500 jours d’été est une dramédie romantique qui brise le genre et traite des problèmes liés au fait de tomber amoureux de l’idée de quelqu’un par rapport au fait de l’aimer réellement.
Bien qu’il s’agisse d’un film très intéressant en soi, la plupart de son génie provient de sa nature artistique. Une scène particulière, intitulée « Attentes contre réalité », montre à la fois le thème du film et la vision artistique du film à son meilleur. Avant d’expliquer les aspects plus expérimentaux, il est nécessaire d’avoir quelques notions de base sur l’histoire. Le principal protagoniste masculin, Tom, travaille dans une société de cartes de vœux, où il tombe amoureux de la protagoniste féminine, Summer. Le film raconte – de manière non linéaire, ce qui me plaît beaucoup – les 500 jours qui séparent la rencontre de Tom avec Summer, son amour et son oubli. En prélude à cette scène, Summer voit Tom pour la première fois depuis des mois à un mariage et, après avoir dansé ensemble, l’invite à une fête qu’elle organise le week-end suivant dans le jardin sur le toit de son appartement. Tom, qui n’en a manifestement pas fini avec elle, imagine le meilleur scénario possible : Summer veut qu’il revienne. Malheureusement, la réalité de
la situation n’est pas la même. Pour l’expliquer artistiquement, le film divise l’écran, le côté gauche montrant les attentes de Tom, et le côté droit la réalité.
La première chose qu’un spectateur remarquera probablement est la musique. La chanson « Hero » de Regina Spektor joue en fond sonore pendant toute la durée de la scène. Spektor a un style dramatique dans sa musique, avec des voix puissantes et des pistes d’accompagnement de type orchestral. La musique est utilisée comme un subtil présage de la scène à venir. Les premières paroles de la chanson sont « he never, ever saw it coming at all » (il ne l’a jamais vu venir).
Nous voyons Tom entrer avec excitation (et optimisme) dans l’immeuble de Summer, se souvenant encore du code pour franchir le portail, alors que le narrateur peu fiable explique exactement cela : Tom est « enivré par la promesse de la soirée ». Même ce premier moment est un dispositif astucieux : Le fait que Tom connaisse le code d’entrée symbolise son espoir que lui et Summer aient encore un lien émotionnel et romantique. Au début, la réalité a un
pas physique de retard sur son attente, ce qui, nous le remarquons rapidement, est une métaphore, puisque l’attente de Tom monte l’escalier de l’appartement de Summer avant la réalité. Lorsqu’il atteint la porte – qui s’ouvre de manière synchrone sur les deux écrans – le public s’est suffisamment habitué à cette synchronisation pour que son cœur se serre lorsque Tom s’attend à un baiser romantique et obtient une accolade platonique.
La suite de la scène est un exemple presque parfait d’ironie dramatique. Les deux clips sont parfaitement synchronisés lorsque Tom entre dans la pièce, et jusqu’à ce qu’il remette son cadeau à Summer, on a l’impression qu’il s’agit du même clip. D’un côté, c’est un peu fou, car nous avons déjà deux émotions différentes attachées aux deux clips, et pourtant ils sont identiques. C’est également ironique, car cela indique au public que ses attentes sont si proches de la réalité. Il était si près de ce qu’il voulait, mais encore trop loin. Cette tactique est une utilisation très efficace du pathos.
Pour clarifier, la synchronicité des clips côte à côte est un dispositif crucial utilisé, et les petits écarts de la voie de la similitude est ce qui aide le public à comprendre, empathiser et apprécier toutes les situations. Les séquences d’attente et de réalité sont intentionnellement filmées de manière à être presque identiques afin d’accentuer cet aspect. À d’autres moments, les deux scènes sont complètement séparées. Dans une partie, Summer et Tom discutent en flirtant sur le rebord du jardin, mais dans la réalité, c’est Tom tout seul qui boit sur le même rebord. Dans un clip, lorsque Tom veut parler à d’autres fêtards en tant que couple avec Summer, la réalité est que Summer joue le rôle de femme d’appoint pour Tom pendant qu’il flirte à contrecœur avec quelqu’un d’autre. L’ironie ici est très bien exécutée.
En dehors des visuels en écran partagé, tous les autres sons du clip en dehors de la musique (bruit de fond, dialogue, etc.) ne sont jamais des deux côtés de l’écran. Le réalisateur a intentionnellement fait cela pour deux raisons : (1) pour ne pas trop perturber le public, et (2) pour contrôler le public, en le forçant à ne voir que ce qu’il veut qu’il voie. Cela suit le concept susmentionné de narrateur non fiable, trompant furtivement le public pour qu’il croie tout sans avoir l’image complète.
De même, une autre observation intéressante est la façon dont le côté réalité ne met jamais Tom et Summer dans le même plan. Ils montrent toujours soit Tom séparément (ou dans le cadre principal) ou vice versa. Tout au long du film, les deux sont montrés ensemble, amoureux et heureux. Pour comparer, la scène précédente du mariage les a mis ensemble dans le même plan, trompant le public pour qu’il suive le point de vue de Tom, et cela fonctionne. En raison de ces angles de tournage, nous croyons ce que Tom pense (le narrateur peu fiable aide certainement aussi).
Au moment pivot de la scène, le côté attente s’efface de l’écran et de son esprit. Le moment culminant est celui où le film révèle à Tom et au public simultanément que Summer est fiancée. La musique est plus forte, et il y a un malaise physique à la fois dans la cinématographie et dans le regard de Tom. En regardant de plus près, on voit que les deux femmes en gros plan ont une bague de fiançailles. Cela doit blesser Tom encore plus, car il pourrait croire qu’il est la seule personne qui ne peut pas trouver l’amour. Nous voyons un plan d’un Tom solitaire, soulignant sa solitude. Dans un film où le protagoniste féminin a tellement insisté sur les difficultés qui accompagnent l’engagement, cette démonstration d’engagement est dévastatrice.
Il descend les escaliers en courant de toute urgence, inversant le même trajet qu’il a fait au début de la scène, mais clairement plein de colère et de misère plutôt que de félicité ignorante. Pour ajouter à sa lutte interne, le bruit externe d’une ambulance, qui correspond à la course de son esprit, retentit. Tom s’éloigne dans la ville (ce qui pourrait être une allusion sombre et ironique au cliché du « couple marchant vers le coucher du soleil »), jusqu’à ce qu’elle devienne un croquis. Il s’agit d’une image pas si subtile du rêve de Tom, outre le grand amour, de devenir architecte. Lorsque l’esquisse de la ville s’efface lentement, son rêve aussi.
Tom est seul, une simple silhouette dans un espace vide. Il tue un public, tire sur sa corde sensible. Le personnage principal, un Tom naïf mais adorable, a perdu tout espoir, et s’est tourné vers le néant. Lorsque la musique s’estompe, Tom s’éteint également, ce qui permet de passer à la scène suivante en toute transparence. Cette scène est un excellent exemple de la façon dont quelque chose de plus expérimental et artistique peut transmettre une émotion tout aussi intense que quelque chose de plus concret.