Eine Analyse, warum moderne Musik so schrecklich ist

Hier ist ein beliebtes Video auf YouTube, das die Qualität der heutigen Musik im Vergleich zu der der vergangenen Jahrzehnte diskutiert:

Das Video zitiert eine Studie des spanischen Nationalen Forschungsrats aus dem Jahr 2012, die zu dem Schluss kommt, dass moderne Musik jedes Jahr schlechter zu werden scheint. Konkret nahmen die Forscher 500.000 Aufnahmen aller Musikgenres zwischen 1955 und 2010 auf. Sie ließen jeden einzelnen Song durch eine komplexe Reihe von Algorithmen laufen. Diese Algorithmen maßen drei verschiedene Metriken: (1) klangliche Vielfalt, (2) harmonische Komplexität und (3) Lautheit. Das Ergebnis:

1. In den letzten Jahrzehnten hat die Klangfarbe von Musik drastisch abgenommen. Unter „Klangfarbe“ versteht man die Textur, die Farbe und die Qualität der Klänge in der gehörten Musik. Die Klangfarbenvielfalt erreichte in den 1960er Jahren ihren Höhepunkt und hat seitdem stetig abgenommen. Die Songs weisen immer weniger Vielfalt in der Instrumentierung und Aufnahmetechnik auf. Anstatt mit verschiedenen Instrumenten und Aufnahmetechniken zu experimentieren, verwendet die überwiegende Mehrheit der Popmusik heute das gleiche Instrumentarium: ein Keyboard, eine Drum Machine, einen Sampler und Computersoftware. Folglich klingt alle moderne Popmusik gleich.
2. Seit den 1960er Jahren klingen die Melodien, Rhythmen und der Gesang von Songs immer ähnlicher, wobei viele moderne Popsongs genau die gleiche Abfolge von Noten in einer bestimmten Tonart verwenden: von der 5. zur 3. und zurück zur 5. Das heißt, die Musik ist harmonisch weniger komplex geworden. Und warum? Weil es sich dabei um eine vertraute musikalische Abfolge handelt, mit der die Musikhörer vertraut sind.
3. In den letzten 20 Jahren haben Musikproduzenten ihre Songs absichtlich lauter gemacht, indem sie im Studio Kompressionseffekte einsetzten. Bei der Kompression werden die leisesten Teile eines Liedes verstärkt, damit sie mit den lautesten Teilen übereinstimmen, wodurch der Dynamikbereich oder „Abstand“ zwischen den lautesten und den leisesten Teilen verringert wird. Der Effekt dieser Anwendung besteht darin, dass der gesamte Song lauter klingt, unabhängig davon, wie laut der Hörer die Lautstärke einstellt. Dies geschieht, um einen Song aus einer Reihe ähnlich klingender Songs hervorzuheben, d. h. aus Wettbewerbsgründen. Der Nachteil ist, dass die Komprimierung die Klangqualität des Liedes verringert.

Darüber hinaus macht das Video einige weitere Beobachtungen:

1. Die lyrische Qualität der Lieder hat sich in den letzten 10 Jahren verschlechtert – die Texte sind banaler und vereinfachter geworden.
2. Da die Technologie es den Musikfans ermöglicht, Zugang zu so vielen Songs zu haben, sind die heutigen Popsongs mit Hooks überladen, die so schnell wie möglich in einem Song auftauchen, um den Hörer bei der Stange zu halten, da er sonst zum nächsten Song überspringt.
3. Die klangliche, harmonische und dynamische Homogenisierung der heutigen Popmusik (wie oben beschrieben) ist ein Ergebnis der Risikoscheu der Musikindustrie. Weil es so viel Geld kostet, in die Entwicklung neuer musikalischer Talente zu investieren (von denen viele in Talentshows wie America’s Got Talent oder X-Factor entdeckt werden), wollen die Plattenfirmen auf eine sichere Sache setzen, indem sie keine künstlerischen Risiken eingehen.
4. Das Musikpublikum wurde einer „Gehirnwäsche“ unterzogen, damit es diese Musik mag, weil sie überall gespielt wird – im Radio, in Einkaufszentren, im Internet, in Filmen und in Fernsehsendungen. Der Sprecher des Videos beschreibt dies als den „Mere-Exposure-Effekt“, ein „psychologisches Phänomen, bei dem Menschen eine Vorliebe für Dinge entwickeln, die sie häufig sehen und hören“. Genauer gesagt, schüttet unser Gehirn Dopamin aus, wenn wir ein Lied hören, das wir schon ein paar Mal gehört haben, und der Effekt wird mit jedem Mal stärker.

