk ædelhed i den måde, Don Corleone driver forretning på, hvad enten instruktør Francis Ford Coppola havde til hensigt at gøre det eller ej, og den eufemisme, han bruger til at styrke forretningsmodstandere, bidrager til det.

På enhver liste over filmfortsættelser, der er bedre end originalen, vil du sandsynligvis finde The Godfather Part II, i høj grad takket være Al Pacinos forvandling til en langt mere hensynsløs Michael Corleone. Dette særlige citat er så populært, at det ofte fejlagtigt er blevet tilskrevet Machiavelli.

Hvad er godt ved at sidde alene på sit værelse, spørger Sally Bowles (Liza Minnelli) i titelsangen fra Cabaret. Som med alt andet i filmen er der en mørk skygge over alt det glitrende skuespil i sangen. Livet er en cabaret, helt sikkert, men det er fordi det er en masse sang og dans for at holde dig beskæftiget, mens katastrofen truer. Start celebrating!

Al Pacino som en desperat bankrøver, der skriger sit samlingsråb foran politiet og medierne og kalder tilbage til det nylige Attica-fængselsoprør, er et af de store øjeblikke i 70’ernes film. Den viste Pacino på toppen af sin form og var med til at gøre Dog Day Afternoon til en af æraens mest karakteristiske film.

Dette citat, der leveres af den kamphungrende oberstløjtnant Bill Kilgore (Robert Duvall), er et perfekt eksempel på det perspektiv, som instruktør Francis Ford Coppola bringer til sin film om Vietnamkrigen. Det er galskab leveret med et smil.

Hvis du har set scenen, hvor en ond nazi-læge (Laurence Olivier) torturerer Dustin Hoffman for at få ham til at afsløre, hvor stjålne diamanter befinder sig, ved du, hvorfor disse tre små ord er så blodrystende. Og hvorfor de kan minde om en tandlæges boremaskine.

Det er de ord, privatdetektiven Jake Gittes (Jack Nicholson) hører, efter at hans efterforskning af en dyster magtmægler i Los Angeles afdækker en ubeskrivelig skandale og ender i en tragedie. Glem alt om at se retfærdigheden ske, med andre ord. (Chinatown var i dette tilfælde stedet for en anden sag, der endte galt og hjemsøger Jake.)

Network er en bemærkelsesværdigt forudseende film om medierne og den amerikanske kultur, og hvor vi alle ville være på vej hen i 80’erne, 90’erne og fremover. Og i centrum står nyhedsværten Howard Beale (Peter Finch), hvis nervesammenbrud i radioen – leveret i trenchcoat over en stribet pyjamas – kulminerer i en opfordring til de bedøvede seere om at finde deres vrede over et system, der er gået amok, skynde sig hen til deres åbne vinduer og råbe så højt de kan, at de endelig har fået nok.

Døden er i dette tilfælde Michael Myers (Nick Castle), morderen, der er flygtet fra sin sindssygeanstalt og er vendt tilbage til sin hjemby Haddonfield, Illinois, for at fortsætte sit stadigt omvandrende morderiske hærgen. Replikken leveres med maksimal uhygge af Donald Pleasence som Dr. Loomis.

Den sande skræk for dæmonbarnet Damien (Harvey Spencer Stephens)-som viser sig at være Antikrist, adopteret ved fødslen af en mild amerikansk diplomat og hans kone – kommer frem i lyset ved hans femårs fødselsdagsfest, da hans barnepige (Holly Palance) muntert binder et lagen om halsen og springer i døden, mens hun råber til den lille Damien. Øjeblikket er et stød af ægte rædsel.

Den ultimative opfordring til at feste kommer via John Belushi i kvintessensen af frat-boy-filmen. Ideen om en flok college-fyre, der klæder sig ud i gamle romerske togaer for bedre at kunne indtage farlige mængder alkohol og smadre ukuleles, er måske aldrig faldet nogen ind før Animal House, men den har helt sikkert inspireret en hel generation af bros.

