Chanteuse afro-américaine lauréate d’un Grammy Award, connue pour sa combinaison unique de styles jazz, pop et classique. Variantes du nom : (surnoms) « Sassy » Sarah Vaughan ; la Divine ; la Divine Miss Sarah. Née Sarah Vaughan le 27 mars 1924 à Newark, New Jersey ; décédée d’un cancer du poumon en Californie le 4 avril 1990 ; enfant unique d’Ada Vaughan et d’Asbury « Jake » Vaughan ; a fait ses études jusqu’en première année de lycée ; a épousé George Treadwell, en 1946 (divorcé en 1958) ; a épousé Clyde B. Atkins, en 1958 (divorcé en 1962) ; a épousé Waymon Reed, en 1978 (divorcé en 1981) ; enfants : Une fille (adoptée), Debra, connue professionnellement sous le nom de Paris Vaughan.
Enfant, elle chantait et jouait du piano et de l’orgue dans l’église baptiste de sa famille à Newark ; au début de l’adolescence, elle jouait et chantait dans les boîtes de nuit et les salles de bal locales ; elle a été engagée par Earl Hines pour chanter avec son groupe (1943), puis avec le groupe de Billy Eckstine (1944), avant de se lancer comme artiste solo ; acquiert une réputation internationale sous la direction de son premier mari et manager, et entame une carrière de près de 50 ans comme artiste de jazz progressif, chanteuse pop et concertiste, couronnée par deux Grammy Awards ; intronisée au Jazz Hall of Fame (1988).
Un jour de 1939, un inconnu vint rendre visite à Jake et Ada Vaughan dans leur maison du quartier « Down Neck » de Newark, dans le New Jersey, près de la gare ferroviaire. Il leur a dit qu’il dirigeait une boîte de nuit dans un quartier peu recommandable de la ville et qu’il avait admiré la façon dont leur fille Sarah jouait du piano et chantait pour ses clients, à tel point qu’il voulait donner à Sarah un emploi à plein temps pour jouer tous les soirs. C’est ainsi que les Vaughan ont découvert ce que leur fille de 15 ans avait fait, pourquoi elle était si fatiguée pendant la journée et pourquoi la fenêtre de sa chambre était étrangement ouverte le matin, même en plein hiver. Bien que tout le monde sache que Sarah aimait chanter et jouer, ses parents furent les derniers à découvrir à quel point elle était profondément engagée dans la musique.
Sarah Vaughan jouait de l’orgue et du piano à l’église baptiste de New Zion tous les dimanches depuis aussi longtemps que l’on puisse s’en souvenir – pratiquement, semblait-il, depuis sa naissance en 1924. Les deux parents sont des musiciens : Ada joue du piano et « Asbury » Jake gratte la guitare et chante des chansons de country et de blues qu’il a apprises dans sa Virginie natale. Sarah est connue à l’église et à l’école pour ses talents musicaux, en particulier le chant. Même à l’école primaire, elle était à la maison à 5h15 tous les jours de la semaine pour écouter le programme de Bob Howard de la station CBS de New York, et imitait son style de chant et de jeu pour ses amis.
