La seconde moitié du 19e siècle a été une période de grands changements pour le théâtre américain. C’était une période de croissance énorme de la population en Amérique, en particulier dans les villes de la côte Est. Les Américains avaient plus de temps libre et un meilleur niveau de vie, et ils se tournaient vers le théâtre pour se divertir – rire, paillettes et sentimentalité. L’expansion du système de transport aux États-Unis a permis aux acteurs et aux actrices de faire le tour du pays, apportant le théâtre professionnel dans de nombreuses villes qui n’en avaient jamais fait l’expérience auparavant. La population du pays augmentant rapidement, le nombre de théâtres dans les grandes et moyennes villes a également augmenté. Des années 1850 jusqu’au tournant du siècle, des milliers de nouveaux théâtres ont été construits.
L’élection en 1828 d’Andrew Jackson à la présidence des États-Unis a alimenté l’esprit de nationalisme qui s’était développé dans le pays. Les marques distinctives du mouvement nationaliste étaient le patriotisme, l’optimisme et l’idéalisme, et ces valeurs se reflétaient dans le théâtre américain. Le romantisme, le mode esthétique dominant dans l’écriture et les arts en Europe, a été embrassé dans le théâtre américain également, mais a été mélangé avec des connotations nationalistes, produisant des thèmes plus démocratiques et populistes.
Un autre aspect de la prospérité de cette époque était la croissance des entreprises servant l’industrie du théâtre. En particulier dans la ville de New York, il y avait une croissance énorme des entreprises telles que les agences dramatiques, les magasins de costumes, les fournisseurs de théâtre, les studios de photographie, les journaux commerciaux, les pensions et les hôtels, et les restaurants desservant le commerce du théâtre.
Théâtres du 19ème siècle
La conception et la technologie des théâtres ont également changé vers le milieu du 19ème siècle. Les scènes éclairées à la bougie ont été remplacées par des éclairages au gaz et des projecteurs. Le feu de chaux consistait en un bloc de chaux chauffé à l’incandescence au moyen d’une torche à flamme oxyhydrogène. La lumière pouvait ensuite être focalisée à l’aide de miroirs et produisait une lumière assez puissante. Les intérieurs des théâtres ont commencé à s’améliorer dans les années 1850, avec une décoration ornementale et des sièges en gradin remplaçant la fosse. En 1869, Laura Keen ouvre le Chestnut Street Theater remodelé à Philadelphie, et les comptes rendus des journaux décrivent les sièges confortables, les loges pratiques, les jolies décorations et tentures, l’excellente visibilité, la bonne ventilation et les paniers de fleurs et de plantes suspendues.
Les foules des théâtres de la première moitié du XIXe siècle avaient acquis une réputation d’indiscipline, de bruit et de grossièreté. Les améliorations apportées aux théâtres dans la dernière moitié du 19e siècle ont encouragé les clients des classes moyennes et supérieures à assister aux pièces, et les foules sont devenues plus calmes, plus gentilles et moins enclines à provoquer des perturbations de la représentation.
Plays et autres divertissements dans le théâtre du 19e siècle
Beaucoup au milieu du 19e siècle, les théâtres américains ont continué à être fortement influencés par le théâtre londonien. De nombreux acteurs et actrices de cette période sont nés et ont fait leurs débuts professionnels en Angleterre. Les pièces jouées avaient tendance à suivre la tradition classique anglaise, les pièces de Shakespeare et d’autres pièces anglaises standard restant populaires. Cependant, des dramaturges et des acteurs nés aux États-Unis ont commencé à avoir une influence, et des pièces contemporaines ont commencé à être jouées régulièrement aussi.
Avant les années 1850, l’affiche d’un théâtre pouvait comprendre cinq ou six heures de divertissements divers, comme des farces, une pièce principale, une pièce secondaire, un divertissement musical et un ballet. La musique était une composante importante du théâtre américain à ses débuts, et les pièces étaient souvent adaptées pour inclure des numéros musicaux. Dans les années 1850, le nombre de divertissements à l’affiche d’un théâtre a commencé à être réduit, d’abord à deux ou trois et, plus tard, à une seule pièce principale.
Les styles d’interprétation au début du 19e siècle étaient enclins aux mouvements exagérés, aux gestes, aux effets grandioses, aux drames spectaculaires, à la comédie physique et aux gags et aux costumes farfelus. Cependant, à partir du milieu du 19e siècle, un style de jeu plus naturaliste est entré en vogue, et les acteurs devaient présenter une expression plus cohérente de leur personnage. Le sujet des nouvelles pièces était plus souvent tiré de la vie sociale contemporaine, comme le mariage et les questions domestiques et les questions de classe sociale et de problèmes sociaux.
