Grammy-prämierte afro-amerikanische Sängerin, die für ihre einzigartige Kombination von Jazz, Pop und Klassik bekannt ist. Namensvariationen: (Spitznamen) „Sassy“ Sarah Vaughan; the Divine One; the Divine Miss Sarah. Geboren als Sarah Vaughan am 27. März 1924 in Newark, New Jersey; gestorben an Lungenkrebs in Kalifornien am 4. April 1990; einziges Kind von Ada Vaughan und Asbury „Jake“ Vaughan; besuchte die Junior High School; verheiratet mit George Treadwell, 1946 (geschieden 1958); verheiratet mit Clyde B. Atkins, 1958 (geschieden 1962); verheiratet mit Waymon Reed, 1978 (geschieden 1981); Kinder: (Adoptiv-)Tochter, Debra, beruflich bekannt als Paris Vaughan.
Sang und spielte Klavier und Orgel als Kind in der Baptistenkirche ihrer Familie in Newark; als Teenager spielte und sang sie in lokalen Nachtclubs und Ballsälen; wurde von Earl Hines engagiert, um in seiner Band zu singen (1943), dann in der Band von Billy Eckstine (1944), bevor sie als Solokünstlerin auftrat; erlangte unter der Leitung ihres ersten Ehemannes und Managers internationales Ansehen und begann eine fast 50-jährige Karriere als progressive Jazzkünstlerin, Popsängerin und Konzertkünstlerin, die in zwei Grammy-Auszeichnungen gipfelte; Aufnahme in die Jazz Hall of Fame (1988).
Eines Tages im Jahr 1939 besuchte ein Fremder Jake und Ada Vaughan in ihrem Haus im Stadtteil „Down Neck“ von Newark, New Jersey, in der Nähe des Bahnhofs. Er sagte, er betreibe einen Nachtclub in einem weniger noblen Teil der Stadt und habe die Art und Weise bewundert, wie ihre Tochter Sarah Klavier spielte und für seine Kunden sang; so sehr, dass er Sarah einen Vollzeitjob geben wollte, um jeden Abend zu spielen. So fanden die Vaughans heraus, was ihre 15-jährige Tochter getrieben hatte, warum sie tagsüber so müde war und warum ihr Schlafzimmerfenster morgens seltsamerweise offen stand, selbst mitten im Winter. Obwohl alle wussten, dass Sarah gerne sang und spielte, waren ihre Eltern die Letzten, die herausfanden, wie sehr sie sich der Musik verschrieben hatte.
Sarah Vaughan spielte jeden Sonntag in der New Zion Baptist Church die Orgel und das Klavier, solange man sich erinnern konnte – praktisch seit ihrer Geburt im Jahr 1924. Beide Eltern waren musikalisch veranlagt: Ada spielte Klavier und Asbury“ Jake klimperte auf der Gitarre und sang einige der Country- und Blues-Songs, die er in seiner Heimat Virginia gelernt hatte. Sarah war sowohl in der Kirche als auch in der Schule für ihre musikalische Begabung bekannt, insbesondere für ihren Gesang. Schon in der Grundschule war sie jeden Wochentag um 5.15 Uhr im Haus, um Bob Howards Programm vom CBS-Sender in New York zu hören, und imitierte seinen Gesangs- und Spielstil für ihre Freunde.
