Die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts war für das amerikanische Theater eine Zeit des großen Wandels. Es war eine Zeit des enormen Bevölkerungswachstums in Amerika, besonders in den Städten an der Ostküste. Die Amerikaner hatten mehr Freizeit und einen besseren Lebensstandard, und sie suchten im Theater nach Unterhaltung – Lachen, Glanz und Sentimentalität. Das expandierende Transportsystem in den Vereinigten Staaten ermöglichte es Schauspielern und Schauspielerinnen, durch das Land zu reisen und professionelles Theater in viele Städte zu bringen, die es zuvor nicht kannten. Da die Bevölkerung des Landes schnell wuchs, nahm auch die Zahl der Theater in großen und mittelgroßen Städten zu. Von den 1850er Jahren bis zur Jahrhundertwende wurden Tausende von neuen Theatern gebaut.
Die Wahl Andrew Jacksons zum Präsidenten der Vereinigten Staaten im Jahr 1828 schürte den Geist des Nationalismus, der im Lande gewachsen war. Kennzeichen der nationalistischen Bewegung waren Patriotismus, Optimismus und Idealismus, und diese Werte spiegelten sich auch im amerikanischen Theater wider. Die Romantik, die vorherrschende ästhetische Strömung in der Literatur und Kunst in Europa, wurde auch im amerikanischen Theater aufgegriffen, aber mit nationalistischen Untertönen vermischt, was zu demokratischeren und populistischeren Themen führte.
Ein weiterer Aspekt des Wohlstands dieser Ära war das Wachstum von Unternehmen, die der Theaterindustrie dienten. Vor allem in New York City wuchsen Unternehmen wie Theateragenturen, Kostümgeschäfte, Theaterausstatter, Fotostudios, Fachzeitschriften, Pensionen und Hotels sowie Restaurants, die auf die Theaterbranche ausgerichtet waren.
Theater des 19. Jahrhunderts
Auch das Design und die Technik der Theater veränderten sich um die Mitte des 19. Jahrhunderts. Die mit Kerzen beleuchteten Bühnen wurden durch Gaslicht und Limelight ersetzt. Limelight bestand aus einem Kalkblock, der mit einer Knallgasfackel zum Glühen gebracht wurde. Das Licht konnte dann mit Spiegeln gebündelt werden und erzeugte ein recht starkes Licht. In den 1850er Jahren begann sich die Innenausstattung der Theater zu verbessern, und der Orchestergraben wurde durch reichhaltige Verzierungen und Sitzplätze im Parkett ersetzt. 1869 eröffnete Laura Keen das umgebaute Chestnut Street Theater in Philadelphia, und Zeitungsberichte beschrieben die bequemen Sitze, die praktischen Logen, die schönen Dekorationen und Vorhänge, die ausgezeichnete Sicht, die gute Belüftung und die Blumenkörbe und Hängepflanzen.
Die Theaterbesucher in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts hatten den Ruf, ungehobelt, laut und ungehobelt zu sein. Die Verbesserungen, die in der letzten Hälfte des 19. Jahrhunderts an den Theatern vorgenommen wurden, ermutigten die Besucher aus der Mittel- und Oberschicht, Theaterstücke zu besuchen, und die Zuschauer wurden ruhiger, vornehmer und neigten weniger dazu, die Aufführung zu stören.
Stücke und andere Unterhaltungen im Theater des 19. Jahrhunderts
Bis weit in die Mitte des 19. Jahrhunderts hinein waren die amerikanischen Theater weiterhin stark vom Londoner Theater beeinflusst. Viele Schauspieler und Schauspielerinnen dieser Zeit waren in England geboren und hatten dort ihren beruflichen Einstieg gefunden. Die Stücke, die aufgeführt wurden, folgten in der Regel der klassischen englischen Tradition, wobei Shakespeares Stücke und andere englische Standardstücke beliebt blieben. Allerdings begannen in Amerika geborene Dramatiker und Schauspieler Einfluss zu nehmen, und es wurden auch regelmäßig zeitgenössische Stücke aufgeführt.
