‚Das sind Kleider für Leute, die arbeiten‘: Warum eine Bildhauerin eine Modelinie nur für Künstler entworfen hat

Von Frida Kahlo bis Andy Warhol wurden Künstler über Jahrzehnte hinweg für ihren einzigartigen Sinn für Stil gefeiert. Man denke nur an Picassos charakteristische gestreifte Hemden oder Basquiats Paarung von Armani-Anzügen mit nackten Füßen. Aber auch wenn Extravaganz und ein eigenwilliger Geschmack dazu beigetragen haben, das Profil einiger weniger Exzentriker zu schärfen, würden die meisten Künstler heute wahrscheinlich zustimmen, dass gute Arbeit für sich selbst sprechen sollte.

Aber selbst Maler und Bildhauer müssen sich jeden Morgen anziehen, bevor sie in ihre Ateliers, Galerien oder zu Eröffnungen gehen. Deshalb hat die in London lebende Bildhauerin Anna Blessmann beschlossen, A_PLAN_APPLICATION zu gründen, die erste Modelinie, die speziell für Künstler (und andere Kreative) entworfen wurde.

Blessmann besprach ihre Idee zufällig bei einem Abendessen mit Virgil Abloh – manchmal Kurator, Gründer des Streetwear-Labels Off White und kürzlich zum Designer der Herrenmode von Louis Vuitton ernannt -, der sie an die Mailänder Modeentwicklungsfirma New Guards Group verwies. Im September 2017 verpflichtete sich Blessmann, mit deren Unterstützung bei Produktion und Vertrieb und in Zusammenarbeit mit ihrem Partner, dem britischen Grafikdesigner Peter Saville, eine Kollektion – eine Art markenlose Künstleruniform – zu entwickeln.

In der Pressemitteilung verweist Blessmann auf so unterschiedliche Inspirationen wie Donna Karans „Seven Easy Pieces“ aus den 1980er Jahren und die Uniform eines Fensterputzers. Zu ihren ersten Entwürfen gehören ein taillierter Kapuzenpullover mit Schulterpolstern, ein Boiler Suit und ein Wickelkleid. Siebzig Prozent der Entwürfe für die Saison Herbst/Winter 2018 sind für Frauen, 20 Prozent sind Unisex und 10 Prozent sind für Männer – aber, wie Blessmann sagt, „jeder kann ein Kleid tragen, wenn er will.“

Das Gesamtkonzept ist ein sorgfältiges Puzzle aus Teilen aus robustem Jersey, Wolle, Baumwolldrillich und Denim, die übereinander gelegt werden können. Es übertrifft das Klischee der altbackenen „Normcore“-Garderobe des zeitgenössischen Künstlers mit der puritanischen Strenge eines Bildhauers.

Wir sprachen mit Blessmann über ihren Wunsch, Kleidung funktional zu machen und darüber, dass sich Modedesign sehr von der Bildhauerei unterscheidet.

Was bedeutet der Name „A_PLAN_APPLICATION“?

A_PLAN_APPLICATION erklärt die Kollektion als ein System, und wie sie mehrfach gelesen werden kann. Für mich ist es wichtig, daran zu denken, dass die Stücke, sobald sie in die Welt hinausgehen, von verschiedenen Menschen auf unterschiedliche Weise interpretiert und getragen werden. Ich habe über „A“ nachgedacht, wie in Nummer eins, dem Anfang, und dann einen „Plan“, wie in einem von vielen Plänen, und dann „Anwendung“ – die Tatsache, dass die Kleidungsstücke und das Konzept dann von verschiedenen Menschen außerhalb meiner Kontrolle unterschiedlich angewendet werden.

Was hat Sie dazu gebracht, von der Bildhauerei zur Kleidung zu wechseln?

Wenn man sich als Künstler anschaut, was es in der Mode gibt, ist das alles sehr spezifisch. Es ist die Idee eines anderen, die Fantasie eines anderen, seine Grafik, sein Logo. Ich wollte etwas zum Tragen finden, das in gewisser Weise neutraler ist, das nicht auf einen selbst oder über sich selbst hinauswächst. Dann wollte ich eine bestimmte Funktionalität anstreben – die Idee, dass die Teile zusammenpassen, so dass ein T-Shirt hier aufhört und die Jeans dort anfängt und das Kleid nicht unter dem Mantel hervorschaut. Ich wollte, dass jedes Teil mit den anderen Teilen kombiniert wird.