Als sie im Teenageralter war, schlichen sich Vaughan und ihre Freundinnen nachts in die örtlichen Ballsäle und Clubs, um die großen Bands zu hören, die in den Nachtlokalen von Newark auftraten, vor allem im Adams Theater, wo Earl „Fatha“ Hines und seine Band häufig auftraten, mit Billy Eckstine am Gesang. Dann gab es immer noch The Mosque, The Picadilly und eine beliebige Anzahl von mehr als 60 Varieté-, Burlesque- und Filmtheatern, die eine Musikszene beherbergten, die fast so lebendig war wie die von Manhattan, gleich auf der anderen Seite des Hudson River. „Jeder wollte ein Star werden“, erinnert sich Gil Fuller, der mit Sarah aufwuchs und später Komponist und Arrangeur für Dizzy Gillespie wurde. Fuller erinnerte sich auch an Ada und Jake Vaughan. „Sie waren Leute, die nicht einmal wollten, dass ihre Kinder zum Tanzen gingen“, erinnerte er sich und nannte die Quelle jahrelanger Reibereien zwischen Sarah und ihren Eltern, vor allem als Vaughan in ihrem ersten Jahr die High School abbrach und ankündigte, sie wolle ein Star werden. „Ich will es! Ich mag es! Und ich werde zuschlagen“, sagte sie trotzig zu einem wütenden Jake.
Als Teenager war Vaughan die ganze Nacht über in den Clubs der Stadt anzutreffen, sang, wann immer sie gefragt wurde, und genoss die Gesellschaft der Musiker. Sie rauchte bereits eine Menge Zigaretten, manchmal mehr als zwei Päckchen pro Tag, und sie hatte bereits eine Vorliebe für Gin mit einem Spritzer Wasser und einem Twist entwickelt. Sie liebte laute Musik, Menschenmassen und die dunstige, blaue Atmosphäre eines Nachtclubs in den frühen Morgenstunden; und sie erwarb sich schnell einen Ruf für ihr scharfes Repartée und ihr fließendes Schimpfwort. „Was auch immer sie zu sagen hatte“, erinnerte sich ein Freund aus jener Zeit, „sie sagte es direkt heraus. Sie hielt sich nicht zurück.“ Die Männer in den verschiedenen Bands, mit denen Vaughan befreundet war, begannen, sie „No ‚Count Sarah“ zu nennen, weil sie niemanden für ihr Wohlergehen verantwortlich machte, außer sich selbst.
Wie bei so vielen anderen Sängerinnen ihrer Generation begann Vaughans Karriere im Apollo Theater in Harlem, wo sie 1942 an einem Amateurabend „Body and Soul“ sang und den ersten Preis gewann. Der Zeremonienmeister, der sie fast vom Auftritt abgehalten hätte, weil sie zu spät kam, war beeindruckt von ihrer Fähigkeit, die Melodie stimmlich zu verändern: „Sie sprang über Oktaven, als ob sie ihr gehörten.“ Neben dem ersten Preis in Höhe von zehn Dollar erhielt Vaughan das Versprechen, eine Woche lang im Apollo zu arbeiten, was sich jedoch erst im Frühjahr 1943 erfüllte, als sie im Vorprogramm von Ella Fitzgerald auftrat – einer weiteren Entdeckung der Apollo Amateur Night. Fitzgerald war in späteren Jahren die einzige Sängerin, die Vaughan den Titel der führenden Jazzsängerin streitig machen konnte. Die Rivalität zwischen den beiden war immer freundschaftlich, und Ella beschützte Sarah nach der Apollo-Show vor Booking-Agenten, die sie umschwärmten. Viele Jahre später nannte Fitzgerald Vaughan großzügig „das größte Gesangstalent der Welt“. An diesem Abend im Apollo waren auch Earl Hines und Billy Eckstine anwesend, die beide später behaupteten, Sarah „entdeckt“ zu haben. Drei Wochen später hatte Vaughan ihren ersten bezahlten Vollzeitjob im Musikgeschäft in der Hines-Band, wo sie Duette mit Eckstine sang und zweites Klavier mit Hines spielte.