Vor den 1850er Jahren konnte ein Theaterprogramm fünf oder sechs Stunden verschiedener Unterhaltungen umfassen, wie Farcen, ein Hauptstück, ein Nachspiel, musikalische Unterhaltung und Ballett. Musik war ein wichtiger Bestandteil des frühen amerikanischen Theaters, und die Stücke wurden oft mit Musiknummern versehen. In den 1850er Jahren begann man, die Anzahl der Unterhaltungsstücke auf dem Spielplan zu reduzieren, zunächst auf zwei oder drei und später auf ein einziges Hauptstück.
Der Schauspielstil des frühen 19. Jahrhunderts neigte zu übertriebenen Bewegungen, Gesten, grandiosen Effekten, spektakulärem Drama, physischer Komik und Gags sowie ausgefallenen Kostümen. Ab der Mitte des 19. Jahrhunderts kam jedoch ein naturalistischerer Schauspielstil in Mode, und von den Schauspielern wurde ein kohärenterer Ausdruck des Charakters erwartet. Die Themen der neuen Stücke stammten häufiger aus dem zeitgenössischen gesellschaftlichen Leben, wie z. B. Ehe- und Familienangelegenheiten, Fragen der sozialen Klasse und soziale Probleme.
Eine weitere beliebte Form des Theaters im 19. Jahrhundert war die Burleske (auch Travestie genannt). Die Stücke von Shakespeare, insbesondere die im regulären Repertoire der seriösen Theater, waren ein beliebtes Ziel. Viele Schauspieler waren vor allem für ihre komödiantischen und burlesken Talente bekannt.
Struktur der Theatergesellschaften
Neben den Stücken und Schauspielern übernahm Amerika auch das „Star-System“ aus Großbritannien. In den großen Städten an der Ostküste und in New Orleans wurden Stock-Theatergesellschaften gegründet. Die Besetzung wurde dann durch Gastschauspieler ergänzt, die zu diesem Zweck durch das Land tourten. Stock Companies waren autark und führten ihre eigenen Produktionen auf, wenn kein Star zu Gast war, aber in den 1840er Jahren tourten so viele Stars durch die Vereinigten Staaten, dass die meisten Unternehmen selten ohne die Dienste mindestens eines bekannten Schauspielers oder einer Schauspielerin auskamen.
Stock Companies hatten in der Regel einen Schauspieler-Manager, der für alle Einzelheiten des Geschäfts und der Produktion verantwortlich war. Die Manager dieser Gesellschaften waren sehr mächtig und ihr Wort war Gesetz in der Gesellschaft. Der Manager nahm oft erhebliche Änderungen am Werk eines Dramatikers vor, und die Dramatiker hatten bis zur Verabschiedung des Dramatic Copyright Act von 1833 keine Möglichkeit, dies zu verhindern. Selbst dann galt der Copyright Act nur für gedruckte Stücke.
Die Theaterproduktionen wurden regelmäßig, oft täglich, gewechselt. Lange Spielzeiten von 100 oder mehr Aufführungen waren jedoch nicht ungewöhnlich und wurden in den letzten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts üblich.
In der letzten Hälfte des 19. Jahrhunderts wich das Starsystem allmählich dem „Kombinationssystem“. Die Manager stellten fest, dass es wirtschaftlicher war, die gesamte Theatertruppe auf Tournee zu schicken, als ständig hochpreisige Stars zu engagieren. Die Ensembles verbrachten den Sommer in ihrer Heimatstadt, in der Regel New York, Boston oder Philadelphia, und gingen dann ab Oktober wieder auf Tournee. Eine „Saison“ umfasste in der Regel 39 Wochen.