Hat diese Kollektion irgendeinen Bezug zu Ihrer bildhauerischen Praxis?

Ich denke, dass meine Erfahrung als Bildhauerin und mein Bewusstsein für den Körper in Bewegung, wie sich Menschen in meinen Ausstellungen oder sogar in den von mir geschaffenen Skulpturen bewegen, die Kollektion beeinflusst haben. Aber auch die Realität fließt in die Kollektion ein – ganz offensichtlich auch das Bewusstsein für Farben. Auch die Art und Weise, wie ich meine Praxis des Bildermachens – oder sogar des Anti-Bildermachens – anwende, wie ich den Negativraum belasse, wie ich etwas betrachte und es reduziere und darüber nachdenke.

Ich finde es auch wichtig, mich der Mode als Außenstehender zu nähern und die Unterscheidung zu treffen, dass Mode und Kunst, obwohl sie viel stärker miteinander verbunden sind, immer noch so unterschiedlich sind. Wir sehen uns ähnliche Dinge an, wir denken manchmal über ähnliche Dinge nach, aber die Methoden der Produktion und des Vertriebs sind immer noch so unterschiedlich, dass es sehr wenig Korrelation gibt.

Für wen wollen Sie diese Kleidung machen?

Es ist für Menschen, die visuell bewusst sind, nicht nur Künstler, sondern auch Architekten und Menschen in verschiedenen kreativen Berufen. Die Mode hat sich wirklich zu einer 2D-Welt entwickelt, in der so viele Dinge von außen betrachtet werden, aber ich sehe einfach nicht, wie sich vieles davon auf das Leben der Menschen übertragen lässt. Das sind keine Kleider für Streetstyle-Fotos, Partys und rote Teppiche. Es ist Kleidung für Menschen, die arbeiten.

Sind die Stücke von A_PLAN_APPLICATION dafür gedacht, schmutzig zu werden?

Ja! Natürlich verwenden wir wirklich hochwertige Stoffe, und ich versuche, ökologische Materialien zu verwenden, wo ich kann. Das ist nicht einfach. Ich bin mit Realitäten konfrontiert, über die ich mir als Künstlerin nie Gedanken gemacht habe, wie Mindestmengen und Preispunkte. Aber ich denke auch, dass Kleidung etwas ganz anderes ist als Kunst – sie ist angewandte Kunst. Wenn sie nicht die praktische Funktion erfüllt, würde ich lieber eine Skulptur machen. Ich meine, was nützt eine Hose, die man nicht waschen kann, in der man sich nicht gut bewegen kann und die nur an einem Model auf einem Foto gut aussieht. Als ich die Kollektion entworfen habe, habe ich über meine täglichen Aktivitäten nachgedacht. Ich wollte eine bequeme Hose, in der ich mich hinknien kann, wenn ich etwas hämmere und andere körperliche Tätigkeiten in meiner Praxis ausübe, aber dann kann ich einfach die Schuhe wechseln und sie zu einem Meeting oder einer Vernissage tragen.

Inwiefern haben Sie bei dieser ersten Kollektion mit Peter Saville zusammengearbeitet?

Peter hat diesen Seidenschal mit Computerglitch gemacht. Ich dachte an einen der zeitgenössischsten Unfälle der Gegenwart, und das war es – wenn etwas auf einem unserer Bildschirme schief geht. Alle Farben der Kollektion sind in diesem Schal enthalten. Die Idee ist, dass ich keine Muster oder Grafiken haben möchte, weil das die Dinge sofort datiert und sie als aus einer bestimmten Zeit stammend identifizierbar macht. Das möchte ich vermeiden. Aber ich mag die Idee, einen Aspekt des „Jetzt“ einzubringen, und dass es nur dieses eine Stück ist, das sich nicht wiederholt, was in gewisser Weise die Zeitlosigkeit des Rests hervorhebt.

Sehen Sie unten mehr von der A/W-Kollektion von A_PLAN_APPLICATION:

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