Die Band war Vaughans Zuhause, Familie und Musikschule für das nächste Jahr, und sie hätte keine bessere finden können. Neben Eckstine, von dem sie viel über Phrasierung, Interpretation und Bühnenpräsenz lernte, gehörten der Band zwei Männer an, die das Zeitalter des „progressiven“ Jazz einleiten sollten: der Trompeter Dizzy Gillespie und der Saxophonist Charlie Parker. „Was an der Hines-Band so aufregend war“, erinnerte sich Vaughan später, „war, dass sie Harmonien und komplexe Rhythmen und Texturen spielten, die ich bereits aus der klassischen Musik kannte. Das war ein ganz neues Zeitalter des Jazz.“ Gillespie erkannte schnell Vaughans Fähigkeit, den schnellen, komplexen Wechseln und Harmonien dessen zu folgen, was er später Bebop nannte, mit seinen abgehackten Rhythmusmustern und ungewöhnlichen Notenfolgen. (Ein musikalisch konservativerer Cab Calloway nannte es „chinesische Musik“.) „Sarah kann Noten singen, die andere Leute nicht einmal hören können“, sagte Gillespie.
Im Gegensatz zu den meisten Sängerinnen, die ihre Zeit vor und nach den Auftritten in ihren Hotelzimmern verbrachten, verbrachte Vaughan ihre Zeit abseits der Bühne mit den Bandmitgliedern, trank, rauchte und fluchte mit den Besten von ihnen. Wahrscheinlich kam sie während dieser Zeit auf den Geschmack von Kokain, das sie für einen Großteil ihres Lebens plagen sollte; aber egal, welchen Angewohnheiten sie frönte oder wie wenige Stunden Schlaf sie bekam, ihre Stimme wurde mit der Zeit immer besser. Ihre Versionen von „He’s Funny That Way“, „Once in a While“ und „Sweet and Lovely“, vorgetragen mit einer satten, vibrierenden Stimme, die oft als rauchig beschrieben wurde, wurden zur definitiven Bearbeitung dieser Popstandards. Ihre Stimme mit ihrem erstaunlichen Tonumfang wurde ebenso ein Instrument der Band wie Gillespies Trompete oder Parkers Altsaxophon, und ein Kritiker bemerkte, dass sie „zart und süß wie eine Geige im oberen Bereich ihres Tonumfangs, sonor wie eine Orgel im unteren Bereich, mit der ganzen Geschmeidigkeit einer Trompete dazwischen“ sein konnte.
Im Jahr 1943 verließ Billy Eckstine die Band von Hines, um seine eigene Gruppe zu gründen, und nahm Gillespie und Parker mit. Ein Jahr später folgte Vaughan. Nun, da die Gruppe nicht mehr auf Hines‘ Beharren auf Pop-Standards angewiesen war, sah sich Sarah neuen Herausforderungen gegenüber und musste ihre Stimme noch stärker in das Ensemble integrieren. „Man musste schon ein wenig von Musik verstehen oder ein verdammt gutes Gehör haben, um vor dieser Band zu stehen“, sagte Vaughan später, fügte aber hinzu: „Ich liebte es, ich liebte es!“ 1944 machte sie ihre erste Aufnahme, „I’ll Wait and Pray“, die im Dezember veröffentlicht wurde, und bekam den Spitznamen, der sie für den Rest ihres Lebens begleiten sollte: „Sassy“, den ihr Eckstines Pianist John Malachi gab, der sie gerne auf die Schippe nahm, um eine scharfe und salzige Erwiderung zu bekommen. Später im selben Jahr, als Gillespie Eckstines Band verließ, um sein reines Bebop-Ensemble zu gründen, beschloss Vaughan, es auf eigene Faust als Solistin zu versuchen. Sie spielte in allen Clubs der 52. Straße in New York – dem Famous Door, dem Onyx, dem Three Deuces, manchmal mit Charlie Parker, manchmal mit Eckstine, der oft in der Nähe spielte. Obwohl die Zeit zwischen den Auftritten sie manchmal zwang, für Wochen nach Newark zurückzukehren, wuchs ihr Ruf als einzigartige Jazz-Stilistin, vor allem als der einflussreiche Kritiker Leonard Feather 1944 in seiner Jazz-Enzyklopädie über sie schrieb: „Sarah Vaughans Stimme … brachte dem Jazz eine beispiellose Kombination aus … einem wunderbar kontrollierten Ton und Vibrato, einem Gespür für die Akkordstruktur von Songs … einer schüchternen, manchmal archaisch naiven Qualität, die sich mit einem großen Sinn für Raffinesse abwechselt.“ Er war so beeindruckt von ihr, dass er Vaughan zu ihrem ersten Plattenvertrag mit einem kleinen Label namens Continental verhalf, unter dem sie 1944 vier Aufnahmen für 20 Dollar pro Song veröffentlichte. Darunter befand sich auch „East of the Sun, West of the Moon“, das zu einer ihrer meistgesuchten Nummern wurde. Im folgenden Jahr nahm sie mit Dizzy „Lover Man“ auf, das allgemein als die erste weithin akzeptierte „progressive“ Jazz-Veröffentlichung gilt.