Une autre forme favorite du théâtre du XIXe siècle était le burlesque (également appelé travestissement). Les pièces de Shakespeare, en particulier celles du répertoire régulier des théâtres légitimes, étaient une cible favorite. De nombreux acteurs étaient connus principalement pour leurs talents d’acteurs comiques et burlesques.
Structure des compagnies théâtrales
Avec les pièces et les acteurs, l’Amérique a hérité du « star system » de la Grande-Bretagne. Des compagnies de théâtre de stock ont été créées dans les grandes villes de la côte Est et à la Nouvelle-Orléans. La distribution était ensuite complétée par des vedettes de théâtre de passage, qui parcouraient le pays dans ce but. Les compagnies de stock étaient autosuffisantes et montaient des productions par elles-mêmes lorsqu’aucune vedette n’était en visite, mais dans les années 1840, tant de vedettes faisaient des tournées aux États-Unis que la plupart des compagnies étaient rarement sans les services d’au moins un acteur ou une actrice de renom.
Les compagnies de stock avaient généralement un acteur-manager qui était responsable de tous les détails des affaires et de la production. Les gérants de ces sociétés étaient assez puissants et leur parole avait force de loi dans l’entreprise. Le manager apportait souvent des changements importants à l’œuvre d’un dramaturge, et les dramaturges n’avaient aucun recours pour empêcher cela jusqu’à l’adoption du Dramatic copyright Act de 1833. Même alors, la loi sur le droit d’auteur ne couvrait que les pièces imprimées.
Les productions théâtrales faisaient l’objet d’une rotation régulière, souvent quotidienne. Cependant, les longues séries de 100 représentations continues ou plus n’étaient pas inhabituelles et sont devenues courantes dans les dernières décennies du 19e siècle.
Dans la dernière moitié du 19e siècle, le vedettariat a progressivement cédé la place au « système combiné ». Les directeurs ont constaté que, plutôt que d’engager un flot continu de vedettes à prix élevé, il était plus économique d’emmener toute la compagnie théâtrale en tournée. Les compagnies passaient l’été dans leur ville d’origine, généralement New York, Boston ou Philadelphie, puis repartaient en tournée à partir d’octobre. Une « saison » comprenait généralement 39 semaines.
Le théâtre américain et la guerre civile
Le théâtre américain ne fut que modérément affecté par le déclenchement de la guerre civile. Certains théâtres ont fermé pendant la première année de la guerre mais ont ensuite rouvert, même dans le Sud. Cependant, les tournées ont été sévèrement limitées dans les États du Nord et totalement arrêtées dans les États du Sud. Quelques grands acteurs se sont portés volontaires pour le service, mais la majorité d’entre eux ont continué à exercer leur métier. L’un des plus grands événements théâtraux de la guerre civile a été la popularité de la pièce UNCLE TOM’S CABIN. À un moment donné, quatre spectacles se déroulaient en même temps à New York. Après la guerre, de nombreux théâtres du Sud n’ont jamais retrouvé leur stature, même si l’industrie théâtrale du Nord et de l’Ouest a connu une croissance rapide.
La vie théâtrale
Au 18e siècle et au début du 19e siècle, la profession d’acteur était considérée comme un péché et les acteurs étaient soumis à l’ostracisme social. Cependant, au milieu du 19e siècle, les acteurs pouvaient être considérés comme tout à fait respectables socialement. « Des personnalités éminentes de la société, de la politique et de la littérature faisaient des pieds et des mains pour recevoir les principaux membres de la profession d’acteur, tandis que les acteurs de moindre importance ne semblaient avoir aucun mal à s’intégrer dans la classe moyenne américaine. Les mémoires de gens de théâtre comme Wood, Ludlow, Smith ou William Warren ne laissent pas entendre qu’ils ont été victimes d’ostracisme social. Au contraire, une fois établis dans leur profession, ils sont devenus des citoyens solides et respectés. Bien sûr, dans une certaine mesure, leurs antécédents, et plus encore leurs modestes salaires, limitaient la réussite sociale des acteurs. Mais si les acteurs réussissaient, vivaient décemment et, ce qui est peut-être le plus important, gagnaient de l’argent, ils étaient socialement acceptés. » (Grimsted)
La vie des acteurs et des actrices au milieu du 19e siècle était très dure, nécessitant une grande résistance physique. En plus d’un calendrier de représentations éreintant, les acteurs doivent supporter les voyages en diligence et les premiers bateaux de rivière, en plus des logements de fortune. Les acteurs répétaient souvent jusqu’à trois pièces dans la même journée, puis devaient se préparer pour la représentation du soir. Au moment de la guerre civile, la saison était variée et exigeante. Une saison pouvait comprendre de 40 à 130 pièces, qui changeaient tous les soirs. Les acteurs utilitaires d’une compagnie pouvaient être censés connaître plus de 100 rôles. La célèbre actrice Charlotte Cushman proposait 200 rôles principaux différents. On s’attendait généralement à ce que les acteurs apprennent un nouveau rôle en deux jours, parfois en une nuit.
