La última mitad del siglo XIX fue una época de grandes cambios para el teatro americano. Fue una época de enorme crecimiento de la población en Estados Unidos, especialmente en las ciudades de la costa este. Los estadounidenses disponían de más tiempo libre y de un mejor nivel de vida, y acudían al teatro para que les proporcionara entretenimiento: risas, brillo y sentimentalismo. La expansión del sistema de transporte en Estados Unidos permitió que los actores y actrices recorrieran el país, llevando el teatro profesional a muchos pueblos y ciudades que nunca antes lo habían experimentado. A medida que la población del país crecía rápidamente, el número de teatros en las ciudades grandes y medianas también crecía. Desde la década de 1850 hasta el cambio de siglo, se construyeron miles de nuevos teatros.
La elección en 1828 de Andrew Jackson como presidente de los Estados Unidos avivó el espíritu del nacionalismo que había ido creciendo en el país. Las señas de identidad del movimiento nacionalista eran el patriotismo, el optimismo y el idealismo, y estos valores se reflejaron en el teatro estadounidense. El romanticismo, el modo estético dominante en la escritura y las artes en Europa, se adoptó también en el teatro estadounidense, pero se mezcló con matices nacionalistas, produciendo temas más democráticos y populistas.
Otro aspecto de la prosperidad de esta época fue el crecimiento de los negocios que servían a la industria del teatro. Especialmente en la ciudad de Nueva York, se produjo un enorme crecimiento de negocios como agencias dramáticas, tiendas de disfraces, proveedores de teatro, estudios de fotografía, periódicos comerciales, pensiones y hoteles, y restaurantes que atendían al comercio teatral.
Teatros del siglo XIX
El diseño y la tecnología de los teatros también cambiaron a mediados del siglo XIX. Los escenarios iluminados con velas fueron sustituidos por la luz de gas y la luz de calcio. La luz de calcio consistía en un bloque de cal que se calentaba hasta la incandescencia mediante un soplete de oxihidrógeno. La luz podía enfocarse con espejos y producía una luz bastante potente. Los interiores de los teatros empezaron a mejorar en la década de 1850, con una decoración ornamentada y asientos de platea que sustituían al foso. En 1869, Laura Keen inauguró el remodelado Chestnut Street Theater de Filadelfia, y los relatos de los periódicos describen los cómodos asientos, los prácticos palcos, las bonitas decoraciones y colgaduras, la excelente visibilidad, la buena ventilación y las cestas de flores y plantas colgantes.
El público de los teatros de la primera mitad del siglo XIX se había ganado la reputación de revoltoso, ruidoso y grosero. Las mejoras introducidas en los teatros en la última mitad del siglo XIX animaron a los clientes de clase media y alta a asistir a las obras, y las multitudes se volvieron más tranquilas, más gentiles y menos propensas a causar interrupciones en la representación.
Las obras de teatro y otros entretenimientos en el teatro del siglo XIX
Hasta bien entrado el siglo XIX, los teatros estadounidenses siguieron estando fuertemente influenciados por el teatro londinense. Muchos actores y actrices de esta época nacieron y se iniciaron profesionalmente en Inglaterra. Las obras representadas tendían a seguir la tradición clásica inglesa, siendo populares las obras de Shakespeare y otras obras inglesas estándar. Sin embargo, los dramaturgos y actores nacidos en Estados Unidos empezaron a tener influencia, y las obras contemporáneas empezaron a representarse también con regularidad.
Antes de la década de 1850, un programa de teatro podía incluir cinco o seis horas de diversos entretenimientos, como farsas, una obra principal, una obra secundaria, entretenimiento musical y ballet. La música era un componente importante del primer teatro estadounidense, y las obras se adaptaban a menudo para incluir números musicales. En la década de 1850, el número de entretenimientos en un cartel de teatro comenzó a reducirse, primero a dos o tres y, más tarde, a una sola función principal.
Los estilos de actuación de principios del siglo XIX eran propensos a los movimientos exagerados, los gestos, los efectos grandiosos, el drama espectacular, la comedia física y los gags y los trajes extravagantes. Sin embargo, a partir de mediados del siglo XIX, se puso de moda un estilo de actuación más naturalista, y se esperaba que los actores presentaran una expresión más coherente del personaje. Los temas de las nuevas obras se extraían con más frecuencia de la vida social contemporánea, como los asuntos matrimoniales y domésticos y las cuestiones de clase social y los problemas sociales.
