30 Citations de films que chaque enfant des années 70 connaît par cœur

Peu de choses aident un film à vivre dans l’immortalité plus qu’une ligne de dialogue dont tout le monde se souvient. Ces citations font l’objet d’échanges entre les fans, sont référencées dans d’autres films et s’installent généralement dans le vocabulaire culturel national. Pour notre liste de citations de films des années 70, nous avons choisi des comédies musicales, des films d’horreur, des drames classiques et des romances emblématiques. Comme tout enfant des années 70 pourrait vous le dire, ces répliques sont inoubliables.

La chose célèbre à propos des Dents de la mer – en plus d’inaugurer l’ère des superproductions et d’annoncer Steven Spielberg comme un cinéaste américain majeur avec lequel il faut compter – était que vous ne voyiez jamais le requin avant une bonne partie du film. Il surgit finalement hors de l’eau, au grand choc du chef de la police Brody (Roy Scheider), qui se redresse et lance l’avertissement caractéristique du film.

Il y a beaucoup, beaucoup de citations mémorables à choisir quand il s’agit de Star Wars de 1977. Toutes ces citations sur la Force, pour commencer ! Mais la meilleure réplique du film vient lorsque Dark Vador (James Earl Jones) décide d’arrêter de se faire charrier par l’amiral Motti (Richard LeParmentier), dont l’attitude narquoise à l’égard de la Force frotte Vador de la mauvaise façon – alors il commence à l’étouffer avec ses pouvoirs du Côté obscur.

Lorsque le père Merrin (Max von Sydow) se rend chez les MacNeil pour aider à l’exorcisme de la jeune Regan (Linda Blair), il apporte avec lui son expertise et une foi inébranlable. Alors qu’il se bat contre le démon Pazuzu, l’incantation répétée du père Merrin devient à la fois une arme et un bouclier.

La réplique souvent parodiée de la romance mélodramatique de 1970 n’a peut-être pas tant de sens que ça – en fait, le contraire est probablement plus exact – mais la conviction profonde de l’amour entre Oliver de Ryan O’Neal et Jenny d’Ali MacGraw en fait l’une des répliques emblématiques de tous les films romantiques de tous les temps.

L’exaltante séquence de combat finale dans Rocky est un moment de triomphe palpitant et édifiant pour le personnage titre (Sylvester Stallone), mais ce qui rend Rocky génial, c’est que le film ne dépend pas de la victoire de Rocky à la fin. En fait, il perd contre Apollo (Carl Weathers). Mais une fois le combat terminé, Rocky ne s’inquiète pas de savoir s’il a gagné – il commence à appeler sa bien-aimée Adrian (Talia Shire), qui se fraye un chemin à travers la foule pour être avec lui.

La performance décisive de Jack Nicholson dans Cinq pièces faciles a contribué à en faire l’un des acteurs déterminants de sa génération. Et la scène du diner, où il tente de commander des œufs avec des toasts de blé malgré une politique claire de « pas de substitutions », était un hurlement élaboré, défiant et mal élevé de la contre-culture. Le tout sur une salade de poulet.

Il y a beaucoup de façons pour Don Corleone (Marlon Brando) d’obtenir ce qu’il veut, mais pour le chef d’une famille de mafieux, il arrive à faire pas mal de choses sans avoir recours aux Tommy Guns ou aux têtes de chevaux. Il y a une noblesse sombre dans la façon dont Don Corleone mène ses affaires, que le réalisateur Francis Ford Coppola l’ait voulu ou non, et l’euphémisme qu’il utilise pour armer fortement ses adversaires commerciaux y contribue.

Sur toute liste de suites de films qui sont meilleures que l’original, vous trouverez probablement Le Parrain, deuxième partie, grâce en grande partie à la transformation d’Al Pacino en un Michael Corleone beaucoup plus impitoyable. Cette citation particulière est si populaire qu’elle a souvent été attribuée par erreur à Machiavel.