Amerikanisches Theater und der Bürgerkrieg
Das amerikanische Theater war vom Ausbruch des Bürgerkriegs nur mäßig betroffen. Einige Theater wurden im ersten Kriegsjahr geschlossen, dann aber wiedereröffnet, sogar im Süden. Der Tourneebetrieb wurde jedoch in den Nordstaaten stark eingeschränkt und in den Südstaaten ganz eingestellt. Einige führende Schauspieler meldeten sich freiwillig zum Dienst, aber die meisten gingen weiterhin ihrem Beruf nach. Eines der größten Theaterereignisse während des Bürgerkriegs war die Popularität des Stücks UNCLE TOM’S CABIN. In New York City liefen zeitweise vier Vorstellungen gleichzeitig. Nach dem Krieg erlangten viele Südstaatentheater ihren Status nie wieder zurück, auch wenn die Theaterindustrie im Norden und Westen schnell wuchs.
Theaterleben
Im 18. und frühen 19. Jahrhundert galt der Schauspielerberuf als sündhaft und Schauspieler wurden gesellschaftlich geächtet. Mitte des 19. Jahrhunderts jedoch galten Schauspieler als gesellschaftlich durchaus respektabel. „Prominente Persönlichkeiten aus Gesellschaft, Politik und Literatur gingen aus dem Weg, um führende Mitglieder des Schauspielerberufs zu unterhalten, während weniger bedeutende Schauspieler keine Probleme zu haben schienen, sich in das bürgerliche Amerika einzufügen. In den Memoiren von Theatermachern wie Wood, Ludlow, Smith oder William Warren findet sich kein Hinweis auf soziale Ächtung. Im Gegenteil, sobald sie sich in ihrem Beruf etabliert hatten, wurden sie zu soliden und geachteten Bürgern. Natürlich war der soziale Erfolg der Schauspieler in gewissem Maße durch ihre Herkunft und in noch stärkerem Maße durch ihre bescheidenen Gehälter begrenzt. Aber wenn Schauspieler erfolgreich waren, anständig lebten und, was vielleicht am wichtigsten war, Geld verdienten, waren sie gesellschaftlich akzeptiert.“ (Grimsted)
Das Leben der Schauspieler und Schauspielerinnen in der Mitte des 19. Jahrhunderts war sehr hart und erforderte große körperliche Ausdauer. Zusätzlich zu einem zermürbenden Aufführungsplan mussten die Schauspieler Postkutschen- und frühe Flussschiffreisen sowie behelfsmäßige Unterkünfte aushalten. Die Schauspieler probten oft bis zu drei Stücke an einem Tag und mussten sich dann auf die Aufführung am nächsten Tag vorbereiten. In der Zeit des Bürgerkriegs war die Spielzeit sehr abwechslungsreich und anspruchsvoll. Eine Spielzeit konnte aus 40 bis 130 Stücken bestehen, die jeden Abend wechselten. Von den Gebrauchsschauspielern eines Ensembles konnte erwartet werden, dass sie über 100 Rollen beherrschten. Die berühmte Schauspielerin Charlotte Cushman bot 200 verschiedene Hauptrollen an. Von den Schauspielern wurde in der Regel erwartet, dass sie eine neue Rolle innerhalb von zwei Tagen, manchmal sogar über Nacht, erlernten.
In der Vorkriegszeit lagen die Gehälter der Anfänger zwischen 3 und 6 Dollar pro Woche, die der Statisten zwischen 7 und 15 Dollar pro Woche, die der „Walking Ladies and Gentlemen“ zwischen 15 und 30 Dollar und die der Hauptdarsteller zwischen 35 und 100 Dollar pro Woche. Reisende Stars konnten 150 bis 500 Dollar pro 7- bis 10-tägigem Engagement erhalten, plus eine oder mehrere Zusatzleistungen. Abgesehen von den untersten Rängen der Schauspieler waren diese Gehälter für die damalige Zeit gut, vor allem für Frauen, auch wenn sie weniger als Männer in vergleichbaren Rollen bezahlt wurden. Von den Schauspielern und Schauspielerinnen wurde erwartet, dass sie ihre Kostüme selbst besorgten.
