Une analyse de pourquoi la musique moderne est si affreuse

Voici une vidéo populaire sur YouTube qui discute de la qualité de la musique d’aujourd’hui par rapport à celle des décennies passées:

La vidéo cite une étude de 2012 du Conseil national de recherche espagnol qui a conclu que la musique moderne semble se détériorer chaque année. Plus précisément, les chercheurs ont pris 500 000 enregistrements de tous les genres de musique entre 1955 et 2010. Ils ont soumis chaque chanson à un ensemble complexe d’algorithmes. Ces algorithmes ont mesuré trois paramètres distincts : (1) la diversité timbrale ; (2) la complexité harmonique ; et (3) la sonie. Voici ce qu’ils ont trouvé:

1. Au cours des dernières décennies, le timbre de la musique a considérablement diminué. « Le timbre » est la texture, la couleur et la qualité des sons au sein de la musique écoutée. La variété des timbres a atteint son apogée dans les années 1960 et n’a cessé de décliner depuis. Les chansons sont de moins en moins variées dans leur instrumentation et leurs techniques d’enregistrement. Au lieu d’expérimenter différentes instrumentations et techniques d’enregistrement, la grande majorité de la musique pop actuelle utilise les mêmes instruments : un clavier, une boîte à rythmes, un échantillonneur et un logiciel informatique. Par conséquent, toute la musique pop moderne sonne de la même façon.
2. Depuis les années 1960, les mélodies, les rythmes et les voix des chansons se ressemblent de plus en plus les uns les autres, de nombreuses chansons pop modernes utilisant exactement la même séquence de notes dans une tonalité donnée : de la 5e note à la 3e et de nouveau à la 5e. En d’autres termes, la musique est devenue moins complexe sur le plan harmonique. Pourquoi ? Parce qu’il s’agit d’une séquence musicale familière avec laquelle les auditeurs de musique sont à l’aise.
3. Pendant les 20 dernières années, les producteurs de musique ont intentionnellement rendu les chansons plus fortes en utilisant des effets de compression en studio. La compression est le processus qui consiste à amplifier les parties les plus silencieuses d’une chanson pour qu’elles correspondent aux parties les plus fortes, réduisant ainsi la gamme dynamique ou la « distance » entre les parties les plus fortes et les plus faibles. L’effet de cette application est de rendre la chanson entière plus forte, quel que soit le volume réglé par l’auditeur. Cela permet de faire ressortir une chanson parmi un ensemble de chansons au son similaire, c’est-à-dire à des fins de concurrence. La contrepartie est que la compression réduit la qualité timbrale de la chanson.

En outre, la vidéo fait quelques observations supplémentaires :

1. La qualité lyrique des chansons s’est détériorée au cours des 10 dernières années – les paroles sont devenues plus banales et simplifiées.
2. Parce que la technologie permet aux amateurs de musique d’avoir accès à un si grand nombre de chansons, les chansons pop d’aujourd’hui sont chargées d’accroches qui apparaissent dans une chanson dès que possible afin de maintenir l’écoute de l’auditeur, sinon, il passera à la chanson suivante.
3. L’homogénéisation timbrale, harmonique et dynamique de la musique pop d’aujourd’hui (telle que décrite ci-dessus) est le résultat de l’aversion au risque de la part de l’industrie de la musique. Parce qu’il faut beaucoup d’argent pour investir dans le développement de nouveaux talents musicaux (dont beaucoup sont découverts dans des émissions de talents comme America’s Got Talent ou X-Factor), les maisons de disques veulent parier sur une valeur sûre en ne prenant aucun risque artistique.
4. Le public qui écoute de la musique a subi un « lavage de cerveau » pour aimer cette musique parce qu’elle est jouée partout – à la radio, dans les centres commerciaux, sur Internet, dans les films et les émissions de télévision. Le narrateur de la vidéo décrit ce phénomène comme « l’effet de simple exposition », qui est « un phénomène psychologique par lequel les gens développent une préférence pour les choses qu’ils voient et entendent souvent ». Plus précisément, notre cerveau libère de la dopamine lorsque nous entendons une chanson que nous avons déjà entendue plusieurs fois, et l’effet se renforce à chaque écoute.