Dans la période antebellum, les salaires des acteurs débutants variaient de 3 à 6 $ par semaine ; les salaires des acteurs utilitaires de 7 à 15 $ par semaine ; les ladies et gentlemen « ambulants », de 15 à 30 $ ; et les acteurs principaux étaient payés entre 35 et 100 $ par semaine. Les vedettes itinérantes pouvaient toucher de 150 à 500 $ par engagement de 7 à 10 jours, plus un ou plusieurs avantages. À l’exception des acteurs de rang inférieur, ces salaires étaient bons pour cette période, surtout pour les femmes, même si elles étaient moins bien payées que les hommes dans des rôles comparables. Les acteurs et les actrices devaient fournir leurs propres costumes.
Plusieurs des acteurs et actrices du 19e siècle venaient de familles et de milieux théâtraux, et beaucoup ont débuté au théâtre alors qu’ils étaient enfants. « Les enfants stars sont une tradition américaine… mais aucune période ne surpasse le milieu du XIXe siècle pour le nombre d’enfants apparaissant dans des événements théâtraux en direct ou le degré de sérieux avec lequel ils étaient pris. Et, contrairement à leurs homologues modernes, ils attiraient plus souvent qu’autrement la reconnaissance en jouant des rôles d’adultes. » (Hanners) Cependant, ces enfants jouaient généralement des scènes de pièces, comme celles de Shakespeare, plutôt que de jouer le rôle dans une production complète.
« Parce que le théâtre a été remarquablement libre de pensée, les femmes dans la profession ont toujours été relativement égales à leurs collègues masculins. Les mauvais managers ont détourné leurs salaires de la même manière, les publics les ont huées de la même manière, elles ont souffert de la même faim entre les engagements et leurs contributions aux traditions du théâtre ont été également oubliées. »(Turner) Surtout au 19ème siècle, les rôles des femmes au théâtre étaient plutôt ambigus. Les traditions de l’époque exigeaient des femmes qu’elles soient délicates, fragiles et dépendantes. Cependant, les rigueurs de la profession d’acteur nécessitaient qu’elles soient résilientes, indépendantes, fortes et déterminées.
Parmi les nombreux problèmes rencontrés par les femmes au théâtre, un problème plus léger était celui de faire face aux modes de l’époque. Clara Morris raconte que les longues traînes sur les robes étaient particulièrement vexantes. Elle raconte l’histoire de Fanny Davenport qui devait se déplacer passablement sur une scène bondée pendant une scène de comédie, et qui a fini par avoir ses jupes à traîne si bien enroulées autour d’une chaise qu’en sortant de scène, la chaise est partie avec elle.
Les photographes
Plusieurs photographes et studios de photographie ont atteint un certain statut propre dans l’industrie du théâtre. Parmi les plus célèbres, on trouve Napoléon Sarony. Sarony a établi un studio sur Broadway en 1866 et, pendant les 30 années suivantes, a photographié pratiquement tous les acteurs et actrices travaillant sur la scène new-yorkaise. D’autres photographes et studios célèbres de cette époque étaient Charles D. Fredricks & Co. et Jeremiah Gurney de New York ; Washington Lafayette Germon de Philadelphie ; et Matthew Brady, qui s’est associé au studio E. & H.T. Anthony de New York.
Les cartes de visite étaient de petits portraits sur carte de visite, mesurant généralement 4½ » x 2½ ». Un photographe parisien, André Disdéri, les a introduits à la fin de 1854. Il a breveté un moyen de prendre un certain nombre de photographies sur une seule plaque, réduisant ainsi considérablement les coûts de production. Différents types d’appareils photo ont été conçus. Certains avaient un mécanisme qui faisait tourner la plaque photographique, d’autres avaient plusieurs objectifs qui pouvaient être découverts séparément ou tous ensemble.
La carte de visite n’a pas connu de succès jusqu’à ce qu’un jour de mai 1859, Napoléon III, en route pour l’Italie avec son armée, arrête ses troupes et entre dans le studio de Disdéri à Paris, pour se faire photographier. Cette publicité bienvenue a fait naître la célébrité de Disdéri, et deux ans plus tard, on dit qu’il gagnait près de 50 000 £ par an dans un seul studio. Au cours des années 1860, l’engouement pour ces cartes devient immense.