‘Questi sono vestiti per persone che fanno lavoro’: Perché uno scultore ha progettato una linea di moda solo per gli artisti

Da Frida Kahlo a Andy Warhol, gli artisti di tutti i decenni sono stati celebrati per il loro senso unico dello stile. Considera le camicie a righe di Picasso o l’abbinamento di Basquiat con abiti Armani e piedi nudi. Ma mentre l’ostentazione e i gusti idiosincratici hanno contribuito a costruire il profilo di pochi eccentrici, la maggior parte degli artisti oggi sarebbe probabilmente d’accordo sul fatto che un buon lavoro dovrebbe parlare da solo.

Anche i pittori e gli scultori devono vestirsi ogni mattina prima di recarsi nei loro studi, gallerie o inaugurazioni. E per questo, la scultrice londinese Anna Blessmann ha deciso di lanciare A_PLAN_APPLICATION, la prima linea di moda pensata appositamente per gli artisti (e altri creativi).

Blessmann ha discusso la sua idea a cena con Virgil Abloh – talvolta curatore, fondatore dell’etichetta streetwear Off White e recentemente nominato designer dell’abbigliamento maschile di Louis Vuitton – che l’ha indirizzata alla società di sviluppo della moda New Guards Group di Milano. Nel settembre 2017, Blessmann ha firmato per sviluppare una collezione – una sorta di uniforme d’artista senza marchio – con il loro supporto di produzione e distribuzione, e in collaborazione con il suo partner, il graphic designer britannico Peter Saville.

Nel comunicato stampa, Blessmann fa riferimento a ispirazioni diverse come i capi di Donna Karan degli anni ’80, “Seven Easy Pieces”, e un’uniforme da lavavetri. I suoi primi disegni includono una felpa con cappuccio con spalline, una tuta da lavoro e un abito con cappotto avvolto. Il settanta per cento dei modelli per la stagione autunno/inverno 2018 sono da donna, il 20 per cento sono unisex e il 10 per cento sono da uomo, ma, come dice Blessmann, “chiunque può indossare un vestito se vuole”.

Il concetto generale è un attento puzzle di pezzi in robusto jersey, lana, cotone drill e denim che possono essere stratificati uno sull’altro. Eleva il cliché “normcore” del guardaroba dell’artista contemporaneo con il rigore puritano di uno scultore.

Abbiamo parlato con Blessmann del suo desiderio di rendere l’abbigliamento funzionale e di come il fashion design sia molto diverso dalla scultura.

Cosa significa il nome “A_PLAN_APPLICATION”?

A_PLAN_APPLICATION spiega la collezione come un sistema, e come possa avere molteplici letture. Per me è importante pensare che una volta che i pezzi escono nel mondo, vengono interpretati e indossati da persone diverse in modi diversi. Ho pensato ad “A”, come al numero uno, l’inizio, e poi ad un “Piano” come ad uno dei tanti piani, e poi ad “Applicazione” – il fatto che i capi e il concetto saranno poi applicati in modo diverso da persone diverse fuori dal mio controllo.

Cosa l’ha spinta a passare dalla scultura all’abbigliamento?

Come artista, se si guarda a ciò che c’è là fuori nella moda, è tutto molto specifico. È l’idea di qualcun altro, la fantasia di qualcun altro, la sua grafica, il suo logo. Volevo trovare qualcosa da indossare che fosse in qualche modo più neutro, che non proiettasse su di te o oltre se stesso. Poi volevo avvicinarmi a una funzionalità specifica – l’idea che i pezzi stiano bene insieme – così una t-shirt si ferma qui, i jeans iniziano lì, il vestito non sporge da sotto il cappotto. Volevo che ogni pezzo si combinasse con le altre parti.

Questa collezione si ricollega in qualche modo alla tua pratica scultorea?

Penso che la mia esperienza di scultore e la mia consapevolezza del corpo in movimento, di come la gente si muove intorno alle mie mostre, o anche dentro le sculture che ho fatto, abbia informato la collezione. Ma anche la realtà informa la collezione, ovviamente la consapevolezza del colore. Anche come applicare la mia pratica di creazione di immagini – o anche anti-immagine – come lasciare lo spazio negativo, come guardare qualcosa e ridurlo e riflettere su di esso.

Trovo anche importante avvicinarmi alla moda come un outsider, e fare la distinzione che sebbene la moda e l’arte siano diventate molto più legate, sono ancora così diverse. Guardiamo cose simili, a volte pensiamo a cose simili, tuttavia i metodi di produzione e distribuzione sono ancora così diversi che c’è pochissima correlazione.

Per chi vuoi realizzare questi abiti?

È per persone che sono visivamente consapevoli, non solo artisti, ma anche architetti e persone in diverse professioni creative. La moda si è davvero evoluta in un mondo di immagini in 2D dove molte cose sono considerate dall’esterno, ma non vedo come molte di queste cose possano tradursi nella vita delle persone. Questi non sono vestiti per la fotografia di street-style e le feste e i tappeti rossi. Sono abiti per persone che lavorano.

I pezzi di A_PLAN_APPLICATION sono fatti per essere sporcati?

Sì! Certo, usiamo tessuti di alta qualità, e cerco di usare materiali ecologici dove posso. Non è facile. Mi trovo di fronte a realtà a cui come artista non avevo mai pensato, come le quantità minime e i prezzi. Ma penso anche che l’abbigliamento sia molto diverso dall’arte: è arte applicata. Se non soddisfa la funzione pratica, preferisco fare una scultura. Voglio dire, che senso ha un paio di pantaloni che non si possono lavare, in cui non ci si può muovere facilmente, che stanno bene solo a un modello in una foto. Stavo pensando alle mie attività quotidiane quando stavo creando la collezione. Voglio un paio di pantaloni comodi in cui posso inginocchiarmi quando martello qualcosa, e altre attività fisiche all’interno del mio studio, ma poi posso semplicemente cambiarmi le scarpe e indossarli per una riunione o un’inaugurazione.

In che modo hai lavorato con Peter Saville su questa prima collezione?

Peter ha fatto questa sciarpa di seta glitch al computer. Stavo pensando a uno degli incidenti più contemporanei e attuali ed era questo – quando qualcosa va storto su uno dei nostri schermi. Tutti i colori della collezione sono nella sciarpa. L’idea è che non voglio avere modelli o grafici, perché questo daterebbe immediatamente le cose e le renderebbe identificabili come di un’epoca particolare. Voglio evitarlo. Ma mi piace l’idea di inserire un aspetto dell'”adesso”, e che sia solo questo unico pezzo che non si ripete, che in qualche modo evidenzia l’atemporalità del resto.

Guarda di più della collezione A/I di A_PLAN_APPLICATION qui sotto:

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