La seconda metà del 19° secolo fu un periodo di grandi cambiamenti per il teatro americano. Era un periodo di enorme crescita della popolazione in America, specialmente nelle città della costa orientale. Gli americani avevano più tempo libero e migliori standard di vita, e guardavano al teatro per fornire intrattenimento, risate, lustrini e sentimentalismo. Il sistema di trasporto in espansione negli Stati Uniti permise ad attori e attrici di girare il paese, portando il teatro professionale in molte città che non lo avevano mai sperimentato prima. Con la rapida crescita della popolazione del paese, crebbe anche il numero di teatri nelle città grandi e medie. Dagli anni 1850 fino alla fine del secolo, furono costruiti migliaia di nuovi teatri.
L’elezione del 1828 di Andrew Jackson a presidente degli Stati Uniti alimentò lo spirito di nazionalismo che stava crescendo nel paese. Le caratteristiche del movimento nazionalista erano il patriottismo, l’ottimismo e l’idealismo, e questi valori si riflettevano nel teatro americano. Il romanticismo, il modo estetico dominante nella scrittura e nelle arti in Europa, fu abbracciato anche nel teatro americano, ma fu mescolato con sfumature nazionalistiche, producendo temi più democratici e populisti.
Un altro aspetto della prosperità di quest’epoca fu la crescita delle imprese che servivano l’industria teatrale. Specialmente a New York City, ci fu un’enorme crescita di attività come agenzie teatrali, negozi di costumi, fornitori di teatro, studi fotografici, giornali commerciali, pensioni e hotel, e ristoranti che si occupavano del commercio teatrale.
Teatri del XIX secolo
Anche il design e la tecnologia dei teatri cambiarono verso la metà del XIX secolo. I palcoscenici a lume di candela furono sostituiti da luci a gas e luci della ribalta. La luce della ribalta consisteva in un blocco di calce riscaldato fino all’incandescenza per mezzo di una torcia a fiamma ossidrica. La luce poteva essere focalizzata con degli specchi e produceva una luce abbastanza potente. Gli interni dei teatri cominciarono a migliorare negli anni 1850, con decorazioni ornate e posti a sedere in platea che sostituivano la fossa. Nel 1869, Laura Keen aprì il rinnovato Chestnut Street Theater a Filadelfia, e i resoconti dei giornali descrivono i comodi posti a sedere, i comodi palchi, le belle decorazioni e le tende, l’eccellente visibilità, la buona ventilazione e i cesti di fiori e piante appesi.
Le folle dei teatri nella prima metà del XIX secolo avevano guadagnato la reputazione di essere indisciplinate, rumorose e maleducate. I miglioramenti apportati ai teatri nell’ultima metà del XIX secolo incoraggiarono gli avventori della classe media e superiore ad assistere agli spettacoli, e le folle divennero più tranquille, più gentili e meno inclini a causare interruzioni della rappresentazione.
Giochi e altri intrattenimenti nel teatro del XIX secolo
Fino alla metà del XIX secolo, i teatri americani continuarono ad essere fortemente influenzati dal teatro di Londra. Molti attori e attrici di questo periodo erano nati e avevano iniziato la loro carriera professionale in Inghilterra. Le opere rappresentate tendevano a seguire la tradizione classica inglese, con le opere di Shakespeare e altre opere standard inglesi che rimanevano popolari. Tuttavia, i drammaturghi e gli attori nati in America cominciarono ad avere un’influenza, e anche le opere contemporanee cominciarono ad essere rappresentate regolarmente.
Prima del 1850, un cartellone teatrale poteva includere cinque o sei ore di vari intrattenimenti, come farse, un pezzo principale, un pezzo dopo, intrattenimento musicale e balletto. La musica era una componente importante del primo teatro americano, e le commedie erano spesso adattate per includere numeri musicali. Negli anni 1850, il numero di intrattenimenti su un cartellone teatrale cominciò ad essere ridotto, prima a due o tre e, più tardi, ad un solo spettacolo principale.
Gli stili di recitazione all’inizio del XIX secolo erano inclini a movimenti esagerati, gesti, effetti grandiosi, dramma spettacolare, commedia fisica e gag e costumi stravaganti. Tuttavia, dalla metà del 19° secolo, uno stile di recitazione più naturalistico entrò in voga, e ci si aspettava che gli attori presentassero un’espressione più coerente del carattere. Il soggetto delle nuove commedie era più spesso tratto dalla vita sociale contemporanea, come il matrimonio e le questioni domestiche e le questioni di classe sociale e i problemi sociali.