Alors qu’elle était adolescente, Vaughan et ses amis se faufilaient la nuit dans les salles de bal et les clubs locaux pour écouter les grands groupes qui jouaient dans les lieux nocturnes de Newark, notamment l’Adams Theater, où Earl « Fatha » Hines et son groupe se produisaient fréquemment, avec Billy Eckstine aux voix. Puis il y avait toujours The Mosque, The Picadilly, et plus de 60 salles de vaudeville, de burlesque et de cinéma qui accueillaient une scène musicale presque aussi vivante que celle de Manhattan, juste de l’autre côté de la rivière Hudson. « Tout le monde voulait devenir une star », se souvient Gil Fuller, qui a grandi avec Sarah et est devenu compositeur et arrangeur pour Dizzy Gillespie. Fuller se souvient également d’Ada et de Jake Vaughan. « Ils étaient le genre de personnes qui ne voulaient même pas que leurs enfants aillent aux bals », se souvient-il, mettant le doigt sur la source des années de friction entre Sarah et ses parents, surtout lorsque Vaughan a abandonné le lycée en première année et a annoncé qu’elle allait devenir une star. « Je le veux ! J’aime ça ! À la fin de son adolescence, Sarah Vaughan passe des nuits entières dans les clubs de la ville, chantant des chansons quand on le lui demande et appréciant la compagnie des musiciens. Elle était déjà habituée à fumer beaucoup de cigarettes, parfois plus de deux paquets par jour, et elle avait déjà
développé un goût pour le gin avec un peu d’eau et un twist. Elle aimait la musique forte, les foules de gens, et l’atmosphère bleue brumeuse d’une boîte de nuit au petit matin ; et elle a rapidement acquis une réputation pour sa repartée acérée et son blasphème fluide. « Tout ce qu’elle avait à dire », se souvient un ami de l’époque, « elle le disait tout de go. Elle ne se retenait pas. » Les hommes des différents groupes avec lesquels Vaughan s’est lié d’amitié ont commencé à l’appeler « No ‘Count Sarah », parce qu’elle ne demandait des comptes à personne pour son bien-être, sauf à elle-même.
Comme celle de tant d’autres chanteurs de sa génération, la carrière de Vaughan a commencé à l’Apollo Theater de Harlem, où elle a chanté « Body and Soul » un soir d’amateur en 1942 et a remporté le premier prix. Le maître de cérémonie, qui a failli l’empêcher de se produire parce qu’elle était arrivée en retard, a été impressionné par sa capacité à effectuer des changements vocaux autour de la mélodie : « Elle sautait les octaves comme si elles lui appartenaient ». Outre le premier prix de dix dollars, Vaughan repart avec la promesse d’une semaine de travail à l’Apollo, qui ne se concrétisera qu’au printemps 1943, lorsqu’elle apparaîtra sur une affiche dirigée par Ella Fitzgerald – une autre découverte de la nuit amateur de l’Apollo. Fitzgerald est la seule chanteuse qui, par la suite, a pu disputer à Vaughan le titre de première chanteuse de jazz. La rivalité entre les deux est toujours amicale, Ella protégeant Sarah après le spectacle de l’Apollo des agents de réservation qui se pressent autour d’elle. Bien des années plus tard, Fitzgerald qualifiera généreusement Vaughan de « plus grand talent vocal du monde ». Earl Hines et Billy Eckstine sont également présents ce soir-là à l’Apollo, et tous deux prétendront plus tard avoir « découvert » Sarah. Trois semaines plus tard, Vaughan avait son premier emploi rémunéré à temps plein dans l’industrie musicale avec le groupe Hines, chantant des duos avec Eckstine et jouant du second piano avec Hines.
Le groupe était la maison, la famille et l’école de musique de Vaughan pour l’année suivante, et elle n’aurait pas pu trouver mieux. En plus d’Eckstine, de qui elle a beaucoup appris sur le phrasé, l’interprétation et la présence sur scène, le groupe comprenait deux hommes qui allaient inaugurer l’ère du jazz « progressif » – le trompettiste Dizzy Gillespie et le saxophoniste Charlie Parker. « Ce qui était si excitant avec le groupe de Hines », se souviendra plus tard Vaughan, « c’est qu’ils jouaient des harmonies, des rythmes complexes et des textures que je connaissais déjà de la musique classique. C’était un tout nouvel âge du jazz. » Gillespie s’est rapidement rendu compte de la capacité de Vaughan à suivre les changements et les harmonies rapides et complexes de ce qu’il en est venu à appeler le bebop, avec ses rythmes hachés et ses séquences de notes inhabituelles. (Un Cab Calloway, plus conservateur sur le plan musical, l’appelait « musique chinoise ».) « Sarah peut chanter des notes que les autres ne peuvent même pas entendre », disait Gillespie.