Je suis à peu près d’accord avec toutes les observations faites dans cette vidéo. Cependant, la question qui n’obtient pas de réponse dans cette vidéo est « pourquoi cela se produit-il »?

Pourquoi la musique est-elle devenue si intentionnellement affreuse au cours des deux dernières décennies ? Qu’est-ce qui a changé entre la fin du 20e siècle (c’est-à-dire les années 1990, qui, à mon avis, ont été la dernière grande décennie pour la musique) et le début du 21e siècle ?

C’est parti avec Napster

Napster a vu le jour en 1999 en tant que réseau de partage de fichiers peer-to-peer développé par les frères Shawn et John Fanning et Sean Parker (qui est devenu le premier président de Facebook). L’inscription à un compte Napster était gratuite et les utilisateurs avaient accès à des fichiers audio gratuits qu’ils pouvaient partager avec d’autres membres de Napster. Au plus fort de la popularité de Napster, environ 80 millions d’utilisateurs étaient inscrits sur son réseau.

Napster a finalement été fermé à la suite d’un procès intenté contre lui par la Recording Industry Association of America pour distribution non autorisée de matériel protégé par le droit d’auteur. Cependant, le génie était sorti de la bouteille – des millions de personnes ne voulaient plus payer pour de la musique quand elles pouvaient simplement la télécharger gratuitement sur Internet.

Une industrie du disque brisée

Pendant la première décennie du 21e siècle, l’industrie du disque semblait à l’agonie – entre 1999 et 2010, les ventes de musique aux États-Unis ont chuté de 50 %, passant de 14,6 milliards de dollars à 6,3 milliards de dollars en 2009. Ce n’est qu’avec le lancement de l’iPod et d’iTunes par Apple en 2003 que les gens ont recommencé à payer pour de la musique. Cependant, Apple prenait une part importante d’environ 30 % de chaque vente sur sa plateforme iTunes, ce qui laissait moins de revenus aux maisons de disques qui vendaient des chansons par l’intermédiaire d’Apple.

Alors que nous nous dirigeons vers la fin de la deuxième décennie du 21e siècle, l’industrie de la musique dans son ensemble se porte bien – elle a généré 43 milliards de dollars de revenus en 2017, dont 20 milliards de dollars provenant des services de streaming en ligne tels que Spotify et Apple Music ainsi que de la musique live. Cependant, sur ces 20 milliards de dollars, les maisons de disques n’ont empoché que 10 milliards de dollars, les musiciens n’ayant empoché que 5,1 milliards de dollars.

Pourquoi est-ce que je souligne seulement 10 milliards de dollars ? N’est-ce pas beaucoup d’argent ?

Faisons quelques calculs – en 1999, l’industrie du disque a empoché 14,6 milliards de dollars. Après ajustement pour l’inflation, cela équivaudrait à 21,4 milliards de dollars en 2017. Comme indiqué dans le paragraphe précédent, les maisons de disques n’ont empoché que 10 milliards de dollars en 2017. Donc, en termes réels, les revenus de l’industrie du disque ont été réduits de moitié entre 1999 et 2017. Pourquoi ? Parce qu’aujourd’hui, vous devez vendre votre musique en ligne et les propriétaires de ces plateformes en ligne prennent d’énormes coupes sur les ventes de musique. En utilisant Apple Music et Spotify comme exemples, voici comment ces sociétés gagnent de l’argent sur la musique des artistes :

Dans le domaine numérique populaire, un téléchargement de 9,99 $ sur un programme comme iTunes rapporte aux artistes un modeste 94 cents – moins de 10 % de réduction. La maison de disques prend 5,35 $ et Apple garde les 3,70 $ restants.

