A última metade do século XIX foi uma época de grandes mudanças para o teatro americano. Foi uma época de tremendo crescimento populacional na América, especialmente em cidades da Costa Leste. Os americanos tinham mais tempo livre e melhores padrões de vida, e olhavam para o teatro para proporcionar entretenimento — risos, brilho e sentimentalismo. O sistema de transporte em expansão nos Estados Unidos permitiu que atores e atrizes viajassem pelo país, levando o teatro profissional a muitas cidades e vilas que nunca antes haviam experimentado isso. Como a população do país cresceu rapidamente, o número de teatros em cidades grandes e médias também cresceu. Desde a década de 1850 até a virada do século, milhares de novos teatros foram construídos.
A eleição de Andrew Jackson como Presidente dos Estados Unidos em 1828 alimentou o espírito de nacionalismo que vinha crescendo no país. As marcas do movimento nacionalista foram o patriotismo, o otimismo e o idealismo, e esses valores foram refletidos no teatro americano. O romantismo, o modo estético dominante na escrita e nas artes na Europa, também foi abraçado no teatro americano, mas foi misturado com tons nacionalistas, produzindo temas mais democráticos e populistas.
Outro aspecto da prosperidade desta era foi o crescimento das empresas ao serviço da indústria teatral. Especialmente em Nova York, houve um tremendo crescimento de negócios como agências dramáticas, lojas de fantasias, fornecedores de teatro, estúdios de fotografia, jornais comerciais, pensões e hotéis, e restaurantes para o comércio teatral.
Teatros do século XIX
O design teatral e a tecnologia também mudaram por volta de meados do século XIX. Os palcos à luz das velas foram substituídos por luz de gás e luz da ribalta. A luz da ribalta consistia num bloco de cal aquecido até à incandescência por meio de uma tocha de chama de oxidrogénio. A luz podia então ser focada com espelhos e produzir uma luz bastante poderosa. Os interiores do teatro começaram a melhorar na década de 1850, com decoração ornamentada e assentos de bancada substituindo o fosso. Em 1869, Laura Keen abriu o Teatro Chestnut Street remodelado na Filadélfia, e relatos de jornais descrevem os assentos confortáveis, caixotes convenientes, lindas decorações e penduras, excelente visibilidade, boa ventilação e cestos de flores e plantas penduradas.
As multidões do teatro na primeira metade do século XIX ganharam a reputação de serem indisciplinados, barulhentos e rudes. As melhorias feitas nos teatros na última metade do século XIX encorajaram os frequentadores de classe média e alta a assistir a peças, e as multidões tornaram-se mais calmas, mais gentis e menos propensas a causar interrupções no espectáculo.
Jogos e outros espectáculos no teatro do século XIX
Bem em meados do século XIX, os teatros americanos continuaram a ser fortemente influenciados pelo teatro londrino. Muitos atores e atrizes desse período nasceram e tiveram seu início profissional na Inglaterra. As peças apresentadas tendem a seguir a tradição clássica inglesa, com as peças de Shakespeare e outras peças inglesas padrão permanecendo populares. No entanto, os dramaturgos e atores americanos começaram a ter influência, e peças contemporâneas também começaram a ser apresentadas regularmente.
Prior aos anos 1850, uma nota de teatro pode incluir cinco ou seis horas de vários espetáculos, tais como farsas, uma peça principal, uma pós-peça, entretenimento musical e balé. A música era um componente importante do teatro americano inicial, e as peças eram frequentemente adaptadas para incluir números musicais. Na década de 1850, o número de espetáculos em uma conta de teatro começou a ser reduzido, primeiro para dois ou três e, mais tarde, para um único espetáculo principal.
Estilos ativos no início do século 19 eram propensos a movimentos exagerados, gestos, efeitos grandiosos, drama espetacular, comédia física e mordaças e figurinos extravagantes. Contudo, a partir de meados do século XIX, um estilo de representação mais naturalista entrou em voga, e esperava-se que os actores apresentassem uma expressão de carácter mais coerente. O tema das novas peças foi mais frequentemente extraído da vida social contemporânea, como o casamento e as questões domésticas e de classe social e problemas sociais.