Margaret White’s (Piper Laurie) hysteriske advarsel før hendes datter Carrie (Sissy Spacek) tager af sted til skoleballet, ender med at give genlyd i Carries sind, efter at hun er blevet ydmyget med svineblod og efterfølgende går amok på en telekinetisk hærgen. På den lyse side for Margaret: hun havde ret!

Bob Woodward (Robert Redford) og Carl Bernstein (Dustin Hoffman) møder den hemmelige informant kaldet “Deep Throat” (Hal Holbrook) i en mørk parkeringskælder, og Deep Throat giver dem det bedste råd, de kan få – følg pengesporet for at komme til bunds i Watergate-skandalen.

I stedet for at levere nogen form for op- og væk-agtig bravado for at sælge Supermans (Christopher Reeve) superhed lader filmen fra 1978 Lois Lane (Margot Kidder) få pointen frem, da Superman redder hende fra at falde i døden med et forsikrende “I’ve got you”. Lois er utrolig og en smule hysterisk, men hun reagerer utroligt rationelt på stålmanden.

Travis Bickles (Robert De Niro) imaginære konfrontation med en tunge finder ikke sted ude i de onde gader i 1970’ernes New York City, men foran hans eget spejl. Travis’ fantasier om sig selv som den sidste retfærdige mand i en by af degenererede og løgnere ender med at skabe en galning, og De Niro er absolut skræmmende (om end også en smule patetisk), når han leverer filmens signaturreplik.

Clint Eastwoods flinkende skældud som detektiven Harry Callahan kom til at definere så meget af hans skuespilpersonlighed. Men ingen af hans spaghettiwesterns senere triumfer som instruktør havde den samme slagkraft, som når han fik fat i en punkforbryder og hånede ham til at indgå et væddemål om, hvorvidt han havde affyret fem skud eller alle seks fra sin pistol.

Charlton Hestons paniske råb, da han bliver båret væk i slutningen af den dystopiske, futuristiske gyser i Soylent Green, har holdt sig længe nok i kulturen til at blive en slags punchline. Men filmens twist i slutningen af filmen – at superfoodproduktet Soylent Green ikke er lavet af planter, men af mennesker – var et sandt sucker punch.

Diana Ross’ præstation som den titulære syngende superstjerne blev leveret med så meget diva-bravado, at det har givet genlyd gennem årene og senest er blevet en ugentlig catchphrase i RuPaul’s Drag Race: All-Stars.

Denne replik i den sort-hvide parodi på klassiske gyserfilm, som Mel Brooks instruerede, er ikke meget værd på papiret. Dr. Frankenstein (udtales “FRONK-en-steen”) afleverer replikken til den hjemlige husholderske (Cloris Leachman) på sit slot. Men når den bliver leveret i filmen, efterfulgt af et tordenskrald og et off-screen hestehvalp, er den ubestrideligt morsom.

Tim Currys lækre levering mod slutningen af “Sweet Transvestite” gennemsyrer denne berømte replik med en pause, der er så udsøgt, at du sikkert stadig holder vejret. Det er blot en af de mange lækkerier i denne kultklassiker.

Når Olivia Newton-John i slutningen af Grease dukker op som sin karakter Sandy, der har foretaget en bad-girl makeover for at passe til sin greaser-kæreste Danny (John Travolta), er det en af de største afsløringer i filmhistorien. Ikke underligt, at de straks er nødt til at bryde ud i sang.

Kermit the Frog’s åbningstekst til “The Rainbow Connection” gør arbejdet med straks at transportere dig til en gladere tankegang – en verden, hvor søde små Muppets alle samles og forsøger at klare sig i showbizzen. De elskende, drømmerne og også Miss Piggy.

Steve Martins udødelige åbningsreplik i The Jerk indleder historien om Navin Johnson, et naivt, hvidt adoptivbarn af sorte sharecroppers. Navins eventyr, mens han forsøger at finde sin vej i verden, opretholder en absurd uvidenhed, som åbningslinjen helt baner vejen for.