Contrairement à la plupart des chanteuses, qui passaient leur temps avant et après les spectacles dans leur chambre d’hôtel, Vaughan passait son temps hors scène avec les membres du groupe, buvant, fumant et jurant avec les meilleurs d’entre eux. C’est probablement à cette époque qu’elle a acquis le goût de la cocaïne qui la tourmentera une grande partie de sa vie ; mais quelles que soient les habitudes auxquelles elle se livrait ou le peu d’heures de sommeil qu’elle parvenait, sa voix s’améliorait au fil du temps. Ses versions de « He’s Funny That Way », « Once in a While » et « Sweet and Lovely », interprétées d’une voix riche et vibrante souvent décrite comme enfumée, sont devenues les traitements définitifs de ces standards pop. Sa voix, avec sa gamme étonnante, devint autant un instrument du groupe que la trompette de Gillespie ou le sax alto de Parker, et un critique nota qu’elle pouvait être « délicate et douce comme un violon dans le haut de sa gamme, sonore comme un orgue dans le bas, avec toute la souplesse d’une trompette entre les deux. »
En 1943, Billy Eckstine quitta le groupe de Hines pour former son propre groupe, emmenant Gillespie et Parker avec lui. Un an plus tard, Vaughan suit. Maintenant que le groupe est libéré de l’insistance de Hines sur les standards pop, Sarah trouve de nouveaux défis et doit intégrer sa voix encore plus étroitement dans l’ensemble. « Il fallait s’y connaître un peu en musique ou avoir une sacrée bonne oreille pour se tenir devant ce groupe », dira plus tard Vaughan ; mais il ajoutera : « J’ai adoré, j’ai adoré ! ». En 1944, elle enregistre son premier disque, « I’ll Wait and Pray », sorti en décembre, et se voit attribuer le surnom qui lui restera toute sa vie – « Sassy », que lui avait donné le pianiste d’Eckstine, John Malachi, qui aimait la harceler juste pour obtenir une réplique acérée et salée. Plus tard dans l’année, lorsque Gillespie quitte le groupe d’Eckstine pour créer son propre ensemble purement bebop, Vaughan décide de tenter sa chance en solo. Elle joue dans tous les clubs de la 52e rue à New York – le Famous Door, l’Onyx, le Three Deuces -, parfois accompagnée de Charlie Parker, parfois rejointe par Eckstine, qui joue souvent à proximité. Bien que le temps entre les concerts l’oblige parfois à retourner chez elle à Newark pendant des semaines, sa réputation de styliste de jazz unique grandit, surtout lorsque le critique influent Leonard Feather écrit à son sujet dans son encyclopédie du jazz de 1944 : « La voix de Sarah Vaughan … a apporté au jazz une combinaison sans précédent de … un ton et un vibrato magnifiquement contrôlés ; une oreille pour la structure des accords des chansons … une qualité timide, parfois archi naïve, alternant avec un grand sens de la sophistication. » Il est si impressionné par elle qu’il l’aide à obtenir son premier contrat d’enregistrement avec un petit label appelé Continental, sous lequel elle sort quatre enregistrements en 1944, à 20 dollars la chanson. Parmi ceux-ci figure « East of the Sun, West of the Moon », qui devient l’un de ses titres les plus demandés. L’année suivante, elle enregistre « Lover Man » avec Dizzy, généralement considéré comme la première sortie de jazz « progressif » largement acceptée.
Pour autant, tout le monde n’était pas prêt pour son son. Son vibrato caractéristique a souvent été critiqué, et elle a été accusée d’être trop stylisée, avec trop de feux d’artifice vocaux délibérés – » errants et amateurs « , selon un critique ; et Time a comparé sa voix à un mirliton, bien que le magazine ait plus tard imprimé une explication selon laquelle le mirliton était l’un des rares instruments à pouvoir gérer les demi notes et les quarts de ton comme Vaughan pouvait le faire, et que la comparaison avait en fait été conçue comme un compliment. Son enregistrement mémorable suivant, comme pour prouver sa polyvalence, était aussi éloigné du bebop qu’elle pouvait l’être, une version de « The Lord’s Prayer », publiée pour la saison de Noël 1950 par Musicraft, avec qui Vaughan avait signé après avoir quitté Continental. Le succès est tel que la contralto Marian Anderson, dont la version était jusqu’alors la norme, lui envoie une note de félicitations. Même le père de Vaughan, qui l’avait presque reniée pour son choix de carrière, commença à penser que ce n’était pas une si mauvaise idée après tout.