Outra forma preferida no teatro do século XIX era o burlesco (também chamado de travesti). As peças de Shakespeare, especialmente as do repertório regular dos teatros legítimos, eram um alvo favorito. Muitos atores eram conhecidos principalmente por seus talentos cômicos e burlescos.
Estrutura das Companhias Teatrais
Entre peças e atores, a América herdou o “sistema estelar” da Grã-Bretanha. Companhias de teatro de estoque foram estabelecidas em grandes cidades da costa leste e em Nova Orleans. O elenco foi então complementado com a visita de estrelas teatrais, que percorriam o país para esse fim. As companhias de estoque eram auto-suficientes e montavam produções por conta própria quando nenhuma estrela estava de visita, mas na década de 1840, tantas estrelas estavam em turnê pelos Estados Unidos que a maioria das companhias raramente estavam sem os serviços de pelo menos um grande ator ou atriz.
As companhias de estoque geralmente tinham um ator-gerente que era responsável por todos os detalhes de negócios e produção. Os gerentes dessas empresas eram bastante poderosos e sua palavra era lei na empresa. O gerente freqüentemente fazia mudanças significativas no trabalho de um dramaturgo, e os dramaturgos não tinham nenhum recurso para impedir isso até a aprovação da Lei de Direitos Autorais Dramática de 1833. Mesmo assim, o Copyright Act cobria apenas peças impressas.
Produções teatrais eram rodadas regularmente, muitas vezes diariamente. No entanto, longas tiragens de 100 ou mais performances contínuas não eram incomuns e tornaram-se comuns nas últimas décadas do século 19.
Na última metade do século 19, o sistema estelar gradualmente deu lugar ao “sistema de combinação”. Os gerentes descobriram que, em vez de contratar um fluxo contínuo de estrelas de alto preço, era mais econômico levar toda a companhia teatral para o caminho da turnê. As companhias passariam o verão em sua cidade natal, geralmente Nova York, Boston ou Filadélfia, e depois estariam em turnê novamente a partir de outubro. Uma “temporada” geralmente consistia de 39 semanas.
American Theater and the Civil War
The American theater was only moderately affected by the outbreak of the Civil War. Alguns teatros fecharam no primeiro ano da guerra, mas depois reabriram, mesmo no Sul. No entanto, as turnês foram severamente limitadas nos estados do norte e pararam todas juntas nos estados do sul. Alguns dos principais atores se voluntariaram para o serviço, mas a maioria continuou a exercer sua profissão. Um dos maiores eventos teatrais durante a Guerra Civil foi a popularidade da peça UNCLE TOM’S CABIN. Em certo momento, quatro espetáculos estavam prosperando em Nova York ao mesmo tempo. Após a guerra, muitos teatros do sul nunca mais recuperaram sua estatura, mesmo quando a indústria teatral no norte e oeste cresceu rapidamente.
Vida Teatral
No século 18 e início do século 19, a profissão de ator era considerada pecaminosa e os atores estavam sujeitos ao ostracismo social. No entanto, em meados do século XIX, os actores podiam ser considerados bastante respeitáveis socialmente. “Pessoas proeminentes na sociedade, política e literatura se esforçaram para entreter os principais membros da profissão de ator, enquanto os atores menores pareciam não ter problemas para se encaixar na América de classe média. As memórias de pessoas teatrais como Wood, Ludlow, Smith, ou William Warren não deram nenhuma sugestão de ostracismo social. Pelo contrário, uma vez estabelecidos em sua profissão, eles se tornaram cidadãos sólidos e respeitados. É claro que, para alguns, ampliaram sua formação, em maior grau seus modestos salários, limitando o sucesso social dos atores. Mas se os atores tiveram sucesso, viveram decentemente e, talvez o mais importante, ganharam dinheiro, eles foram socialmente aceitos”. (Grimsted)
A vida dos atores e atrizes em meados do século 19 foi muito difícil, exigindo grande resistência física. Além de um programa de performance cansativo, os atores devem suportar as viagens de diligência e de barco no início do rio, além de alojamentos improvisados. Os atores muitas vezes ensaiavam até três peças durante o dia e depois tinham que se preparar para o espetáculo da noite. Pela Guerra Civil, a temporada era variada e exigente. Uma temporada poderia consistir de 40 a 130 peças, mudando a noite. Os actores de utilidade pública de uma companhia poderiam conhecer mais de 100 peças. A famosa atriz Charlotte Cushman ofereceria 200 papéis principais diferentes. Atores geralmente esperavam aprender um novo papel em dois dias, às vezes durante a noite.
