An Analysis of Why Modern Music Is So Awful

Ecco un video popolare su YouTube che discute la qualità della musica di oggi rispetto a quella dei decenni passati:

Il video cita uno studio del 2012 del Consiglio Nazionale delle Ricerche spagnolo che ha concluso che la musica moderna sembra peggiorare ogni anno. In particolare, i ricercatori hanno preso 500.000 registrazioni di tutti i generi musicali tra il 1955 e il 2010. Hanno fatto passare ogni singola canzone attraverso un complesso insieme di algoritmi. Questi algoritmi hanno misurato tre metriche distinte: (1) diversità timbrica; (2) complessità armonica; e (3) loudness. Ecco cosa hanno trovato:

1. Negli ultimi decenni, il timbro della musica è diminuito drasticamente. Il “timbro” è la struttura, il colore e la qualità dei suoni all’interno della musica ascoltata. La varietà del timbro ha raggiunto il suo massimo negli anni ’60 e da allora è in costante declino. Le canzoni hanno sempre meno varietà nella loro strumentazione e nelle tecniche di registrazione. Invece di sperimentare diverse strumentazioni e tecniche di registrazione, la grande maggioranza della musica pop oggi usa la stessa strumentazione: una tastiera, una drum machine, un campionatore e un software per computer. Di conseguenza, tutta la musica pop moderna suona allo stesso modo.
2. Dagli anni ’60, le melodie, i ritmi e le voci delle canzoni sono sempre più simili tra loro, e molte canzoni pop moderne usano la stessa identica sequenza di note in una data chiave: dalla quinta nota alla terza e di nuovo alla quinta. Cioè, la musica è diventata meno complessa dal punto di vista armonico. Perché? Perché questa è una sequenza musicale familiare con cui gli ascoltatori di musica si sentono a loro agio.
3. Negli ultimi 20 anni, i produttori di musica hanno intenzionalmente reso le canzoni più forti usando effetti di compressione in studio. La compressione è il processo di aumentare le parti più tranquille di una canzone in modo che corrispondano alle parti più forti, riducendo così la gamma dinamica o “distanza” tra le parti più forti e quelle più tranquille. L’effetto di questa applicazione è quello di far suonare più forte l’intera canzone, non importa quanto forte l’ascoltatore imposti il volume. Questo viene fatto per far “risaltare” una canzone tra un gruppo di canzoni dal suono simile – cioè, per scopi competitivi. Il compromesso è che la compressione riduce la qualità timbrica della canzone.

Inoltre, il video fa alcune osservazioni aggiuntive:

1. La qualità dei testi delle canzoni è peggiorata negli ultimi 10 anni – i testi sono diventati più banali e semplificati.
2. Perché la tecnologia permette ai fan della musica di avere accesso a così tante canzoni, le canzoni pop di oggi sono cariche di ganci che appaiono in una canzone il più presto possibile al fine di mantenere l’ascoltatore in ascolto, altrimenti, lui o lei passerà alla canzone successiva.
3. L’omogeneizzazione timbrica, armonica e dinamica della musica pop di oggi (come descritto sopra) è un risultato dell’avversione al rischio da parte dell’industria musicale. Poiché ci vogliono tanti soldi per investire nello sviluppo di nuovi talenti musicali (molti dei quali vengono scoperti in talent show come America’s Got Talent o X-Factor), le etichette discografiche vogliono scommettere su una cosa sicura, senza correre rischi artistici.
4. Il pubblico che ascolta musica ha subito il “lavaggio del cervello” per apprezzare questa musica perché viene suonata ovunque – alla radio, nei centri commerciali, su internet, nei film e nei programmi televisivi. Il narratore del video descrive questo come il “Mere-Exposure Effect” che è “un fenomeno psicologico per cui la gente sviluppa una preferenza per le cose che vede e sente spesso”. Più specificamente, il nostro cervello rilascia dopamina quando sentiamo una canzone che abbiamo già sentito alcune volte, e l’effetto diventa più forte ad ogni ascolto.

Sono abbastanza d’accordo con tutte le osservazioni fatte in questo video. Tuttavia, la domanda che non trova risposta in questo video è “perché sta succedendo questo”?

Perché la musica è diventata così intenzionalmente orribile negli ultimi due decenni? Cosa è cambiato tra la fine del 20° secolo (cioè gli anni ’90, che secondo me è stato l’ultimo grande decennio per la musica) e l’inizio del 21° secolo?

It Started With Napster

Napster è nato nel 1999 come una rete di condivisione file peer-to-peer sviluppata dai fratelli Shawn e John Fanning e Sean Parker (che è poi diventato il primo presidente di Facebook). La registrazione per un account Napster era gratuita e gli utenti avevano accesso a file audio gratuiti che potevano essere condivisi con altri membri di Napster. Al culmine della popolarità di Napster, circa 80 milioni di utenti erano registrati sulla sua rete.

Napster fu infine chiuso in seguito a una causa intentata contro di esso dalla Recording Industry Association of America per la distribuzione non autorizzata di materiale protetto da copyright. Tuttavia, il genio era uscito dalla bottiglia: milioni di persone non volevano più pagare per la musica quando potevano scaricarla gratuitamente da Internet.

Un’industria discografica distrutta

Nel primo decennio del XXI secolo, l’industria discografica era apparentemente in punto di morte: tra il 1999 e il 2010 le vendite di musica negli Stati Uniti sono crollate del 50%, da 14,6 miliardi di dollari a 6,3 miliardi nel 2009. È stato solo con l’introduzione dell’iPod e di iTunes da parte della Apple nel 2003 che la gente ha ricominciato a pagare per la musica. Tuttavia, Apple ha preso un taglio pesante di circa il 30% di ogni vendita sulla sua piattaforma iTunes, lasciando meno entrate per le case discografiche che hanno venduto canzoni attraverso Apple.