Otra forma favorita en el teatro del siglo XIX era el burlesco (también llamado parodia). Las obras de Shakespeare, especialmente las del repertorio habitual de los teatros legítimos, eran un objetivo favorito. Muchos actores eran conocidos principalmente por su talento para la comedia y la interpretación burlesca.
Estructura de las compañías de teatro
Además de las obras y los actores, Estados Unidos heredó el «sistema de estrellas» de Gran Bretaña. En las grandes ciudades de la Costa Este y en Nueva Orleans se crearon compañías de teatro de stock. El reparto se complementaba con estrellas teatrales visitantes, que recorrían el país con ese fin. Las compañías de teatro de salón eran autosuficientes y montaban sus propias producciones cuando no había ninguna estrella de visita, pero en la década de 1840 había tantas estrellas de gira por los Estados Unidos que la mayoría de las compañías rara vez prescindían de los servicios de al menos un actor o actriz de renombre.
Las compañías de teatro de salón solían tener un actor-director que se encargaba de todos los detalles del negocio y la producción. Los gerentes de estas compañías eran bastante poderosos y su palabra era ley en la empresa. El gerente solía hacer cambios significativos en la obra de un dramaturgo, y los dramaturgos no tenían ningún recurso para evitarlo hasta la aprobación de la Ley de Derechos de Autor Dramáticos de 1833. Incluso entonces, la Ley de Derechos de Autor sólo cubría las obras impresas.
Las producciones teatrales rotaban regularmente, a menudo a diario. Sin embargo, no eran inusuales las largas representaciones de 100 o más funciones continuas y se hicieron comunes en las últimas décadas del siglo XIX.
En la última mitad del siglo XIX, el sistema de estrellas dio paso gradualmente al «sistema de combinación». Los directores descubrieron que, en lugar de contratar un flujo continuo de estrellas de alto precio, era más económico llevar a toda la compañía teatral de gira. Las compañías pasaban el verano en su ciudad de origen, normalmente Nueva York, Boston o Filadelfia, y luego volvían a salir de gira a partir de octubre. Una «temporada» solía constar de 39 semanas.
El teatro americano y la Guerra Civil
El teatro americano sólo se vio moderadamente afectado por el estallido de la Guerra Civil. Algunos teatros cerraron durante el primer año de la guerra pero luego volvieron a abrir, incluso en el Sur. Sin embargo, las giras se vieron muy limitadas en los estados del norte y se interrumpieron por completo en los estados del sur. Algunos actores importantes se ofrecieron como voluntarios para el servicio, pero la mayoría siguió ejerciendo su profesión. Uno de los mayores acontecimientos teatrales durante la Guerra Civil fue la popularidad de la obra UNCLE TOM’S CABIN. En un momento dado, cuatro espectáculos prosperaron en la ciudad de Nueva York al mismo tiempo. Después de la guerra, muchos teatros del sur nunca recuperaron su prestigio, a pesar de que la industria teatral del norte y del oeste creció rápidamente.
La vida teatral
En el siglo XVIII y a principios del XIX, la profesión de actor se consideraba pecaminosa y los actores estaban sujetos al ostracismo social. Sin embargo, a mediados del siglo XIX los actores podían ser considerados bastante respetables socialmente. «Las personas prominentes de la sociedad, la política y la literatura se desvivían por agasajar a los miembros más destacados de la profesión de actor, mientras que los actores de menor categoría parecían no tener problemas para encajar en la América de clase media». Las memorias de personajes del mundo del teatro como Wood, Ludlow, Smith o William Warren no daban muestras de ostracismo social. Por el contrario, una vez establecidos en su profesión, se convirtieron en ciudadanos sólidos y respetados. Por supuesto, en cierta medida su origen, y en mayor medida sus modestos salarios, limitaban el éxito social de los actores. Pero si los actores tenían éxito, vivían decentemente y, quizá lo más importante, ganaban dinero, eran socialmente aceptados». (Grimsted)
La vida de los actores y actrices de mediados del siglo XIX era muy dura y requería una gran resistencia física. Además de un agotador calendario de actuaciones, los actores debían soportar los viajes en diligencia y en los primeros barcos fluviales, además de los alojamientos improvisados. Los actores solían ensayar hasta tres obras durante un día y luego tenían que prepararse para la representación de la noche. Hacia la Guerra Civil, la temporada era variada y exigente. Una temporada podía constar de 40 a 130 obras, que cambiaban cada noche. Se podía esperar que los actores de una compañía conocieran más de 100 papeles. La famosa actriz Charlotte Cushman ofrecía 200 papeles principales diferentes. Los actores debían aprender un nuevo papel en dos días, a veces de un día para otro.