Noch war nicht jeder bereit für ihren Sound. Ihr Markenzeichen, das Vibrato, wurde oft kritisiert, und man warf ihr vor, zu stilisiert zu sein, mit zu vielen absichtlichen Gesangsfeuerwerken – „umherschweifend und amateurhaft“, wie ein Kritiker es ausdrückte; und Time verglich ihre Stimme mit einem Kazoo, obwohl das Magazin später eine Erklärung abdruckte, dass das Kazoo eines der wenigen Instrumente war, das mit Halbtönen und Vierteltönen so umgehen konnte wie Vaughan, und dass der Vergleich eigentlich als Kompliment gemeint war. Ihre nächste denkwürdige Aufnahme, die ihre Vielseitigkeit unter Beweis stellen sollte, war so weit vom Bebop entfernt, wie es nur möglich war: eine Version von „The Lord’s Prayer“, die zur Weihnachtszeit 1950 von Musicraft veröffentlicht wurde, bei dem Vaughan nach ihrem Weggang von Continental unterschrieben hatte. Sie war so erfolgreich, dass die Altistin Marian Anderson, deren Version bis dahin der Standard war, ihr ein Glückwunschschreiben schickte. Sogar Vaughans Vater, der sie wegen ihrer Berufswahl fast verstoßen hatte, begann zu glauben, dass es doch keine so schlechte Idee gewesen war.
In den späten 1940er Jahren waren die Weichen für Vaughans Aufstieg zu einem internationalen Talent gestellt, und der Katalysator war der Mann, den sie im September 1946 heiratete, George Treadwell. Treadwell spielte Trompete in einer Band in Harlem und reiste eines Abends nach Greenwich Village in einen Club namens Café Society, um die neue Sängerin zu hören, über die jeder sprach. Er verliebte sich – erstens, wie er sagte, in die Musik und zweitens in die Frau. Der Mann, den Vaughan heiratete, wurde auch ihr Manager, ein Muster, das sich im Laufe ihres Lebens wiederholen sollte. Treadwell kontrollierte jeden Aspekt von Sarahs Karriere – von der Kleidung, die sie trug, über das Vokabular, das sie verwendete, bis hin zu den Liedern, die sie sang – mit großem Erfolg. Einige ihrer besten Aufnahmen für Musicraft entstanden unter seiner Leitung, darunter ihre erste Jazzaufnahme, die den Sprung in die Pop-Charts schaffte, „Tenderly“, veröffentlicht 1947, und „It’s Magic“, das sich fast drei Monate lang auf Platz 11 der Charts hielt. Als er sie 1946 im Café Society kennenlernte, erhielt sie 250 Dollar pro Woche; als sie drei Jahre später im selben Club auftrat, erhielt sie über 2.000 Dollar pro Woche, plus einen Prozentsatz der Eintrittsgelder. Treadwell verschaffte ihr Interviews im Radio, in Magazinen und Zeitungen und sorgte dafür, dass ihre Platten viel gespielt wurden. Esquire verlieh ihr 1947 den New Star Award, und Down Beat kürte sie fünf Jahre in Folge zur beliebtesten Sängerin. Treadwell kümmerte sich um alles, auch um das Geld, denn Vaughan gab freimütig zu, dass sie eine Verschwenderin war. „Er kann gut rechnen“, sagte sie 1947 über ihren Mann, „und er mag Chili und ich auch“. Treadwell organisierte ihre erste landesweite Tournee mit