Un’altra forma preferita nel teatro del XIX secolo era il burlesque (chiamato anche parodia). Le opere di Shakespeare, specialmente quelle nel repertorio regolare dei teatri legittimi, erano un bersaglio preferito. Molti attori erano conosciuti principalmente per il loro talento di recitazione comica e burlesca.
Struttura delle compagnie teatrali
Insieme alle opere e agli attori, l’America ereditò lo “star system” dalla Gran Bretagna. Nelle grandi città della costa orientale e a New Orleans vennero fondate compagnie teatrali. Il cast veniva poi integrato da star teatrali in visita, che giravano il paese proprio per questo scopo. Le stock companies erano autosufficienti e montavano le produzioni da sole quando nessuna star era in visita, ma negli anni 1840, così tante star erano in tournée negli Stati Uniti che la maggior parte delle compagnie raramente non avevano i servizi di almeno un attore o un’attrice di grande nome.
Le stock companies di solito avevano un attore-manager che era responsabile di tutti i dettagli del business e della produzione. I manager di queste compagnie erano abbastanza potenti e la loro parola era legge nella compagnia. Il manager spesso apportava cambiamenti significativi al lavoro di un drammaturgo, e i drammaturghi non avevano alcun ricorso per impedirlo fino al passaggio del Dramatic copyright Act del 1833. Anche allora, il Copyright Act copriva solo le opere stampate.
Le produzioni teatrali venivano ruotate regolarmente, spesso ogni giorno. Tuttavia, lunghe tirature di 100 o più spettacoli continui non erano insoliti e divennero comuni negli ultimi decenni del XIX secolo.
Nell’ultima metà del XIX secolo, lo star system cedette gradualmente il passo al “combination system”. I manager scoprirono che, piuttosto che assumere un flusso continuo di stelle ad alto prezzo, era più economico portare l’intera compagnia teatrale in tournée. Le compagnie passavano l’estate nella loro città natale, di solito New York, Boston o Philadelphia, e poi erano di nuovo in tournée a partire da ottobre. Una “stagione” di solito consisteva di 39 settimane.
Il teatro americano e la guerra civile
Il teatro americano fu solo moderatamente colpito dallo scoppio della guerra civile. Alcuni teatri chiusero nel primo anno di guerra ma poi riaprirono, anche nel Sud. Tuttavia, le tournée furono fortemente limitate negli stati del nord e cessarono del tutto negli stati del sud. Alcuni attori di spicco si offrirono volontari per il servizio, ma la maggioranza continuò a svolgere la propria professione. Uno dei più grandi eventi teatrali durante la Guerra Civile fu la popolarità della commedia UNCLE TOM’S CABIN. Ad un certo punto, quattro spettacoli stavano prosperando a New York City allo stesso tempo. Dopo la guerra, molti teatri del sud non riacquistarono mai la loro statura, anche se l’industria teatrale del nord e dell’ovest crebbe rapidamente.
La vita teatrale
Nel XVIII secolo e all’inizio del XIX secolo, la professione di attore era considerata peccaminosa e gli attori erano soggetti all’ostracismo sociale. Tuttavia, dalla metà del 19° secolo gli attori potevano essere considerati abbastanza rispettabili socialmente. “Le persone di spicco nella società, nella politica e nella letteratura facevano di tutto per intrattenere i membri principali della professione di attore, mentre gli attori minori sembravano non avere problemi a inserirsi nell’America della classe media. Le memorie di gente di teatro come Wood, Ludlow, Smith o William Warren non davano alcun suggerimento di ostracismo sociale. Al contrario, una volta affermati nella loro professione, divennero cittadini solidi e rispettati. Certo, in una certa misura il loro background, in misura maggiore i loro modesti stipendi, limitavano il successo sociale degli attori. Ma se gli attori avevano successo, vivevano decentemente e, forse la cosa più importante, facevano soldi, erano socialmente accettati”. (Grimsted)
La vita degli attori e delle attrici a metà del 19° secolo era molto dura e richiedeva una grande resistenza fisica. Oltre ad un estenuante programma di spettacoli, gli attori dovevano sopportare la diligenza e i primi viaggi in barca sul fiume, oltre ad alloggi di fortuna. Gli attori spesso provavano fino a tre spettacoli durante un giorno e poi dovevano prepararsi per la rappresentazione della notte. Durante la guerra civile, la stagione era varia e impegnativa. Una stagione poteva consistere da 40 a 130 spettacoli, che cambiavano ogni sera. Ci si aspettava che gli attori di una compagnia conoscessero più di 100 parti. La famosa attrice Charlotte Cushman offriva 200 diversi ruoli principali. Di solito ci si aspettava che gli attori imparassero una nuova parte entro due giorni, a volte durante la notte.
