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Mama Mia Let Me Go!
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Smells Like Teen Spirit: das Manifest, in dem Kurt Cobain, der Leadsänger von Nirvana, seine Wut über eine von gierigen Geschäftsleuten beherrschte Welt zum Ausdruck bringt, aber auch über die Unfähigkeit seiner Generation, auf eine lebensfähige Alternative hinzuarbeiten. Es ist eine Reaktion auf die scheinbar unmögliche Aufgabe, eine Revolution innerhalb der Jugend zu starten.
Cobain selbst erklärte: „Ich bin angewidert von der Apathie meiner eigenen und der meiner Generation. Ich bin angewidert von dem, was wir zulassen, davon, wie rückgratlos, lethargisch und schuldig wir sind.“ Dies inspirierte ihn dazu, das Bild in Teen Spirit zu malen, das er auf seine eigene Art und Weise durch Kunst ausdrückt. Sowohl der Text als auch das Video verkörpern seine Verwirrung; Metaphern, Bilder und Symbolik verschmelzen zu seiner Botschaft, die der Zuhörer und Betrachter gleichermaßen entschlüsseln kann. Noch krasser ist, dass die Cheerleader im Video, die schwarz gekleidet sind und das anarchistische Symbol auf ihrer Uniform tragen, auf ausdrücklichen Wunsch von Cobain auftreten.
Der Song wurde zur Hymne für die apathische Jugend der Generation X. In einer Welt, die vom Erfolg besessen ist, war die Entscheidung für eine Niederlage ein revolutionärer Akt. Menschen wie Kurt, die in den späten Sechzigern geboren wurden, hatten weder einen Weltkrieg erlebt noch in Vietnam gekämpft. Der Kalte Krieg, kulturelle Unterdrückung, Scheidung, Einsamkeit, Arbeitslosigkeit und Entfremdung: das war ihr Vietnam. Ihre Rebellion war nicht von epischen Impulsen oder idealistischen Proklamationen geprägt. Es war das ungeschickte und spontane Aufheulen der Wut, das Stöhnen des Schmerzes. Auf die Ethik des Profits, auf den falschen Optimismus der 80er Jahre, reagierten sie mit Sarkasmus und Apathie. Das war ihr Standpunkt: Sie stellten sich auf die Seite der Verlierer, zeigten Gleichgültigkeit gegenüber der Katastrophe und sympathisierten mit dem Scheitern.
Die Geschichte, die in den Texten erzählt wird, beginnt im Chaos des Schlafzimmers von zwei Zwanzigjährigen. Eine autobiografische Begebenheit? Vielleicht… In einem Interview mit der Seattle Times sagte Cobain: „Wir hatten eine tolle Zeit, in der wir über revolutionäre Dinge sprachen, und am Ende zerstörten wir mein Schlafzimmer, die Spiegel, das Bett, alles, was wir fanden. Wir begannen, die Wände mit Spray zu beschmieren und Kathleen schrieb „Kurt smells Like Teen Spirit“. Ich habe es als Kompliment aufgefasst.“ Der Satz stammt von einem Parfüm für Teenager, das damals sehr beliebt war, und Kathleen wollte Kurt lächerlich machen, indem sie ihm unterstellte, er sei noch kein Mann. Kurt, der die Existenz des Parfums entweder nicht kannte oder ignorierte, verstand die Bemerkung als eine Form der Wertschätzung, als ob er noch nicht vom Erwachsensein unterjocht worden wäre und immer noch den jugendlichen Geist verkörperte. In anderen Zusammenhängen befragt, erwies sich Cobain als intolerant gegenüber der Idee, die Bedeutung des Liedes zu vertiefen: „Im Grunde ist es ein Lied über Freunde, über Gleichaltrige. Wir fühlen uns immer noch wie Teenager, weil wir den Erwachsenen nicht folgen wollen. Wir gehen herum und versuchen, Spaß zu haben. Im Kern des Songs geht es darum, sich über die Idee einer Revolution lustig zu machen. Aber es ist trotzdem eine gute Idee.“ Cobain plünderte schließlich seine persönlichen Tagebücher, um den Text zu verfassen. Das Ergebnis ist ein wütender Ausbruch, eine Faust zum Himmel, so intensiv, dass jeder, der ihn hört, auch ohne zu wissen, was „Teen Spirit“ bedeutet, das klare Gefühl hat, dass der Song etwas sagen will, etwas wirklich Intensives.
