Un análisis de por qué la música moderna es tan horrible

Aquí hay un popular vídeo en YouTube que habla de la calidad de la música actual comparada con la de décadas pasadas:

El vídeo cita un estudio de 2012 del Consejo Superior de Investigaciones Científicas que concluye que la música moderna parece empeorar cada año. En concreto, los investigadores tomaron 500.000 grabaciones de todos los géneros musicales entre 1955 y 2010. Pasaron cada canción por un complejo conjunto de algoritmos. Estos algoritmos midieron tres métricas distintas: (1) diversidad tímbrica; (2) complejidad armónica; y (3) sonoridad. Esto es lo que encontraron:

1. En las últimas décadas, el timbre de la música ha disminuido drásticamente. «El timbre es la textura, el color y la calidad de los sonidos de la música que se escucha. La variedad tímbrica alcanzó su punto máximo en los años 60 y desde entonces no ha dejado de disminuir. Las canciones tienen cada vez menos variedad en su instrumentación y técnicas de grabación. En lugar de experimentar con diferentes instrumentos y técnicas de grabación, la gran mayoría de la música pop actual utiliza la misma instrumentación: un teclado, una caja de ritmos, un sampler y programas informáticos. En consecuencia, toda la música pop moderna suena igual.
2. Desde la década de 1960, las melodías, los ritmos y las voces de las canciones suenan cada vez más parecidas entre sí, y muchas canciones pop modernas utilizan exactamente la misma secuencia de notas en una clave determinada: de la 5ª nota a la 3ª y de nuevo a la 5ª. Es decir, la música se ha vuelto menos compleja armónicamente. ¿Por qué? Porque se trata de una secuencia musical familiar con la que los oyentes se sienten cómodos.
3. Durante los últimos 20 años, los productores de música han aumentado intencionadamente el volumen de las canciones utilizando efectos de compresión en el estudio. La compresión es el proceso de potenciar las partes más silenciosas de una canción para que coincidan con las más ruidosas, reduciendo así el rango dinámico o la «distancia» entre las partes más ruidosas y las más silenciosas. El efecto de esta aplicación es hacer que toda la canción suene más fuerte, sin importar lo alto que el oyente ponga el volumen. Esto se hace para que una canción «destaque» entre un conjunto de canciones de sonido similar, es decir, con fines competitivos. La contrapartida es que la compresión reduce la calidad tímbrica de la canción.

Además, el vídeo hace algunas observaciones adicionales:

1. La calidad lírica de las canciones ha empeorado en los últimos 10 años: las letras se han vuelto más mundanas y simplificadas.
2. Debido a que la tecnología permite a los aficionados a la música tener acceso a tantas canciones, las canciones pop actuales están cargadas de ganchos que aparecen en una canción lo antes posible con el fin de mantener al oyente escuchando, de lo contrario, saltará a la siguiente canción.
3. La homogeneización tímbrica, armónica y dinámica de la música pop actual (como se ha descrito anteriormente) es el resultado de la aversión al riesgo por parte de la industria musical. Como se necesita mucho dinero para invertir en el desarrollo de nuevos talentos musicales (muchos de los cuales son descubiertos en programas de talentos como America’s Got Talent o X-Factor), los sellos discográficos quieren apostar por algo seguro sin correr riesgos artísticos.
4. Al público que escucha música se le ha «lavado el cerebro» para que le guste esta música porque se reproduce en todas partes: en la radio, en los centros comerciales, en Internet, en las películas y en los programas de televisión. El narrador del vídeo lo describe como el «efecto de mera exposición», que es «un fenómeno psicológico por el que las personas desarrollan una preferencia por las cosas que ven y escuchan a menudo». Más concretamente, nuestro cerebro libera dopamina cuando escuchamos una canción que ya hemos oído unas cuantas veces, y el efecto se hace más fuerte con cada escucha.

Estoy bastante de acuerdo con todas las observaciones que se hacen en este vídeo. Sin embargo, la pregunta que no se responde en este vídeo es «¿por qué está ocurriendo esto?»

¿Por qué la música se ha vuelto tan intencionadamente horrible durante las últimas dos décadas? ¿Qué ha cambiado entre el final del siglo XX (es decir, los años 90, que en mi opinión fue la última gran década para la música) y el comienzo del siglo XXI?

Empezó con Napster

Napster surgió en 1999 como una red de intercambio de archivos peer-to-peer desarrollada por los hermanos Shawn y John Fanning y Sean Parker (que llegó a ser el primer presidente de Facebook). El registro de una cuenta de Napster era gratuito y los usuarios tenían acceso a archivos de audio gratuitos que podían compartir con otros miembros de Napster. En el punto álgido de la popularidad de Napster, había aproximadamente 80 millones de usuarios registrados en su red.

Napster acabó cerrándose como resultado de una demanda presentada contra ella por la Recording Industry Association of America por la distribución no autorizada de material protegido por derechos de autor. Sin embargo, el genio había salido de la botella: millones de personas ya no querían pagar por la música cuando podían descargarla gratis de Internet.

Una industria discográfica rota

Durante la primera década del siglo XXI, la industria discográfica parecía agonizar: entre 1999 y 2010, las ventas de música en Estados Unidos se desplomaron un 50%, pasando de 14.600 millones de dólares a 6.300 millones en 2009. Sólo con la introducción del iPod y de iTunes por parte de Apple en 2003, la gente empezó a pagar de nuevo por la música. Sin embargo, Apple se llevaba una fuerte tajada de aproximadamente el 30% de cada venta en su plataforma iTunes, lo que dejaba menos ingresos a las discográficas que vendían canciones a través de Apple.