Ich stimme so ziemlich mit allen Beobachtungen in diesem Video überein. Aber die Frage, die in diesem Video nicht beantwortet wird, ist: „Warum passiert das?“

Warum ist die Musik in den letzten zwei Jahrzehnten so absichtlich schrecklich geworden? Was hat sich zwischen dem Ende des 20. Jahrhunderts (d.h. den 1990er Jahren, die meiner Meinung nach das letzte große Jahrzehnt für Musik waren) und dem Beginn des 21. Jahrhunderts geändert?

Es begann mit Napster

Napster wurde 1999 als Peer-to-Peer-Netzwerk für die gemeinsame Nutzung von Dateien von den Brüdern Shawn und John Fanning und Sean Parker (der später der erste Präsident von Facebook wurde) entwickelt. Die Registrierung für ein Napster-Konto war kostenlos, und die Nutzer hatten Zugang zu kostenlosen Audiodateien, die sie mit anderen Napster-Mitgliedern teilen konnten. Auf dem Höhepunkt der Popularität von Napster waren etwa 80 Millionen Nutzer im Netzwerk registriert.

Napster wurde schließlich aufgrund einer Klage der Recording Industry Association of America wegen der unerlaubten Verbreitung von urheberrechtlich geschütztem Material geschlossen. Doch der Geist war aus der Flasche – Millionen von Menschen wollten nicht mehr für Musik bezahlen, wenn sie sie einfach kostenlos aus dem Internet herunterladen konnten.

Eine kaputte Tonträgerindustrie

Im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts befand sich die Tonträgerindustrie scheinbar in ihrem Todeskampf – zwischen 1999 und 2010 sanken die Musikverkäufe in den USA um 50 %, von 14,6 Milliarden Dollar auf 6,3 Milliarden Dollar im Jahr 2009. Erst mit der Einführung des iPod und iTunes durch Apple im Jahr 2003 begannen die Menschen wieder für Musik zu bezahlen. Allerdings kassierte Apple bei jedem Verkauf auf seiner iTunes-Plattform einen saftigen Anteil von etwa 30 %, so dass die Einnahmen der Plattenfirmen, die Songs über Apple verkauften, geringer ausfielen.

Am Ende des zweiten Jahrzehnts des 21. Jahrhunderts geht es der Musikindustrie insgesamt gut – sie erwirtschaftete 2017 einen Umsatz von 43 Milliarden Dollar, davon 20 Milliarden Dollar mit Online-Streaming-Diensten wie Spotify und Apple Music sowie mit Live-Musik. Von diesen 20 Milliarden Dollar haben die Plattenfirmen jedoch nur 10 Milliarden Dollar eingenommen, während die Musiker nur 5,1 Milliarden Dollar erhielten.

Warum betone ich nur 10 Milliarden Dollar? Ist das nicht eine Menge Geld?

Lassen Sie uns ein wenig rechnen – 1999 nahm die Plattenindustrie 14,6 Milliarden Dollar ein. Inflationsbereinigt wären das im Jahr 2017 umgerechnet 21,4 Milliarden Dollar. Wie im vorigen Absatz erwähnt, haben die Plattenfirmen 2017 nur 10 Milliarden Dollar eingenommen. Real sind die Einnahmen der Tonträgerindustrie zwischen 1999 und 2017 also um die Hälfte zurückgegangen. Und warum? Weil man heute seine Musik online verkaufen muss und die Eigentümer dieser Online-Plattformen riesige Anteile an den Musikverkäufen einnehmen. Am Beispiel von Apple Music und Spotify zeigt sich, wie diese Unternehmen mit der Musik von Künstlern Geld verdienen:

Im populären digitalen Bereich bringt ein Download für 9,99 Dollar bei einem Programm wie iTunes den Künstlern bescheidene 94 Cent ein – weniger als 10 % Anteil. Die Plattenfirma kassiert 5,35 Dollar und Apple behält die restlichen 3,70 Dollar.