Auftritten von Miami über Los Angeles bis nach Chicago, wo der Radiomoderator Dave Garroway ein solcher Fan wurde, dass er sie in seine Live-Mitternachtsshow im Sherman Hotel aufnahm und Vaughans Version von „Don’t Blame Me“ so oft spielte, dass es zu seinem Titelsong wurde. Es war Garroway, der Sarah als „The Divine One“ bezeichnete, ein Titel, dem 1948 nur wenige widersprachen. Metronome bemerkte, dass „seit Billie Holiday keine Sängerin andere Sängerinnen so hart getroffen hat“
Nach einem Vertragsstreit mit Musicraft unterschrieb Vaughan 1949 bei Columbia, wo sie einen weiteren Jazz-Pop-Crossover-Titel, „Make Believe“, und ihren ersten reinen Pop-Standard, „I Cried for You“, aufnahm. Treadwell bewarb sie nun als Pop-Stilistin und nicht mehr als Jazz-Sängerin, und der Jazz-Kritiker der New York Times, John Wilson, bemerkte, dass sie sich von einer „esoterisch geschätzten Sängerin in einen Showman verwandelt hatte, der es mit den wenigen Auserwählten aufnehmen kann, die auf der obersten Sprosse thronen.“
Ich singe. Ich singe einfach.“
-Sarah Vaughan
Im Jahr 1951 begab sich Vaughan auf die erste von vielen Europatourneen, bei denen Jazzfans in London, Paris und München in Scharen kamen, um das neue amerikanische Phänomen zu hören. Freunde erinnerten sich an diese erste Reise als eine einzige lange Party für Sarah und äußerten erneut ihre Verwunderung darüber, dass Alkohol, Zigaretten und Drogen ihre Stimme nur zu verbessern schienen. Sie bemerkten auch, dass die Beziehungen zwischen Vaughan und Treadwell immer angespannter wurden, so dass George oft in New York blieb, um ihr Management zu leiten, während Sarah auf Tournee war. Vaughan verdiente nun fast 200.000 Dollar im Jahr, hatte ausverkaufte Auftritte in der Carnegie Hall und Gastauftritte in großen Fernsehshows und erlebte, wie ihre Karriere unter Treadwells Augen explodierte, aber sie vermisste ihre Jazz-Wurzeln und ärgerte sich über Treadwells Schwerpunkt auf Pop. Sie verließ Columbia und unterschrieb bei Mercury einen Vertrag, der es ihr erlaubte, Mainstream-Musik unter dem Hauptlabel und experimentelleren Jazz unter dem Tochterlabel EmArcy aufzunehmen. „Mein Vertrag mit Mercury ist für Pops“, sagte sie, „und mein Vertrag mit EmArcy ist für mich“. Ihre letzte Aufnahme unter Treadwells Leitung war „Broken-Hearted Melody“, eine Liebesballade, die Sarah nicht mochte und als „kitschig“ bezeichnete, aber es war ihr erster Millionenseller und wurde 1959 für einen Grammy nominiert, die erste von sieben solchen Nominierungen. Zu diesem Zeitpunkt hatten sich George und Sarah jedoch bereits scheiden lassen, und George enthüllte, dass von den 150 Millionen Dollar, die Vaughan angeblich an Tantiemen verdient hatte, nur 16.000 Dollar übrig geblieben waren. Es gab nie öffentliche Erklärungen darüber, wo der Rest geblieben war, aber selbst dann gab Sarah immer zu, dass sie einen großen Teil ihres Erfolges George verdankte.