Quando ci dirigiamo verso la fine del secondo decennio del 21° secolo, l’industria musicale nel suo complesso sta facendo bene – ha generato 43 miliardi di dollari di entrate nel corso del 2017, con 20 miliardi di dollari generati da servizi di streaming online come Spotify e Apple Music, nonché dalla musica dal vivo. Tuttavia, di quei 20 miliardi di dollari, le etichette discografiche hanno portato a casa solo 10 miliardi di dollari, con i musicisti che hanno portato a casa solo 5,1 miliardi di dollari.

Perché sottolineo solo 10 miliardi di dollari? Non sono un sacco di soldi?

Facciamo un po’ di conti: nel 1999, l’industria discografica ha portato a casa 14,6 miliardi di dollari. Dopo la correzione per l’inflazione, sarebbe l’equivalente di 21,4 miliardi di dollari nel 2017. Come detto nel paragrafo precedente, le etichette discografiche hanno portato a casa solo 10 miliardi di dollari nel 2017. Quindi, in termini reali, le entrate dell’industria discografica sono state dimezzate tra il 1999 e il 2017. Perché? Perché oggi è necessario vendere la propria musica online e i proprietari di queste piattaforme online prendono tagli enormi dalle vendite di musica. Usando Apple Music e Spotify come esempi, ecco come queste compagnie fanno soldi con la musica degli artisti:

Nel popolare regno digitale, un download di 9,99 dollari su un programma come iTunes porta agli artisti un modesto 94 centesimi – meno del 10%. La casa discografica prende 5,35 dollari e Apple tiene i restanti 3,70 dollari.

Spotify è stato accusato ripetutamente di non riuscire a compensare equamente gli artisti. Band come The Black Keys, Radiohead e Talking Heads hanno tutti criticato il servizio per aver sottopagato gli artisti, soprattutto i musicisti indipendenti.

Il servizio di streaming ha rivelato nel 2013 che ha pagato solo le etichette discografiche in media una frazione di un centesimo per brano (da qualche parte tra $0.006 e $0.0084) – e questo è solo il denaro che va alle etichette, non agli artisti che ricevono ancora meno.

Dal punto di vista del business, se le tue entrate calano del 50%, dovresti ridurre i costi del 50% per mantenere lo stesso livello di redditività. Allora, dove ha tagliato i costi l’industria discografica?

Uscita del dirigente della A&R – il mio caffè con Ted

Alcuni anni fa, ho incontrato un ex dirigente della A&R che chiamerò “Ted” (non il suo vero nome) attraverso alcuni conoscenti comuni. Dico “ex” perché Ted era appena stato licenziato dal suo datore di lavoro, Universal Music Canada qui a Toronto, Canada. Aveva intenzione di trasferirsi negli Stati Uniti e lavorare con suo fratello vendendo auto usate in Texas. Vendere auto usate dopo essere stato un A&R exec in un’etichetta discografica internazionale non era ovviamente la sua mossa ideale per la carriera, ma doveva trovare un modo per sopravvivere.

Sembrava un bravo ragazzo, così lo invitai a prendere un caffè per discutere lo stato dell’industria discografica e la musica di merda che stava producendo. Per quanto riguarda la musica di merda, Ted mi spiegò che questo era dovuto al fatto che, per tagliare i costi, le etichette discografiche si erano sbarazzate di tutti i dirigenti della A&R che erano di fatto le “orecchie” e i guardiani delle etichette discografiche. Sentiva che questa era una misura miope di taglio dei costi, perché un buon dirigente della A&R fungeva da filtro contro i musicisti incapaci e da scout per i rari artisti con vero talento. Mi ha fatto notare la correlazione diretta tra i licenziamenti dei dirigenti della A&R e il deterioramento della qualità della musica prodotta dall’industria discografica. Cioè, secondo Ted, senza gli A&R execs, i musicisti hack si sono infiltrati nelle etichette discografiche.

Quindi, cos’è un “A&R exec” (Artist & Repertoire executive)? È un lavoro molto figo in cui questa persona è incaricata di:

…trovare nuovi artisti per le etichette discografiche, firmare i contratti e poi supervisionare il loro sviluppo artistico. Supervisionano il processo di registrazione, compresa la selezione dei produttori, delle canzoni e dei singoli, e fanno da collegamento tra l’artista e l’etichetta. Così, questi guardiani in gran parte anonimi hanno influenzato silenziosamente le colonne sonore delle nostre vite.

Come Ted mi ha descritto davanti a un caffè, i pochi dirigenti A&R rimasti sono diventati avversi al rischio e meno disposti ad assumere talenti promettenti perché:

“Penso che in questi giorni i dirigenti della A&R delle grandi etichette abbiano paura di mettere in gioco la loro vita e firmare nuovi artisti per paura che se il CD di un nuovo artista non vende un milione di unità, potrebbe essere la fine del loro lavoro…”

C’è quindi da meravigliarsi se l’industria musicale continua a sfornare musica sicura ma di merda?

C’è ancora grande musica che viene fatta

Se sei un amante della buona musica, ce n’è ancora molta in circolazione oggi – devi solo sapere dove trovarla. Ecco un bell’articolo su Lifehacker che fornisce un elenco e una descrizione di siti web utili che ti permetteranno di trovare la musica che ti piace. Buona fortuna! 🙂

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