En el período anterior a la guerra, los salarios de los actores principiantes oscilaban entre los 3 y los 6 dólares semanales; los de los utilitarios, entre 7 y 15 dólares semanales; los de las damas y caballeros «ambulantes», entre 15 y 30 dólares; y los de los actores principales, entre 35 y 100 dólares semanales. Las estrellas que viajaban podían cobrar entre 150 y 500 dólares por un compromiso de 7 a 10 días, más uno o más beneficios. Salvo en el caso de los actores de menor categoría, estos salarios eran buenos para esta época, especialmente para las mujeres, aunque se les pagaba menos que a los hombres en papeles comparables. Los actores y las actrices debían proveerse de su propio vestuario.
Muchos de los actores y actrices del siglo XIX procedían de familias y entornos teatrales, y muchos se iniciaron en el teatro siendo niños. «Las estrellas infantiles son una tradición americana… pero ninguna época supera a la de mediados del siglo XIX en cuanto a la cantidad de niños que aparecían en eventos teatrales en vivo o el grado de seriedad con el que se les tomaba. Y, a diferencia de sus homólogos modernos, la mayoría de las veces obtenían reconocimiento interpretando papeles de adultos». (Hanners) Sin embargo, estos niños solían interpretar escenas de obras, como las de Shakespeare, en lugar de representar el papel en una producción completa.
«Debido a que el teatro ha sido notablemente libre, las mujeres de la profesión siempre han sido relativamente iguales a sus colegas masculinos. Los malos gestores se han fugado de sus salarios por igual; el público las ha abucheado por igual; han pasado hambre entre los compromisos; y sus contribuciones a las tradiciones del teatro han sido igualmente olvidadas»(Turner) Especialmente en el siglo XIX, el papel de las mujeres en el teatro era bastante ambiguo. Las tradiciones de la época exigían que las mujeres fueran delicadas, frágiles y dependientes. Sin embargo, los rigores de la profesión de actriz exigían que fueran resistentes, independientes, de fuerte voluntad y decididas.
Entre los muchos problemas a los que se enfrentaban las mujeres en el teatro, uno más liviano era el de lidiar con las modas de la época. Clara Morris contaba que las largas colas de los vestidos eran especialmente molestas. Cuenta la anécdota de que Fanny Davenport tuvo que moverse bastante en un escenario abarrotado durante una escena de comedia, y acabó con sus faldas de cola tan envueltas en una silla que, al salir del escenario, la silla se fue con ella.
Los fotógrafos
Varios fotógrafos y estudios de fotografía alcanzaron un cierto estatus propio en la industria del teatro. Entre los más famosos estaba Napoleón Sarony. Sarony estableció un estudio en Broadway en 1866 y, durante los siguientes 30 años, fotografió prácticamente a todos los actores y actrices que trabajaban en el escenario de Nueva York. Otros fotógrafos y estudios famosos de esta época fueron Charles D. Fredricks & Co. y Jeremiah Gurney de Nueva York; Washington Lafayette Germon de Filadelfia; y Matthew Brady, que se asoció con el estudio E. & H.T. Anthony de Nueva York.
Las cartes-de-visite eran pequeños retratos de tarjetas de visita, que solían medir 4½» x 2½». Un fotógrafo parisino, André Disdéri, las introdujo a finales de 1854. Patentó una forma de hacer varias fotografías en una sola placa, reduciendo así en gran medida los costes de producción. Se idearon diferentes tipos de cámaras. Algunas contaban con un mecanismo que hacía girar la placa fotográfica; otras tenían varios objetivos que podían descubrirse por separado o todos juntos.
La carte-de-visite no se puso de moda hasta que un día de mayo de 1859 Napoleón III, de camino a Italia con su ejército, detuvo a sus tropas y entró en el estudio de Disdéri en París, para hacerse una fotografía. La fama de Disdéri comenzó a partir de este momento, y dos años más tarde se decía que ganaba casi 50.000 libras esterlinas al año en un solo estudio. Durante la década de 1860, la locura por estas tarjetas se hizo inmensa.