Spotify a été accusé à plusieurs reprises de ne pas rémunérer les artistes équitablement. Des groupes tels que The Black Keys, Radiohead et Talking Heads ont tous critiqué le service pour avoir sous-payé les artistes, en particulier les musiciens indépendants.

Le service de streaming a révélé en 2013 qu’il ne payait aux maisons de disques en moyenne qu’une fraction de penny par lecture (quelque part entre 0.006 $ et 0,0084 $) – et il s’agit uniquement de l’argent qui va aux labels, pas aux artistes qui reçoivent encore moins.

D’un point de vue commercial, si vos revenus baissent de 50 %, vous devrez réduire vos coûts de 50 % pour maintenir le même niveau de rentabilité. Alors, où l’industrie du disque a-t-elle réduit ses coûts ?

Exit le cadre de l’A&R – mon café avec Ted

Il y a quelques années, j’ai rencontré un ancien cadre de l’A&R que j’appellerai « Ted » (ce n’est pas son vrai nom) par le biais de quelques connaissances mutuelles. Je dis « ancien » parce que Ted venait d’être licencié par son employeur, Universal Music Canada, ici à Toronto, au Canada. Il avait l’intention de s’installer aux États-Unis et de travailler avec son frère pour vendre des voitures d’occasion au Texas. Vendre des voitures d’occasion après avoir été un cadre A&R dans une maison de disques internationale n’était évidemment pas son choix de carrière idéal, mais il devait trouver un moyen de survivre.

Il semblait être un bon gars, alors je l’ai invité à prendre un café pour discuter de l’état de l’industrie du disque et de la musique merdique qu’elle produisait. En ce qui concerne la musique merdique, Ted m’a expliqué que c’était parce que, pour réduire les coûts, les maisons de disques s’étaient débarrassées de tous les cadres de l’A&R qui étaient les « oreilles » et les gardiens de facto des maisons de disques. Il pensait qu’il s’agissait d’une mesure de réduction des coûts à courte vue, car un bon cadre A&R servait de filtre contre les musiciens de pacotille et d’éclaireur pour les rares artistes ayant un réel talent. Il m’a fait remarquer la corrélation directe entre les licenciements des cadres de l’A&R et la détérioration de la qualité de la musique produite par l’industrie du disque. C’est-à-dire que, selon Ted, sans les A&R execs, les musiciens pirates ont infiltré les labels de disques.

Alors, qu’est-ce qu’un « A&R exec » (Artist & Repertoire executive) ? C’est un emploi vraiment cool dans lequel ladite personne est chargée de :

…trouver de nouveaux actes pour les labels de disques, leur faire signer des contrats, puis superviser leur développement artistique. Ils supervisent le processus d’enregistrement, y compris la sélection des producteurs, des chansons et des singles, et assurent la liaison entre l’artiste et le label. Ainsi, ces gardiens largement anonymes ont discrètement influencé les bandes sonores de nos vies.

Comme Ted me l’a décrit autour d’un café, les quelques cadres d’A&R restants sont devenus réfractaires au risque et moins disposés à prendre des talents prometteurs parce que :

« Je pense que de nos jours, les cadres de A&R des grands labels ont peur de mettre leur vie en jeu et de signer de nouveaux artistes de peur que si le CD d’un nouvel artiste ne se vend pas à un million d’unités, cela pourrait être la fin de leur emploi… »

Donc, faut-il s’étonner que l’industrie musicale continue à pomper de la musique sûre mais merdique ?

Il se fait encore de la bonne musique

Si vous êtes un amateur de bonne musique, il s’en fait encore beaucoup aujourd’hui – il suffit de savoir où la trouver. Voici un article astucieux sur Lifehacker qui fournit une liste et une description de sites web utiles qui vous permettront de trouver la musique que vous aimerez. Bonne chance ! 🙂

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