No período antebelo, os salários dos atores iniciais variavam de $3 a $6 por semana; os salários dos atores de utilidades variavam de $7 a $15 por semana; senhoras e senhores “andando”, de $15 a $30; e os atores principais eram pagos de $35 a $100 por semana. Estrelas itinerantes podiam comandar entre $150 a $500 por compromisso de 7 a 10 dias, mais um ou mais benefícios. Exceto para as categorias mais baixas de atores, estes salários eram bons para este período, especialmente para as mulheres, mesmo que fossem pagos menos que os homens em papéis comparáveis. Atores e atrizes eram esperados para fornecer seus próprios trajes.
Muitos dos atores e atrizes do século 19 vieram de famílias e origens teatrais, e muitos tiveram seu início no teatro quando crianças. “As estrelas infantis são uma tradição americana…mas nenhum período ultrapassa a metade do século XIX para o número de crianças que aparecem em eventos teatrais ao vivo ou o grau de seriedade com que foram levadas”. E, ao contrário das suas congéneres modernas, muitas vezes, elas foram reconhecidas por desempenharem papéis de adultos”. (Hanners) No entanto, estas crianças geralmente interpretaram cenas de peças de teatro, como as de Shakespeare, em vez de desempenharem o papel numa produção completa.
“Porque o teatro tem sido notavelmente livre de pensamento, as mulheres na profissão têm sido sempre relativamente iguais aos seus colegas homens. Os maus gestores têm-se abstido igualmente com os seus salários; o público vaiou-os igualmente; passaram fome igualmente entre os compromissos; e as suas contribuições para as tradições do teatro têm sido igualmente esquecidas”(Turner) Especialmente no século XIX, os papéis das mulheres no teatro eram bastante ambíguos. As tradições da época exigiam que as mulheres fossem delicadas, frágeis e dependentes. No entanto, os rigores da profissão de atriz exigiam que elas fossem resistentes, independentes, fortes e determinadas.
entre os muitos problemas enfrentados pelas mulheres no teatro, um problema mais leve era o de lidar com as modas do dia. Clara Morris relatou que os longos trens sobre vestidos eram particularmente irritantes. Ela conta a história de Fanny Davenport tendo que se mover um pouco no palco durante uma cena de comédia, terminando com suas saias de trilha tão bem enroladas em uma cadeira que ao sair do palco, a cadeira foi junto com ela.
The Photographers
Os fotógrafos e estúdios de fotografia alcançaram um certo status próprio na indústria teatral. Entre os mais famosos estava Napoleão Sarony. Sarony criou um estúdio na Broadway em 1866 e, nos 30 anos seguintes, fotografou praticamente todos os actores e actrizes que trabalhavam no palco de Nova Iorque. Outros fotógrafos e estúdios famosos desta época foram Charles D. Fredricks & Co. e Jeremiah Gurney de Nova Iorque; Washington Lafayette Germon de Filadélfia; e Matthew Brady, que se associou ao E. & H.T. Anthony Studio de Nova Iorque.
Cartes-de-visita eram pequenos retratos de cartões de visita, geralmente medindo 4½” x 2½”. Um fotógrafo parisiense, Andre Disdéri, apresentou-os no final de 1854. Ele patenteou uma forma de tirar uma série de fotografias num prato, reduzindo assim grandemente os custos de produção. Foram concebidos diferentes tipos de máquinas fotográficas. Algumas tinham um mecanismo que fazia girar a placa fotográfica; outras tinham lentes múltiplas que podiam ser reveladas individualmente ou todas juntas.
A carte-de-visite só se apercebeu um dia em Maio de 1859 Napoleão III, a caminho da Itália com o seu exército, parou as suas tropas e foi ao estúdio de Disdéri em Paris, para que lhe tirassem a fotografia. A fama de Disdéri começou com esta publicidade bem-vinda, e dois anos mais tarde foi dito que ele ganhava quase 50.000 libras por ano de apenas um estúdio. Durante a década de 1860 a loucura por estes cartões tornou-se imensa.