Principali rappresentazioni in Germania e in ItaliaModifica
Il motivo apparve sia nella sua varietà madre-figlia che in quella padre-figlia, sebbene la versione con i due generi fosse alla fine più popolare. Le prime raffigurazioni moderne di Pero e Cimone emersero indipendentemente l’una dall’altra nella Germania meridionale e nell’Italia settentrionale intorno al 1525, in una vasta gamma di mezzi di comunicazione, incluse medaglie di bronzo, affreschi, incisioni, disegni, dipinti ad olio, ceramiche, decorazioni in legno intarsiato e statue.
In Germania, i fratelli Barthel Beham (1502-40) e Sebald Beham (1500-50) produssero sei diverse rappresentazioni di Pero e Cimone. La prima interpretazione di Barthel del tema nel 1525 viene solitamente messa in relazione con un breve periodo di detenzione che lui, suo fratello Sebald e il loro comune amico Georg Pencz hanno scontato per accuse di ateismo all’inizio di quell’anno. Il fratello di Barthel, Sebald, riediterà questa stampa al contrario nel 1544, questa volta con due iscrizioni che informano lo spettatore dell’identità del padre (“Czinmon”) e del significato di questo atto: “Vivo del seno di mia figlia”. Sebald stesso rivisiterà il motivo due volte in gioventù, tra il 1526 e il 1530, e di nuovo nel 1540. La stampa del 1540 è quasi dieci volte più grande della maggior parte delle altre opere dei fratelli Beham (circa 40 x 25 cm) e apertamente pornografica. Le braccia di Cimone legate sono dietro la schiena e le sue spalle e la parte inferiore del corpo sono coperte da un pezzo di stoffa simile a una giacca, tuttavia il suo petto muscoloso e i capezzoli eretti sono in piena mostra. Pero sta tra le ginocchia di Cimon, completamente nuda, i suoi capelli sono sciolti e la sua regione pubica e lo stomaco sono rasati. Lei gli offre il suo seno sinistro con una presa a V. Un’iscrizione fatta per sembrare un graffio nel muro recita: Dove non penetra la pietà, cosa non escogita?
Più tardi nel XVI secolo gli artisti tedeschi iniziarono a rappresentare la scena in dipinti ad olio, spesso scegliendo il formato classicizzante a mezzo busto, tracciando così delle analogie formali tra Pero e le eroine antiche e includendo Pero nel genere della “donna forte”, simile a Lucrezia, Didone e Cleopatra o Giuditta, Salomè e Dalila. Esempi di queste opere includono la versione di Georg Pencz del 1538, la rappresentazione di Erhard Schwetzer dello stesso anno, la versione di Pencz (conservata a Stoccolma) del 1546, e una del cosiddetto Maestro con la Testa di Grifone eseguita sempre nel 1546.
I dipinti italiani a olio del motivo esistevano già nel 1523, quando un notaio descrisse un dipinto in possesso del recentemente scomparso Pietro Luna, come “una grande tela in una cornice dorata con una donna che cura un vecchio.” Un dipinto simile è descritto da un notaio per la casa di Benedetti di Franciscis nel 1538. Ancora un altro dipinto è elencato, correttamente identificato come una figlia che allatta il padre, da un notaio nella tenuta del miniaturista Gasparo Segizzi. Purtroppo, nessuno di questi dipinti è ancora esistente.
Influenze di Caravaggio e RubensModifica
Nel 1606 l’artista barocco Caravaggio presentò la scena nella sua opera, Le sette opere di misericordia, commissionata dalla confraternita del Pio Monte Della Misericordia. Per quanto riguarda la sua scelta iconografica, Caravaggio potrebbe essere stato ispirato dal suo predecessore Perino del Vaga, il cui affresco della Carità romana deve aver visto durante il suo soggiorno a Genova nel 1605. Dopo la pala d’altare di Caravaggio, la vera e propria mania per i dipinti da galleria di Pero e Cimone iniziò nel 1610-12, e si diffuse in Italia, Francia, Paesi Bassi meridionali e Utrecht, attirando persino l’attenzione di pittori spagnoli come Jusepe de Ribera e, più tardi, Bartolomé Esteban Murillo. Dato che nessun dipinto da galleria è precedente al 1610, la pala di Caravaggio deve aver ispirato una moda che sarebbe durata altri due secoli. Nonostante questo, il soggetto, favorito da molti caravaggisti, è stato storicamente trascurato. I caravaggisti di Utrecht, Gerrit van Honthorst e Abraham Bloemaert hanno entrambi dipinto versioni della scena, così come Manfredi. Inoltre, nove esempi di Carità romana sono stati apparentemente prodotti dal noto e schietto nemico di Caravaggio, Guido Reni (1575 – 1625) e la sua bottega.
Peter Paul Rubens e i suoi seguaci sono noti per aver dipinto almeno tre versioni. I seguaci di Rubens tendevano a copiare la sua versione del 1630 (conservata ad Amsterdam) ma iniziarono ad introdurre un bambino addormentato ai piedi di Pero, un dettaglio che la leggenda originale non menziona. Questo elemento fu introdotto nel XVII secolo per evitare un’interpretazione che ci fosse qualcosa di incestuoso nell’atto – anche se l’esistenza di un bambino è implicita in ogni caso, dato che la donna sta allattando. Allo stesso tempo, l’inclusione del bambino aggiungeva un nuovo livello di significato alla storia, poiché le tre figure rappresentavano le tre generazioni e quindi potevano essere interpretate anche come un’allegoria delle tre età dell’uomo. Molti esempi di dipinti, stampe e sculture della Carità romana includono un bambino o un bambino in età prescolare (forse sulla falsariga del bambino incluso ne La raccolta della manna di Poussin), da artisti come Niccolò Tornioli (1598-1651), Cecco Bravo (1607-61), Artus Quellinus il Vecchio (1609-1668), Louis Boullogne (1609-74), Jean Cornu (1650-1710), Johann Carl Loth (1632-98), Carlo Cignani (1628-1719), Adrian van der Werff (1659-1722), Gregorio Lazzarini (1657-1730), Francesco Migliori (1684-1734), e Johann Peter Weber (1737-1804).
Un piccolo annesso al Campanile di Gand risalente al 1741, che comprende una scultura della Carità romana in bilico sopra il portale d’ingresso. Viene chiamato ‘mammelokker’, che si traduce dall’olandese come ‘succhiatore di seno’.