À la fin des années 1940, le décor était planté pour l’émergence de Vaughan en tant que talent international, et le catalyseur fut l’homme qu’elle épousa en septembre 1946, George Treadwell. Treadwell jouait de la trompette pour un groupe de Harlem et se rendit un soir à Greenwich Village, dans un club appelé Café Society, pour entendre la nouvelle chanteuse dont tout le monde parlait. Il est tombé amoureux – d’abord, dit-il, de la musique et, ensuite, de la femme. Dans un schéma que Vaughan répétera tout au long de sa vie, l’homme qu’elle épousera deviendra également son manager. Treadwell a placé tous les aspects de la carrière de Sarah sous son contrôle – des vêtements qu’elle portait au vocabulaire qu’elle utilisait, en passant par les chansons qu’elle chantait – avec un grand succès. Certains de ses meilleurs enregistrements pour Musicraft ont été réalisés sous sa direction, notamment son premier enregistrement de jazz à passer dans les hit-parades pop, « Tenderly », sorti en 1947, et « It’s Magic », qui est resté à la onzième place des hit-parades pendant près de trois mois. Lorsqu’il l’a rencontrée au Café Society en 1946, elle était payée 250 $ par semaine ; lorsqu’elle a joué dans le même club trois ans plus tard, elle a reçu plus de 2 000 $ par semaine, plus un pourcentage de la porte. Treadwell lui obtient des interviews à la radio, dans les magazines et les journaux, et s’assure que ses disques soient largement diffusés. Esquire lui décerne son prix de la nouvelle star en 1947, et Down Beat la désigne comme la chanteuse la plus populaire pendant cinq années consécutives. Treadwell s’occupe de tout, y compris de l’argent, car Vaughan admet volontiers qu’elle est dépensière. « Il sait bien compter », dit-elle de son mari en 1947, « et il aime le chili et moi aussi ». Treadwell organise sa première tournée nationale, avec des apparitions de Miami à Los Angeles et à Chicago, où la personnalité de la radio Dave Garroway devient un tel fan qu’il la fait passer dans son émission de minuit en direct du Sherman Hotel et joue la version de Vaughan de « Don’t Blame Me » si souvent qu’elle devient sa chanson thème. C’est Garroway qui a surnommé Sarah « The Divine One », un titre que, en 1948, peu de gens étaient enclins à contester. Metronome note que « depuis Billie Holiday, aucune chanteuse n’a autant frappé d’autres chanteurs ».
Après un différend contractuel avec Musicraft, Vaughan signe avec Columbia en 1949, où elle enregistre un autre morceau jazz-pop crossover, « Make Believe », et son premier standard pop pur, « I Cried for You ». À ce moment-là, Treadwell faisait sa promotion en tant que styliste pop, plutôt qu’en tant que chanteuse de jazz, et la transformation était apparente pour le critique de jazz du New York Times, John Wilson, qui a noté qu’elle était passée du statut de « chanteuse ésotériquement appréciée à celui de showman qui peut tenir son rang avec ces quelques privilégiés qui se perchent sur l’échelon supérieur. »
Je chante. Je ne fais que chanter.