Kurz nach der Scheidung gab Vaughan ihre Heirat mit Clyde B. („C.B.“) Atkins bekannt, einem zwielichtigen Geschäftsmann aus Chicago, der behauptete, eine Flotte von Taxis zu besitzen und ein professioneller Footballspieler gewesen zu sein. Obwohl er keine Ahnung vom Musikgeschäft hatte, übergab Sarah ihrem neuen Mann die Leitung von The Devine One, ihrer neuen Managementfirma. Sie kehrte zur Arbeit zurück, indem sie Mercury verließ und einen neuen Vertrag mit Roulette Records unterzeichnete. 1958 reiste sie erneut nach Europa, um auf Einladung des Außenministeriums auf der Weltausstellung in Brüssel zu singen. C.B. und Sarah adoptierten 1961 eine Tochter, Debra, und Vaughan stellte sich in der Öffentlichkeit als glücklich verheiratete Frau dar. Doch Freunde wussten es anders. C.B. hielt sie eifersüchtig zu Hause, wenn sie nicht auftrat, verbrachte einen Großteil seiner Zeit damit, mit ihrem Geld zu spielen, und misshandelte sie körperlich. Mit der Behauptung, C.B. habe ihr Leben bedroht, reichte Vaughan 1962 die Scheidung ein, nur um festzustellen, dass C.B. ihr 150.000 Dollar Schulden hinterlassen hatte. Das Finanzamt beschlagnahmte ihr Haus in Newark, weil sie ihre Steuern nicht bezahlt hatte, und Sarah und Debra zogen schließlich zu John „Preacher“ Wells, einem Freund aus Kindertagen, der – nicht unerwartet – Vaughans Manager und Liebhaber wurde. Wells brachte Sarahs Finanzen in Ordnung, eröffnete sogar ihr erstes offizielles Girokonto und half ihr, ihr Leben wieder in den Griff zu bekommen.
Auch mit Wells‘ Hilfe fiel es Vaughan jedoch schwer, die nächtlichen Arbeitszeiten und Gewohnheiten aufzugeben, an die sie gewöhnt war. Roy McClure, der eine Zeit lang in ihrer Gruppe Bass spielte, behauptete, sie würde sich vor einem Auftritt „mit Drogen, Alkohol und Zigaretten vollstopfen“ und dann singen wie ein Vogel. Sarahs Stimme schien immer tiefer und reicher zu werden, aber Ende der 60er Jahre löste der Rock ’n‘ Roll den Jazz als Alternative zum Pop ab, und ihre Aufnahmen aus den 40er und 50er Jahren wurden nun als Oldies im Radio gespielt. Auf der Suche nach neuen Einsatzmöglichkeiten für ihre Stimme nahm Vaughan „The Messiah“ mit einem 40-köpfigen Chor für Quincy Jones auf, der Teil des Soundtracks für den Film Bob and Carol and Ted and Alice von 1969 war, und äußerte sogar den Wunsch, Oper zu singen. Aber von 1967 bis 1970 machte sie keine Aufnahmen und hatte keinen Vertrag mit einem großen Label. Vaughan trennte sich von Wells, zog mit Debra in ein gemietetes Haus in Los Angeles und versuchte, aktiv zu bleiben, indem sie bei „Event“-Konzerten und Jazzfestivals auftrat, oft zusammen mit alten Freunden aus der Harlemer Zeit, wie Billy Eckstine, Fitzgerald und Carmen McRae.