Nel periodo antebellum, gli stipendi degli attori principianti variavano da 3 a 6 dollari a settimana; gli stipendi degli attori di servizio da 7 a 15 dollari a settimana; le signore e i signori “ambulanti” da 15 a 30 dollari; e gli attori principali erano pagati ovunque da 35 a 100 dollari a settimana. Le star che viaggiavano potevano comandare da 150 a 500 dollari per un ingaggio da 7 a 10 giorni, più uno o più benefici. Tranne che per i ranghi più bassi degli attori, questi stipendi erano buoni per questo periodo, specialmente per le donne, anche se erano pagate meno degli uomini in ruoli comparabili. Ci si aspettava che gli attori e le attrici fornissero i propri costumi.
Molti degli attori e delle attrici del XIX secolo provenivano da famiglie e ambienti teatrali, e molti hanno iniziato a lavorare in teatro da bambini. “Le star bambine sono una tradizione americana… ma nessun periodo supera la metà del 1800 per il numero di bambini che appaiono in eventi teatrali dal vivo o per il grado di serietà con cui venivano presi. E, a differenza delle loro controparti moderne, il più delle volte hanno ottenuto il riconoscimento interpretando ruoli da adulti”. (Hanners) Tuttavia, questi bambini di solito interpretavano scene di opere teatrali, come quelle di Shakespeare, piuttosto che recitare il ruolo in una produzione completa.
“Poiché il teatro è stato notevolmente libero, le donne nella professione sono sempre state relativamente uguali ai loro colleghi maschi. I cattivi manager sono fuggiti con i loro stipendi allo stesso modo; il pubblico le ha fischiate allo stesso modo; hanno fatto la fame allo stesso modo tra un ingaggio e l’altro; e i loro contributi alle tradizioni del teatro sono stati ugualmente dimenticati” (Turner) Specialmente nel XIX secolo, i ruoli delle donne in teatro erano piuttosto ambigui. Le tradizioni del tempo richiedevano che le donne fossero delicate, fragili e dipendenti. Tuttavia, i rigori della professione di attrice richiedevano che fossero resistenti, indipendenti, volitive e determinate.
Tra i molti problemi affrontati dalle donne in teatro, un problema più spensierato era quello di affrontare le mode del giorno. Clara Morris ha raccontato che gli strascichi lunghi sui vestiti erano particolarmente fastidiosi. Racconta la storia di Fanny Davenport che doveva muoversi parecchio su un palcoscenico affollato durante una scena comica, finendo con le sue gonne a strascico così accuratamente avvolte intorno ad una sedia che, uscendo dal palco, la sedia andò con lei.
I fotografi
Alcuni fotografi e studi fotografici raggiunsero un certo status proprio nell’industria teatrale. Tra i più famosi c’era Napoleon Sarony. Sarony fondò uno studio a Broadway nel 1866 e, per i successivi 30 anni, fotografò praticamente tutti gli attori e le attrici che lavoravano sul palco di New York. Altri famosi fotografi e studi di quest’epoca furono Charles D. Fredricks & Co. e Jeremiah Gurney di New York; Washington Lafayette Germon di Philadelphia; e Matthew Brady, che si associò all’E. & H.T. Anthony Studio di New York.
Le cartes-de-visite erano piccoli ritratti di biglietti da visita, di solito misurano 4½” x 2½”. Un fotografo parigino, Andre Disdéri, li introdusse alla fine del 1854. Egli brevettò un modo per scattare un certo numero di fotografie su una sola lastra, riducendo così notevolmente i costi di produzione. Furono ideati diversi tipi di macchine fotografiche. Alcuni avevano un meccanismo che ruotava la lastra fotografica; altri avevano lenti multiple che potevano essere scoperte singolarmente o tutte insieme.
La carte-de-visite non prese piede fino a quando un giorno di maggio del 1859 Napoleone III, diretto in Italia con il suo esercito, fermò le sue truppe e andò nello studio di Disdéri a Parigi, per farsi fotografare. Da questa gradita pubblicità iniziò la fama di Disdéri, e due anni dopo si diceva che guadagnasse quasi 50.000 sterline all’anno da un solo studio. Durante gli anni 1860 la mania per queste carte divenne immensa.