-Sarah Vaughan
En 1951, Vaughan s’embarque pour la première de nombreuses tournées européennes, où les amateurs de jazz de Londres, Paris et Munich se pressent pour entendre le nouveau phénomène américain. Ses amis se souviennent de ce premier voyage comme d’une longue fête pour Sarah, et s’étonnent à nouveau que l’alcool, les cigarettes et les drogues semblent seulement améliorer sa voix. Ils notent également que les relations entre Vaughan et Treadwell deviennent tendues, à tel point que George reste souvent à New York pour gérer leur entreprise de management pendant que Sarah est en tournée. Gagnant près de 200 000 dollars par an, avec des concerts à guichets fermés au Carnegie Hall et des apparitions sur les grandes chaînes de télévision, Sarah Vaughan voit sa carrière exploser sous l’œil de Treadwell, mais ses racines jazz lui manquent et elle n’apprécie pas l’accent mis par Treadwell sur la pop. Elle quitte Columbia et signe un contrat avec Mercury qui lui permet d’enregistrer de la musique grand public sous leur label principal et du jazz plus expérimental sous une filiale, EmArcy. « Mon contrat avec Mercury est pour les pops », dit-elle, « et mon contrat avec EmArcy est pour moi ». Son dernier enregistrement sous la direction de Treadwell est » Broken-Hearted Melody « , une ballade amoureuse que Sarah n’aime pas et qualifie de » cucul « , mais c’est son premier million de ventes et il est nommé pour un Grammy en 1959, la première de sept nominations de ce type. Mais à ce moment-là, George et Sarah avaient divorcé, George révélant que sur les 150 millions de dollars que Vaughan était censé avoir gagné en royalties, il ne restait que 16 000 dollars. Il n’y a jamais eu d’explications publiques sur la destination du reste, mais même ainsi, Sarah a toujours admis qu’elle devait une grande partie de son succès à George.
Peu de temps après le divorce, Vaughan a annoncé son mariage avec Clyde B. (« C.B. ») Atkins, un homme d’affaires de l’ombre de Chicago qui prétendait posséder une flotte de taxis et avoir été un joueur de football professionnel. Bien qu’il ne connaisse rien au monde de la musique, Sarah confie la direction de The Devine One, sa nouvelle société de gestion, à son nouveau mari. Elle se remet au travail en quittant Mercury et en signant un nouveau contrat avec Roulette Records, et repart en Europe pour chanter à l’Exposition universelle de Bruxelles en 1958 à l’invitation du Département d’État. C.B. et Sarah adoptent une fille, Debra, en 1961, et Vaughan se présente publiquement comme une femme mariée et heureuse. Mais ses amis ne sont pas dupes. C.B. la gardait jalousement à la maison lorsqu’elle ne se produisait pas, passait beaucoup de temps à jouer avec son argent et la maltraitait physiquement. Affirmant que C.B. menaçait sa vie, Vaughan demande le divorce en 1962, pour découvrir que C.B. lui a laissé 150 000 dollars de dettes. Le fisc saisit sa maison de Newark pour non-paiement des impôts, et Sarah et Debra finissent par emménager chez John « Preacher » Wells, un ami d’enfance, qui, comme on pouvait s’y attendre, devient le manager et l’amant de Vaughan. Wells a réglé les finances de Sarah, lui a même ouvert son premier compte chèque officiel, et l’a aidée à remettre sa vie sur les rails.
Même avec l’aide de Wells, cependant, Vaughan a eu du mal à abandonner les horaires de nuit et les habitudes auxquelles elle était habituée. Roy McClure, qui a joué de la basse pour son groupe pendant un certain temps, a déclaré qu’elle se gavait de drogues, d’alcool et de cigarettes avant un concert, puis qu’elle chantait comme un oiseau. La voix de Sarah semblait devenir de plus en plus profonde et riche, mais à la fin des années 60, le rock’n’roll remplaçait le jazz comme alternative à la pop, et ses enregistrements des années 40 et 50 étaient désormais diffusés à la radio comme des vieux trucs. Cherchant de nouvelles façons d’utiliser sa voix, Vaughan enregistre « The Messiah » avec un chœur de 40 voix pour Quincy Jones, qui fait partie de la bande sonore du film Bob and Carol and Ted and Alice en 1969, et exprime même le désir de chanter de l’opéra. Mais de 1967 à 1970, elle ne fait aucun enregistrement et n’a aucun contrat avec un grand label. Vaughan rompt avec Wells, s’installe avec Debra dans une maison louée à Los Angeles, et tente de rester active en se produisant dans des concerts » événementiels » et des festivals de jazz, partageant souvent l’affiche avec de vieux amis de l’époque de Harlem, comme Billy Eckstine, Fitzgerald et Carmen McRae .
