Early Depictions in Germany and ItalyEdit
O motivo apareceu tanto na sua variedade mãe-filha como na variedade pai-filha, embora a versão cruzada tenha sido mais popular. As primeiras representações modernas de Pero e Cimon surgiram independentemente um do outro no sul da Alemanha e norte da Itália por volta de 1525, numa vasta gama de suportes, incluindo medalhas de bronze, frescos, gravuras, desenhos, pinturas a óleo, cerâmicas, decorações em madeira incrustadas e estátuas.
Na Alemanha, os irmãos Barthel Beham (1502-40) e Sebald Beham (1500-50) produziram entre eles seis diferentes rebocos de Pero e Cimon. A primeira renderização do tema de Barthel em 1525 é geralmente trazida em conexão com uma breve pena de prisão que ele, seu irmão Sebald e seu amigo comum Georg Pencz serviram para acusações de ateísmo no início daquele ano. O irmão de Barthel, Sebald, reeditaria esta estampa ao contrário em 1544, desta vez com duas inscrições informando o espectador sobre a identidade do pai (“Czinmon”) e sobre o significado deste ato: “Eu vivo do peito da minha filha.” O próprio Sebald revisitaria o motivo duas vezes na sua juventude entre 1526 e 1530, e novamente em 1540. A estampa de 1540 é quase dez vezes maior que a maioria das outras obras de arte dos irmãos Beham (ca. 40 x 25 cm) e abertamente pornográfica. Os braços de Cimon amarrados estão atrás das costas e os ombros e a parte inferior do corpo estão cobertos por um pedaço de pano em forma de casaco, mas o peito musculado e os mamilos erectos estão em exposição total. Pero fica entre os joelhos de Cimon, completamente nu, o cabelo está desfeito e a região púbica e o estômago estão raspados. Ela lhe oferece seu peito esquerdo com um “V-hold”. Uma inscrição feita para parecer um arranhão na parede lê-se: Onde é que a Piedade não penetra, o que é que ela não imagina?
Antes do século XVI os artistas alemães começaram a representar a cena em pinturas a óleo, escolhendo muitas vezes o formato clássico de meio comprimento, desenhando assim analogias formais entre Pero e heroínas antigas e incluindo Pero dentro do género da ‘mulher forte’, semelhante a Lucrécia, Dido, e Cleópatra ou Judite, Salomé, e Dalila. Exemplos destas obras incluem a versão de Georg Pencz de 1538, a representação de Erhard Schwetzer do mesmo ano, a versão de Pencz (alojada em Estocolmo) de 1546, e uma do chamado Mestre com a Cabeça do Grifo executada também em 1546.
Existiram pinturas a óleo italianas do motivo já em 1523, quando um notário descreveu uma pintura na posse do recentemente falecido Pietro Luna, como “uma grande tela numa moldura dourada com uma mulher que alimenta um homem velho”. Um quadro semelhante é descrito por um notário para a casa de Benedetti di Franciscis, em 1538. Ainda outro quadro é listado, corretamente identificado como uma filha que amamenta seu pai, por um notário na fazenda do miniaturista Gasparo Segizzi. Infelizmente, nenhuma destas pinturas ainda está presente.
Influências de Caravaggio e RubensEdit
Em 1606 o artista barroco Caravaggio apresentou a cena em sua obra, As Sete Obras de Misericórdia, encomendada pela confraria de Pio Monte Della Misericordia. Quanto à escolha iconográfica, Caravaggio pode ter sido inspirado pelo seu predecessor Perino del Vaga, cujo afresco da Caridade Romana deve ter visto durante a sua estada em Génova, em 1605. Após o retábulo de Caravaggio, a verdadeira loucura por pinturas de galeria de Pero e Cimon começou em 1610-12, e espalhou-se pela Itália, França, sul dos Países Baixos e Utrecht, chegando a desenhar tração entre pintores espanhóis como Jusepe de Ribera e, mais tarde, Bartolomé Esteban Murillo. Dado que nenhuma pintura de galeria é anterior a 1610, o retábulo de Caravaggio deve ter inspirado uma moda que duraria mais dois séculos. Apesar disso, o assunto como um favorito de muitos Caravaggisti tem sido historicamente negligenciado. Utrecht Caravaggisti, Gerrit van Honthorst e Abraham Bloemaert pintaram as duas versões da cena, assim como Manfredi. Além disso, nove exemplos de Caravaggisti Romano foram aparentemente produzidos pelo notável e franco inimigo de Caravaggio, Guido Reni (1575 – 1625) e sua oficina.
Peter Paul Rubens e seus seguidores são conhecidos por terem pintado pelo menos três versões. Os seguidores de Rubens tendem a copiar a sua versão 1630 (alojada em Amesterdão) mas começaram a introduzir uma criança adormecida aos pés de Pero, um detalhe que a lenda original não menciona. Este elemento foi introduzido no século XVII a fim de evitar uma interpretação de que havia algo de incestuoso no ato – embora a existência de uma criança esteja implícita em qualquer caso, uma vez que a mulher está lactando. Ao mesmo tempo, a inclusão da criança acrescentou um novo nível de significado à história, pois as três figuras representariam as três gerações e, portanto, também poderiam ser interpretadas como uma alegoria das três idades do homem. Muitos exemplos de pinturas, gravuras e esculturas de Caridade Romana incluem um bebê ou criança em idade pré-escolar (talvez na veia do menino incluído em O Encontro do Maná de Poussin), por artistas como Niccolò̀ Tornioli (1598-1651), Cecco Bravo (1607-61), Artus Quellinus o Ancião (1609-1668), Louis Boullogne (1609-74), Jean Cornu (1650-1710), Johann Carl Loth (1632-98), Carlo Cignani (1628-1719), Adrian van der Werff (1659-1722), Gregorio Lazzarini (1657-1730), Francesco Migliori (1684-1734) e Johann Peter Weber (1737-1804).
Um pequeno anexo ao campanário de Gante datado de 1741, incluindo uma escultura da Caridade Romana colocada no alto da porta da frente. É referido como ‘mammelokker’, que traduz do holandês como ‘mamelokker’.