À quoi bon s’asseoir seul dans sa chambre, demande Sally Bowles (Liza Minnelli) dans la chanson titre de Cabaret. Comme pour tout dans le film, il y a une ombre au spectacle scintillant de la chanson. La vie est un cabaret, c’est sûr, mais c’est parce que c’est beaucoup de chansons et de danse pour vous occuper alors que le désastre menace. Commencez à faire la fête !

Al Pacino en braqueur frénétique hurlant son cri de ralliement devant la police et les médias, rappelant la récente émeute de la prison d’Attica, est l’un des grands moments du cinéma des années 70. Il mettait en scène Pacino au sommet de sa forme et a contribué à faire de Dog Day Afternoon l’une des quintessences du cinéma de cette époque.

Cette citation, prononcée par le lieutenant-colonel Bill Kilgore (Robert Duvall) avide de combat, est un parfait exemple de la perspective que le réalisateur Francis Ford Coppola apporte à son film sur la guerre du Vietnam. C’est la folie livrée avec le sourire.

Si vous avez regardé la scène où un méchant médecin nazi (Laurence Olivier) torture Dustin Hoffman pour lui faire révéler l’emplacement de diamants volés, vous savez pourquoi ces trois petits mots font froid dans le dos. Et pourquoi ils peuvent évoquer le vrombissement d’une fraise de dentiste.

Ce sont les mots qu’entend le détective privé Jake Gittes (Jack Nicholson) après que son enquête sur un sinistre courtier en puissance de Los Angeles ait mis à jour un scandale inqualifiable et se soit terminée en tragédie. Oublier de voir la justice rendue, en d’autres termes. (Chinatown, en l’occurrence, était le lieu d’une autre affaire qui s’est mal terminée et qui hante Jake.)

Network est un film remarquablement prémonitoire sur les médias et la culture américaine et sur la direction que nous prendrions tous dans les années 80, 90 et au-delà. Et en son centre se trouve le présentateur de nouvelles Howard Beale (Peter Finch), dont la dépression nerveuse à l’antenne – livrée dans un trench-coat sur un pyjama rayé – culmine dans un appel à l’action aux téléspectateurs anesthésiés pour qu’ils trouvent leur colère contre un système devenu fou, se précipitent à leurs fenêtres ouvertes et hurlent aussi fort que possible qu’ils en ont enfin assez.

La mort, dans ce cas, c’est Michael Myers (Nick Castle), le meurtrier qui s’est échappé de son asile psychiatrique et qui est revenu dans sa ville natale de Haddonfield, dans l’Illinois, pour poursuivre un carnage homicide à marche régulière. La réplique est prononcée avec un maximum de pressentiment par Donald Pleasence dans le rôle du docteur Loomis.

La véritable terreur de l’enfant démon Damien (Harvey Spencer Stephens)-qui se révèle être l’Antéchrist, adopté à la naissance par un diplomate américain aux manières douces et sa femme – apparaît au grand jour lors de la fête de son cinquième anniversaire, lorsque sa nounou (Holly Palance) s’attache joyeusement un drap autour du cou et saute vers la mort en appelant le cher petit Damien. Ce moment est une secousse de véritable terreur.

L’appel ultime à la fête vient par John Belushi dans la quintessence du film de frat-boy. L’idée d’une bande de collégiens s’habillant en toges romaines antiques pour mieux consommer des quantités dangereuses d’alcool et fracasser des ukulélés n’a peut-être jamais effleuré personne avant Animal House, mais elle a sûrement inspiré toute une génération de potes.

Avertissement hystérique de Margaret White (Piper Laurie). de Margaret White (Piper Laurie) avant que sa fille Carrie (Sissy Spacek) n’aille au bal de fin d’année, se répercute dans l’esprit de Carrie, qui est humiliée avec du sang de porc et se lance dans une folie télékinésique. Le bon côté des choses pour Margaret : elle avait raison !