Finalement, Sarah rencontre la personne qui fera pour elle dans les années 1970 ce que George Treadwell avait fait pour elle dans les années 1950. Marshall Fisher, un restaurateur prospère de Chicago, était un fan depuis l’époque du Sherman Hotel et s’est présenté un soir après la performance de Sarah à un festival de jazz en Californie. Bien qu’il s’agisse d’un homme blanc, l’histoire d’amour qui s’ensuit semble, aux yeux de ses amis, tout à fait adaptée à leur Sassy. Fisher « bousculait sa musique, pas son argent », comme le dit l’un d’eux. « Il s’intégrait parfaitement. La différence raciale ne signifiait rien pour Sassy ni pour aucun d’entre nous. » Fisher, comme Treadwell avant lui, s’assurait que Vaughan portait les bons vêtements, choisissait les bonnes chansons et était vue avec les bonnes personnes – allant même jusqu’à la convaincre de déménager avec lui dans une luxueuse maison dans une communauté exclusive de Los Angeles, Hidden Hills. Bien qu’ils ne se soient jamais mariés, la presse a toujours désigné Marshall comme le mari de Vaughan, ce qu’il était dans tous les sens du terme, sauf au sens juridique, jusqu’à ce que Sarah prenne un nouvel amant six ans plus tard. Elle épouse légalement Waymon Reed, 38 ans, trompettiste pour l’orchestre Count Basie, en 1978, alors qu’elle a 54 ans. Mais les problèmes d’alcool et psychologiques de Reed entraînent un divorce en 1981.
Malgré les troubles de sa vie personnelle, Vaughan maintient un programme de tournées quasi constant et, à la fin des années 1970, elle est découverte par une nouvelle génération, aidée par une série de concerts entièrement consacrés à Gershwin qu’elle chante avec le jeune compositeur et chef d’orchestre Michael Tilson Thomas, et qui lui vaut son premier Grammy Award en 1982 pour l’album Gershwin qu’ils ont enregistré ensemble. D’autres apparitions avec l’Orchestre symphonique de Philadelphie, l’Orchestre symphonique national de Washington et les orchestres classiques d’autres villes, de Denver à Kansas City, ont mis en évidence sa gamme et sa polyvalence stupéfiantes, allant de « America, the Beautiful » à « The Man I Love ». Elle a chanté à la Maison Blanche pour les dignitaires en visite, a été louée au Congrès où elle a été honorée pour ses nombreuses apparitions au nom des programmes culturels américains à l’étranger, et a remporté un Emmy Award pour l’un des concerts Gershwin qui avait été présenté sur PBS. En 1988, elle est nommée membre du Jazz Hall of Fame, et en 1989, elle reçoit un deuxième Grammy spécial pour l’ensemble de sa carrière.
En 1989, cependant, la santé de Vaughan commence à la perturber. Elle était souvent essoufflée, et souffrait d’arthrite dans les mains. Elle est contrainte d’annuler plusieurs apparitions cette année-là, dont une partie d’un engagement au Blue Note à New York, au cours duquel elle apprend qu’elle a un cancer du poumon. Elle suit une chimiothérapie et se remet suffisamment pour planifier un nouvel album avec Quincy Jones, jurant qu’elle le fera « même si je dois le chanter depuis ce lit ». Mais un soir de juillet 1990, alors qu’elle regarde un téléfilm dans lequel Debra, connue professionnellement sous le nom de Paris Vaughan , tient le premier rôle, elle s’éteint discrètement.
La portée de l’influence de Sarah Vaughan peut être mesurée par la variété des artistes qui ont assisté aux nombreux services commémoratifs en son honneur – Rosemary Clooney, Nell Carter, Joni Mitchell , la diva de l’opéra Leontyne Price , qui a déclaré que Vaughan « était allé à l’endroit d’où vient la musique », et un Billy Eckstine frêle, qui a fait remarquer aux journalistes que « Dieu devait avoir besoin d’un chanteur principal ». Vaughan aurait été satisfait, lui qui avait un jour avoué à Leonard Feather : » C’est un sentiment agréable de savoir que les gens se souviendront de vous après votre départ ; que vous parviendrez à faire partie de l’histoire. «
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