Schließlich traf Sarah die Person, die in den 1970er Jahren für sie das tun sollte, was George Treadwell in den 1950er Jahren für sie getan hatte. Marshall Fisher, ein erfolgreicher Gastronom aus Chicago, war seit den Tagen im Sherman Hotel ein Fan und stellte sich eines Abends nach Sarahs Auftritt bei einem Jazzfestival in Kalifornien vor. Obwohl er ein weißer Mann war, schien die folgende Liebesbeziehung für die Freunde genau das Richtige für ihre Sassy zu sein. Fisher wollte ihre Musik, nicht ihr Geld“, wie einer von ihnen sagte. „Er passte genau hinein. Der Rassenunterschied bedeutete weder für Sassy noch für uns irgendetwas. Fisher sorgte wie Treadwell vor ihm dafür, dass Vaughan die richtigen Kleider trug, die richtigen Songs auswählte und mit den richtigen Leuten gesehen wurde – er ging sogar so weit, sie zu überreden, mit ihm in ein luxuriöses Haus in einer exklusiven Gemeinde in Los Angeles, Hidden Hills, zu ziehen. Obwohl sie nie heirateten, bezeichnete die Presse Marshall stets als Vaughans Ehemann, was er auch im rechtlichen Sinne war, bis sich Sarah sechs Jahre später einen neuen Liebhaber zulegte. 1978, im Alter von 54 Jahren, heiratete sie legal den 38-jährigen Waymon Reed, einen Trompeter der Count Basie Band. Doch Reeds Alkohol- und psychische Probleme führten 1981 zur Scheidung.
Trotz der Turbulenzen in ihrem Privatleben tourte Vaughan fast ununterbrochen, und Ende der 1970er Jahre wurde sie von einer neuen Generation entdeckt, wozu eine Reihe von Gershwin-Konzerten beitrug, die sie mit dem jungen Komponisten und Dirigenten Michael Tilson Thomas sang und die ihr 1982 ihren ersten Grammy Award für das gemeinsam aufgenommene Gershwin-Album einbrachten. Weitere Auftritte mit dem Philadelphia Symphony Orchestra, dem Washington National Symphony Orchestra und den klassischen Orchestern anderer Städte von Denver bis Kansas City unterstrichen ihre erstaunliche Bandbreite und Vielseitigkeit – von „America, the Beautiful“ bis „The Man I Love“. Sie sang im Weißen Haus für besuchende Würdenträger, wurde im Kongress gelobt, wo sie für ihre zahlreichen Auftritte im Namen amerikanischer Kulturprogramme im Ausland geehrt wurde, und gewann einen Emmy Award für eines der Gershwin-Konzerte, die auf PBS präsentiert worden waren. 1988 wurde sie in die Jazz Hall of Fame aufgenommen, und 1989 erhielt sie einen zweiten, besonderen Grammy für ihr Lebenswerk.
Ab 1989 jedoch begann Vaughans Gesundheit ihr zuzusetzen. Sie war oft kurzatmig und litt unter Arthritis in ihren Händen. In jenem Jahr musste sie mehrere Auftritte absagen, darunter auch einen Teil eines Engagements im Blue Note in New York, bei dem sie erfuhr, dass sie Lungenkrebs hatte. Sie unterzog sich einer Chemotherapie und erholte sich so weit, dass sie ein neues Album mit Quincy Jones plante und schwor, es fertig zu stellen, „selbst wenn ich es direkt von diesem Bett aus singen muss“. Doch an einem Juliabend 1990, während sie einen Fernsehfilm sah, in dem Debra, die beruflich als Paris Vaughan bekannt war, die Hauptrolle spielte, verstarb sie leise.
Das Ausmaß von Sarah Vaughans Einfluss lässt sich an der Vielzahl von Künstlern ablesen, die an den zahlreichen Gedenkfeiern zu ihren Ehren teilnahmen – Rosemary Clooney, Nell Carter, Joni Mitchell , die Operndiva Leontyne Price , die sagte, Vaughan sei „an den Ort gegangen, wo die Musik herkommt“, und ein gebrechlicher Billy Eckstine, der gegenüber Reportern bemerkte, dass „Gott einen Leadsänger gebraucht haben muss“. Vaughan hätte sich darüber gefreut, denn er gestand einmal Leonard Feather: „Es ist ein schönes Gefühl zu wissen, dass man sich an dich erinnern wird, wenn du nicht mehr da bist; dass du es schaffst, ein kleines Stück Geschichte zu sein.“