Bob Woodward (Robert Redford) et Carl Bernstein (Dustin Hoffman) rencontrent l’informateur clandestin appelé « Gorge Profonde » (Hal Holbrook) dans un parking sombre, et Gorge Profonde leur donne le meilleur conseil qui soit : suivre la piste de l’argent pour aller au fond du scandale du Watergate.

Plutôt que de délivrer une sorte de bravade à l’emporte-pièce pour vendre le caractère surhumain de Superman (Christopher Reeve), le film de 1978 laisse Lois Lane (Margot Kidder) faire passer le message, alors que Superman la sauve d’une chute mortelle en lui lançant un rassurant « Je te tiens ». Incrédule et un peu hystérique, Lois réagit à l’homme d’acier d’une manière incroyablement rationnelle.

La confrontation imaginaire de Travis Bickle (Robert De Niro) avec un lourd ne se produit pas dans les rues malfamées du New York des années 1970 mais devant son propre miroir. Les fantasmes de Travis, qui se voit comme le dernier homme juste dans une ville de dégénérés et de menteurs, finissent par créer un fou, et De Niro est absolument terrifiant (bien qu’aussi un peu pathétique) en délivrant la réplique signature du film.

La grimace sournoise de Clint Eastwood dans le rôle du détective Harry Callahan est venue définir une grande partie de sa personnalité d’acteur. Mais aucun de ses westerns spaghetti de ses triomphes ultérieurs de réalisateur n’avait la puissance percutante de lui prenant le dessus sur un criminel voyou et le narguant pour qu’il prenne un pari sur s’il avait tiré cinq coups ou les six de son arme.

Le braillement paniqué de Carlton Heston lorsqu’il est emporté à la fin de l’horreur dystopique et futuriste de Soylent Green a perduré suffisamment longtemps dans la culture pour devenir une sorte de punchline. Mais le twist à la fin du film – à savoir que le super aliment Soylent Green n’est pas fait de plantes mais de personnes – était un véritable coup de vent.

La performance de Diana Ross dans le rôle de la superstar de la chanson titulaire a été livrée avec tant de bravade de diva qu’elle s’est répercutée au fil des ans, devenant tout récemment une accroche hebdomadaire dans RuPaul’s Drag Race : All-Stars.

Cette réplique dans la parodie en noir et blanc des films d’horreur classiques, réalisée par Mel Brooks, n’a pas grand-chose sur le papier. Le Dr Frankenstein (prononcé « FRONK-en-steen ») dit cette phrase à la gouvernante (Cloris Leachman) de son château. Mais lorsqu’elle est prononcée dans le film, suivie d’un coup de tonnerre et du hennissement d’un cheval hors champ, elle est indéniablement hilarante.

La délectable prestation de Tim Curry vers la fin de « Sweet Transvestite » imprègne cette célèbre réplique d’une pause si exquise que vous retenez probablement encore votre souffle. Ce n’est que l’un des nombreux plaisirs de ce film classique culte.

Quand Olivia Newton-John émerge à la fin de Grease sous les traits de son personnage Sandy, qui a entrepris un relooking de mauvaise fille pour convenir à son petit ami greaser Danny (John Travolta), cela donne l’une des plus grandes révélations de l’histoire du cinéma. Pas étonnant qu’ils doivent immédiatement se mettre à chanter.

Les premières paroles de Kermit la grenouille sur « The Rainbow Connection » font le travail de vous transporter instantanément dans un état d’esprit plus heureux – un monde où les mignons petits Muppets se rassemblent tous et essaient de réussir dans le showbiz. Les amoureux, les rêveurs, et Miss Piggy, aussi.

L’immortelle réplique d’ouverture de Steve Martin dans The Jerk commence l’histoire de Navin Johnson, un naïf enfant blanc adopté par des métayers noirs. Les aventures de Navin, qui tente de faire son chemin dans le monde, entretiennent une ignorance absurde à laquelle la réplique d’ouverture ouvre totalement la voie.

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