Load up on guns, bring your friends
It’s fun to lose and to pretend
She’s over bored, self assured
Oh No, I know a dirty word
Der Aufruf zu den Waffen in der ersten Strophe spielt auf die revolutionäre Dringlichkeit einer hypothetischen Jugendbewegung an. Der Anfang („Load up on guns, bring your friends“) ist lyrisch kraftvoll und evokativ. Michael Azerrad, der offizielle Biograf von Nirvana, behauptet, dass es sich bei dem gelangweilten, selbstbewussten Mädchen im Text um Tobi Vail handelt, die zu dieser Zeit in einer komplizierten Beziehung mit Cobain stand. Vail, die Schlagzeugerin von Bikini Kill, war eine der Protagonistinnen der „Riot Girl“-Szene, einer rockigen Neuauflage des amerikanischen Feminismus Mitte der siebziger Jahre. Es war ein neuer Protest, diesmal durch die Musik, der sich entschieden gegen die patriarchalische Struktur der Gesellschaft, den Chauvinismus und den Machismo richtete, aber noch nicht vollständig genug war, um eine konsequente politische Kritik zu formulieren. Die enttäuschten Ambitionen der Bewegung wurden als Paradigma für die Unfähigkeit der Generation X genommen, aufzusteigen („It’s fun to lose and to pretend“), ein Scheitern, das Cobain sogar in sich selbst erkennt. Die Revolution der 80er und 90er Jahre war in Wirklichkeit eine platonische Revolution, eine träge Bewegung, eine Lähmung des Willens, eine zerebrale Subversion, kastriert durch die Skepsis, die eine ganze Generation von Jugendlichen durchdrungen hatte. Es ist fast ein Witz, stellt er fest, bevor er auf das zurückkommt, was amerikanische Soziologen als Slackness definieren. In einer solchen Situation macht es tatsächlich Spaß, „zu verlieren und sich zu verstellen“
Ich bin schlechter in dem, was ich am besten kann
Und für diese Gabe fühle ich mich gesegnet
Unsere kleine Gruppe war schon immer
Und wird es bis zum Ende immer sein
Diese jugendliche Unzulänglichkeit („Ich bin schlechter in dem, was ich am besten kann“) ist eine Konstante der amerikanischen Nachkriegsliteratur. Cobain ist der letzte dieses Stammes von Außenseitern, dieser unzufriedenen jungen Menschen, literarischen Rebellen, die mit ihrem Bewusstseinsstrom kämpfen. Von hier an offenbart das Lied seinen rasenden und hilflosen Charakter, indem es jede Strophe mit einer Botschaft der Kapitulation beendet: „Nevermind“, „I feel stupid“ (Depression), „a denial“ (Verleugnung).
Und ich vergesse, warum ich schmecke
Oh Yes, I guess it makes me smile
I found it hard, it was hard to find
Oh well, whatever, nevermind
Hello, hello, hello, how low?
Cobains Tagebücher enthalten einen Satz, den Cobain in der endgültigen Version des Liedes nicht verwendet; ein Satz, der bestätigt, wie selbstzerstörerische Tendenzen extreme Konsequenzen erreichen können: „Der schönste Tag, den ich je hatte, war der, an dem es kein Morgen gab.“
Der Refrain verlagert die Handlung auf die Bühne und unterstreicht eine von Cobains großen Obsessionen – die Beziehung zum Publikum und das Management einer Berühmtheit, die exponentiell wuchs. Dies war letztlich ein Thema, das später in anderen Texten und in seinem Abschiedsbrief an die Welt auf tragische Weise wiederkehren sollte.