A medida que nos acercamos al final de la segunda década del siglo XXI, a la industria musical en su conjunto le va bien: generó 43.000 millones de dólares en ingresos durante 2017, de los cuales 20.000 millones proceden de servicios de streaming online como Spotify y Apple Music, así como de la música en directo. Sin embargo, de esos 20.000 millones de dólares, los sellos discográficos se llevaron a casa solo 10.000 millones, y los músicos solo 5.100 millones.

¿Por qué subrayo lo de solo 10.000 millones? ¿No es mucho dinero?

Hagamos algunos cálculos: en 1999, la industria discográfica se llevó 14.600 millones de dólares. Una vez ajustado a la inflación, eso equivaldría a 21.400 millones de dólares en 2017. Como se ha dicho en el párrafo anterior, las discográficas solo se llevaron 10.000 millones de dólares en 2017. Así que, en términos reales, los ingresos de la industria discográfica se redujeron a la mitad entre 1999 y 2017. ¿Por qué? Porque hoy en día hay que vender la música online y los propietarios de estas plataformas online se llevan enormes recortes de las ventas de música. Utilizando Apple Music y Spotify como ejemplos, he aquí cómo estas empresas ganan dinero con la música de los artistas:

En el popular ámbito digital, una descarga de 9,99 dólares en un programa como iTunes reporta a los artistas unos modestos 94 céntimos, menos de un 10% de recorte. La discográfica se lleva 5,35 dólares y Apple se queda con los 3,70 restantes.

Spotify ha sido acusado en repetidas ocasiones de no compensar a los artistas de forma justa. Bandas como The Black Keys, Radiohead y Talking Heads han criticado al servicio por pagar mal a los artistas, especialmente a los músicos independientes.

El servicio de streaming reveló en 2013 que sólo pagaba a los sellos discográficos una media de una fracción de céntimo por reproducción (entre 0.006 y 0,0084 dólares) – y eso es sólo el dinero que va a los sellos, no los artistas que reciben aún menos.

Desde un punto de vista empresarial, si tus ingresos caen un 50%, tendrías que reducir los costes en un 50% para mantener el mismo nivel de rentabilidad. Entonces, ¿dónde redujo sus costes la industria discográfica?

Salir del ejecutivo de A&R – mi café con Ted

Hace algunos años, conocí a un antiguo ejecutivo de A&R al que llamaré «Ted» (no es su nombre real) a través de unos conocidos comunes. Digo «antiguo» porque Ted acababa de ser despedido por su empresa, Universal Music Canada, aquí en Toronto, Canadá. Pensaba trasladarse a Estados Unidos y trabajar con su hermano vendiendo coches usados en Texas. Vender coches usados después de haber sido ejecutivo de A&R en una discográfica internacional no era, obviamente, su carrera ideal, pero tenía que encontrar alguna manera de sobrevivir.

Parecía un buen tipo, así que le invité a tomar un café para hablar del estado de la industria discográfica y de la música de mierda que estaba produciendo. En cuanto a la música de mala calidad, Ted me explicó que esto se debía a que, para reducir costes, las discográficas se deshicieron de todos los ejecutivos de A&R que eran los «oídos» y los guardianes de facto de las discográficas. En su opinión, se trataba de una medida miope de reducción de costes porque un buen ejecutivo de A&R actuaba como filtro contra los músicos de poca monta y como buscador de los raros artistas con verdadero talento. Me señaló la correlación directa entre los despidos de ejecutivos de A&R y el deterioro de la calidad de la música producida por la industria discográfica. Es decir, según Ted, sin los ejecutivos de A&R, los músicos piratas se han infiltrado en los sellos discográficos.

Entonces, ¿qué es un «ejecutivo de A&R» (ejecutivo de Repertorio de Artistas &)? Es un trabajo muy interesante en el que dicha persona se encarga de:

…encontrar nuevos actos para los sellos discográficos, firmarles contratos, y luego supervisar su desarrollo artístico. Supervisan el proceso de grabación, incluida la selección de productores, canciones y singles, y sirven de enlace entre el artista y la discográfica. Así, estos guardianes, en gran parte anónimos, han influido silenciosamente en las bandas sonoras de nuestras vidas.

Como me describió Ted mientras tomábamos un café, los pocos ejecutivos de A&R que quedan se han vuelto reacios al riesgo y están menos dispuestos a aceptar talentos prometedores porque:

«Creo que hoy en día los ejecutivos de A&R de las grandes discográficas tienen miedo de jugarse la vida y fichar a nuevos artistas por temor a que si el CD de un nuevo artista no vende un millón de unidades, podría ser el fin de su trabajo…»

¿Así que no es de extrañar que la industria musical siga produciendo música segura pero de mala calidad?

Todavía se hace buena música

Si eres un amante de la buena música, todavía se hace mucha hoy en día – sólo tienes que saber dónde encontrarla. Aquí tienes un ingenioso artículo en Lifehacker que ofrece una lista y una descripción de sitios web útiles que te permitirán encontrar la música que te gusta. Buena suerte 🙂

¿Te ha gustado este artículo? Entonces te encantarán estos:

Finge hasta que lo consigas – Guía para aspirantes a estrellas del pop (edición 2021)

Por qué es difícil que tu canción aparezca en una lista de reproducción de Spotify

Y si quieres escuchar buena música inmediatamente, puedes consultar mis propias canciones en Spotify 😊

¿Quieres leer más artículos como este? Sígueme en Instagram donde anuncio nuevos artículos del blog además de publicar música original y lecciones de guitarra.