Spotify wurde wiederholt beschuldigt, Künstler nicht fair zu entschädigen. Bands wie The Black Keys, Radiohead und Talking Heads haben den Dienst dafür kritisiert, dass er Künstler, vor allem unabhängige Musiker, zu schlecht bezahlt.

Der Streaming-Dienst enthüllte 2013, dass er Plattenlabels im Durchschnitt nur den Bruchteil eines Pennys pro Abspielung zahlt (zwischen $0.006 und 0,0084 Dollar) – und das ist nur das Geld, das an die Labels geht, nicht an die Künstler, die noch weniger erhalten.

Wenn die Einnahmen um 50 % sinken, muss man die Kosten um 50 % senken, um das gleiche Rentabilitätsniveau zu halten. Wo also hat die Tonträgerindustrie ihre Kosten gesenkt?

Ausstieg aus der A&R-Führungskraft – mein Kaffee mit Ted

Vor einigen Jahren lernte ich durch gemeinsame Bekannte einen ehemaligen A&R-Führungskraft kennen, den ich „Ted“ nennen werde (nicht sein richtiger Name). Ich sage „früher“, weil Ted gerade von seinem Arbeitgeber, Universal Music Canada hier in Toronto, Kanada, entlassen worden war. Er hatte vor, in die Vereinigten Staaten umzusiedeln und mit seinem Bruder in Texas Gebrauchtwagen zu verkaufen. Gebrauchtwagen zu verkaufen, nachdem er A&R-Manager bei einem internationalen Plattenlabel war, war natürlich nicht sein idealer Karriereschritt, aber er musste einen Weg finden, um zu überleben.

Er schien ein netter Kerl zu sein, also lud ich ihn auf einen Kaffee ein, um mit ihm über den Zustand der Plattenindustrie und die beschissene Musik zu sprechen, die sie hervorbringt. Ted erklärte mir, dass das daran lag, dass die Plattenfirmen aus Kostengründen alle A&R-Manager entlassen hatten, die bei den Plattenfirmen als „Ohren“ und Torwächter fungierten. Er war der Meinung, dass dies eine kurzsichtige Sparmaßnahme war, weil ein guter A&R-Manager als Filter gegen die Schreiberlinge und als Scout für die seltenen Künstler mit echtem Talent fungierte. Er wies mich auf den direkten Zusammenhang zwischen den Entlassungen von A&R-Managern und der sich verschlechternden Qualität der Musik, die von der Plattenindustrie produziert wird, hin. Das heißt, so Ted, ohne die A&R-Manager haben die Schreiberlinge die Plattenfirmen infiltriert.

So, was ist ein „A&R-Manager“ (Artist & Repertoire Executive)? Das ist ein wirklich cooler Job, bei dem diese Person damit beauftragt ist:

…neue Künstler für Plattenfirmen zu finden, sie unter Vertrag zu nehmen und dann ihre künstlerische Entwicklung zu überwachen. Sie beaufsichtigen den Aufnahmeprozess, einschließlich der Auswahl von Produzenten, Songs und Singles, und stellen die Verbindung zwischen Künstler und Label her. Auf diese Weise haben diese weitgehend anonymen Gatekeeper im Stillen die Soundtracks unseres Lebens beeinflusst.

Wie Ted mir bei einem Kaffee beschrieb, sind die wenigen verbliebenen A&R-Führungskräfte risikoscheu geworden und weniger bereit, vielversprechende Talente zu engagieren, weil:

„Ich glaube, heutzutage haben A&R-Manager bei Major-Labels Angst, ihr Leben aufs Spiel zu setzen und neue Künstler unter Vertrag zu nehmen, weil sie befürchten, dass sie ihren Job verlieren könnten, wenn die CD eines neuen Künstlers sich nicht eine Million Mal verkauft…“

Ist es also ein Wunder, dass die Musikindustrie weiterhin sichere, aber miserable Musik produziert?

Es wird immer noch großartige Musik gemacht

Wenn Sie gute Musik lieben, gibt es auch heute noch eine Menge davon – man muss nur wissen, wo man sie findet. Hier ist ein netter Artikel auf Lifehacker, der eine Liste und eine Beschreibung nützlicher Websites enthält, die es dir ermöglichen, die Musik zu finden, die dir gefällt. Viel Glück! 🙂

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