Wenn die Lichter aus sind, ist es weniger gefährlich
Hier sind wir nun, unterhalte uns
Ich fühle mich dumm und ansteckend
Hier sind wir nun, entertain us
A mulatto
An albino
A mosquito
My Libido
Yay
A denial
In drei Strophen wechselt Cobain die Erzählperspektive von der Bühne zum Publikum und dann wieder zur Bühne. Die Dunkelheit des Raumes („With the lights out“) ist eine Maske, die vorübergehend („it’s less dangerous“) die bewusste, ansteckende Dummheit des Entertainers verbirgt („I feel stupid and contagious“), während das Publikum nach Unterhaltung ruft („Here we are now, entertain us“). Es ist das psychologische Drama des „Narren“ des Grunge, Cobain, des Künstlers, der sich der Trennung zwischen Mensch und künstlerischer Maske bewusst ist; ein Zwang, in dem er als Gefangener lebt (nicht zufällig heißt es in einer Variante der Tagebücher „segregate us“ statt „entertain us“).
Als Kurt seinen letzten Brief schrieb, war er 27. Siebenundzwanzig Jahre alt; eine geliebte Frau, eine Tochter, und doch richtete er seinen letzten Brief an Boddah, den imaginären Freund (der einzige, der ihm auch in den schwierigsten Momenten beistehen konnte), der seine einsame Kindheit, in der er als Einzelkind mit geschiedenen Eltern lebte, erfüllt hatte. In seiner Abschiedsbotschaft teilte er mit, dass er nicht mehr in der Lage sei, Gefühle zu empfinden oder Menschen zu lieben, so dass er sich „verdammt traurig“ fühle. Es passiert überempfindlichen Geistern, dass sie so hohe Liebesgefühle erreichen, dass sie schließlich unerträglich werden. Kurt versuchte, sich von all dem Leid, der Angst und der Paranoia zu befreien, indem er sich ganz in die Musik vertiefte, die er als sein persönliches „Nirvana“ betrachtete (der Begriff stammt aus dem Sanskrit und bedeutet „Aufhören des Atems oder Freiheit vom Verlangen“). Es ist ein Zustand, in dem sich der Mensch von Leiden und Problemen befreien kann. Aber es ist ein Paradies, das sich jedoch in eine Hölle verwandeln wird. Aus seinem Abschiedsbrief wird oft der vorletzte Satz zitiert, in dem Cobain eine Strophe des Neil Young-Songs „My My, hey hey (out of the Blue)“ zitiert: „Es ist besser, auszubrennen als zu verblassen“. Die letzten Worte sind besonders schön: Frieden, Liebe, Empathie – das letzte war unterstrichen und in Großbuchstaben geschrieben.
Der Gewehrschuss, mit dem er beschloss, seinen Qualen ein Ende zu setzen, nahm ihm nicht nur die Stimme, die so verstümmelt und herzzerreißend war, sondern auch die Alben, die so unvergesslich und in der Geschichte des Rock unsterblich waren. Denn bevor er keine andere Lösung als den Tod sah, war Kurt Cobain so viel mehr. Ein fröhliches und spontanes Kind, unwiderstehlich in seinem Enthusiasmus, bald geschwächt durch den unerfüllbaren Wunsch nach einer vereinten und glücklichen Familie. Er war ein komplizierter Teenager, immer fehl am Platz, schikaniert von seinen Mitschülern, entschlossen in seinen Plänen, einer Provinz zu entkommen, die von „Idioten, Höhlenmenschen und Holzfällern“ bevölkert war. Er war aber auch ein neugieriger, erfahrungshungriger Junge. Die befreiende Entdeckung der Musik konnte in seinen Augen eine Flamme zum Leuchten bringen, die jedoch niemals langsam hätte erlöschen können. Schnell zu verbrennen war die einzige Möglichkeit. Aber solange es brannte, war es wundervoll und unwiederholbar.
Im folgenden Video interpretiert Tori Amos Smells Like Teen Spirit auf eine Art und Weise, die zeigt, dass wir kein Schlagzeug, keine E-Gitarre und keine Tattoos brauchen, um Rock zu „sein“. Rock ist etwas Inneres. Rock ist etwas, das du zu sagen hast.
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