Viele der Schauspieler und Schauspielerinnen des 19. Jahrhunderts stammten aus Theaterfamilien und -verhältnissen, und viele begannen schon als Kinder mit dem Theater. „Kinderstars sind eine amerikanische Tradition … aber keine Epoche übertrifft die Mitte des 18. Jahrhunderts, was die schiere Anzahl der Kinder betrifft, die in Live-Theaterveranstaltungen auftraten, oder den Grad der Ernsthaftigkeit, mit dem sie genommen wurden. Und im Gegensatz zu ihren modernen Gegenstücken erlangten sie meistens Anerkennung, indem sie Erwachsenenrollen spielten.“ (Hanners) Allerdings spielten diese Kinder in der Regel Szenen aus Stücken, z. B. von Shakespeare, und nicht die Rolle in einer kompletten Inszenierung.
„Weil das Theater bemerkenswert freiheitlich war, waren Frauen in diesem Beruf ihren männlichen Kollegen immer relativ gleichgestellt. Schlechte Manager haben sich in gleichem Maße um ihre Gehälter gedrückt; das Publikum hat sie in gleichem Maße ausgebuht; sie haben zwischen den Engagements in gleichem Maße gehungert; und ihre Beiträge zu den Traditionen des Theaters sind in gleichem Maße vergessen worden.“(Turner) Vor allem im 19. Jahrhundert war die Rolle der Frau im Theater eher zweideutig. Die Traditionen der damaligen Zeit verlangten von Frauen, dass sie zart, zerbrechlich und abhängig waren. Die Härte des Schauspielerberufs erforderte jedoch, dass sie belastbar, unabhängig, willensstark und entschlossen waren.
Zu den vielen Problemen, mit denen sich Frauen im Theater konfrontiert sahen, gehörte auch ein eher unbeschwertes Problem, nämlich der Umgang mit der Mode der Zeit. Clara Morris erzählte, dass lange Schleppen an Kleidern besonders lästig waren. Sie erzählt von Fanny Davenport, die sich während einer Komödie auf einer überfüllten Bühne ziemlich viel bewegen musste und sich schließlich mit ihren Schleppröcken so gründlich um einen Stuhl wickelte, dass dieser beim Verlassen der Bühne mit ihr zusammen verschwand.
Die Fotografen
Einige Fotografen und Fotostudios erreichten einen gewissen Status in der Theaterbranche. Zu den berühmtesten gehörte Napoleon Sarony. Sarony gründete 1866 ein Studio am Broadway und fotografierte in den folgenden 30 Jahren praktisch alle Schauspieler und Schauspielerinnen, die auf der New Yorker Bühne arbeiteten. Andere berühmte Fotografen und Studios dieser Zeit waren Charles D. Fredricks & Co. und Jeremiah Gurney aus New York, Washington Lafayette Germon aus Philadelphia und Matthew Brady, der mit dem E. & H.T. Anthony Studio in New York zusammenarbeitete.
Cartes-de-visite waren kleine Visitenkartenporträts, die normalerweise 4½“ x 2½“ maßen. Ein Pariser Fotograf, Andre Disdéri, führte sie Ende 1854 ein. Er ließ sich eine Methode patentieren, mit der mehrere Fotos auf einer Platte aufgenommen werden konnten, was die Produktionskosten erheblich senkte. Es wurden verschiedene Arten von Kameras entwickelt. Einige verfügten über einen Mechanismus, der die fotografische Platte drehte; andere hatten mehrere Linsen, die einzeln oder alle zusammen aufgedeckt werden konnten.
Die Carte-de-Visite setzte sich erst durch, als Napoleon III. eines Tages im Mai 1859 auf dem Weg nach Italien mit seiner Armee seine Truppen anhielt und in Disdéris Pariser Atelier ging, um sich fotografieren zu lassen. Durch diese willkommene Publicity wurde Disdéri berühmt, und zwei Jahre später soll er allein in einem Studio fast 50.000 Pfund pro Jahr verdient haben. In den 1860er Jahren wurde die Nachfrage nach diesen Karten immens.