30 filmcitat som alla barn från 70-talet känner till i hjärtat

Få saker hjälper en film att leva vidare till odödlighet mer än en dialogreplik som alla kommer ihåg. Dessa citat slås fram och tillbaka mellan fans, refereras i andra filmer och etablerar sig i allmänhet i den nationella kulturella vokabulären. För vår lista över 70-talets filmcitat har vi tagit fram musikaler, skräckfilmer, klassiska dramer och ikoniska romanser. Som alla barn på 70-talet kan säga är dessa repliker oförglömliga.

Den berömda saken med Jaws – förutom att den inledde epoken av storfilmer och tillkännagav Steven Spielberg som en stor amerikansk filmskapare att räkna med – var att man aldrig såg hajen förrän långt in i filmen. Den dyker äntligen upp ur vattnet till den nervkittlande chocken för polischefen Brody (Roy Scheider), som skyndar sig upp och ger filmens signaturvarning.

Det finns många, många minnesvärda citat att välja mellan när det gäller Star Wars från 1977. Alla dessa citat om Kraften, för att börja med! Men den bästa repliken i filmen kommer när Darth Vader (James Earl Jones) bestämmer sig för att sluta ta emot skitsnack från amiral Motti (Richard LeParmentier), vars hånfulla attityd till Kraften gnuggar Vader på fel sätt – så han börjar kväva honom med sina krafter från den mörka sidan.

När fader Merrin (Max von Sydow) kommer till MacNeil-hemmet för att hjälpa till med exorcismen av den unga Regan (Linda Blair), tar han med sig sin sakkunskap och orubbliga tro. När han kämpar mot demonen Pazuzu blir fader Merrins upprepade besvärjelser både ett vapen och en sköld.

Den ofta parodierade repliken i den melodramatiska romantiken från 1970 kanske inte är så vettig – faktiskt, men den djupa övertygelsen om kärleken mellan Ryan O’Neals Oliver och Ali MacGraws Jenny gör den till en av de viktigaste replikerna i alla romantiska filmer någonsin.

Den upprymda slutfightsekvensen i Rocky är ett spännande och upplyftande ögonblick av triumf för titelkaraktären (Sylvester Stallone), men det som gör Rocky så bra är att filmen inte är beroende av att Rocky vinner i slutet. I själva verket förlorar han mot Apollo (Carl Weathers). Men när matchen väl är över är Rocky inte orolig för om han vann – han börjar ropa efter sin älskade Adrian (Talia Shire), som kämpar sig fram genom publiken för att vara med honom.

Jack Nicholsons genombrottsprestation i Five Easy Pieces bidrog till att göra honom till en av de definierande skådespelarna i sin generation. Och scenen på restaurangen, där han försöker beställa några ägg med vetetoast trots en tydlig policy om ”inga utbyten”, var ett genomarbetat, trotsigt, illasinnat ylande från motkulturen. Allt över lite kycklingsallad.

Det finns många sätt för Don Corleone (Marlon Brando) att få vad han vill ha, men för att vara chef för en maffiafamilj får han en hel del gjort utan att behöva ta till Tommy Guns eller hästhuvuden. Det finns en mörk adel i Don Corleones sätt att göra affärer, vare sig regissören Francis Ford Coppola ville det eller inte, och den eufemism han använder för att beväpna affärsmän bidrar till detta.

På alla listor över uppföljare till filmer som är bättre än originalet hittar man troligen Gudfadern del II, mycket tack vare Al Pacinos förvandling till en mycket mer hänsynslös Michael Corleone. Just detta citat är så populärt att det ofta felaktigt har tillskrivits Machiavelli.

Vad är det för bra att sitta ensam i sitt rum, frågar sig Sally Bowles (Liza Minnelli) i titelsången från Cabaret. Som med allt i filmen finns det en mörk skugga till allt det glittrande spektaklet i sången. Livet är en kabaré, visst, men det är för att det är en massa sång och dans för att hålla dig sysselsatt medan katastrofen hotar. Börja fira!

Al Pacino som en desperat bankrånare som skriker ut sin samlingssång inför polisen och medierna, och som återknyter till det nyligen inträffade upproret i fängelset i Attica, är ett av de stora ögonblicken i 70-talets film. Pacino var på toppen av sin form och bidrog till att göra Dog Day Afternoon till en av de viktigaste filmerna från den tiden.

Detta citat, som levereras av den stridslystne överstelöjtnant Bill Kilgore (Robert Duvall), är ett perfekt exempel på det perspektiv som regissören Francis Ford Coppola tillför sin Vietnamkrigsfilm. Det är galenskap som levereras med ett leende.

Om du har sett scenen där en ondskefull nazistläkare (Laurence Olivier) torterar Dustin Hoffman för att få honom att avslöja var de stulna diamanterna finns, så vet du varför dessa tre små ord är så bloddrypande. Och varför de kanske påminner om en tandläkares borrning.

Det är de orden som privatdetektiven Jake Gittes (Jack Nicholson) hör efter att hans utredning av en ondskefull maktmäklare i Los Angeles avslöjar en obeskrivlig skandal och slutar i tragedi. Glöm att se rättvisa skipas, med andra ord. (Chinatown, i det här fallet, var platsen för ett annat fall som slutade illa och som förföljer Jake.)

Network är en anmärkningsvärt förutseende film om medierna och den amerikanska kulturen och vart vi alla skulle vara på väg på 80- och 90-talen och därefter. I centrum står nyhetsuppläsaren Howard Beale (Peter Finch), vars nervösa sammanbrott i sändning – som han framför i trenchcoat över en randig pyjamas – mynnar ut i en uppmaning till de bedövade tittarna att hitta sin ilska mot ett system som blivit galet, rusa till sina öppna fönster och skrika så högt de kan att de äntligen har fått nog.

Döden är i det här fallet Michael Myers (Nick Castle), mördaren som har rymt från sin mentalsjukhus och återvänt till sin hemstad Haddonfield, Illinois, för att fortsätta sin stadigt vandrande mordiska härjningar. Repliken levereras med maximal föraning av Donald Pleasence som Dr. Loomis.

Den verkliga skräcken är demonbarnet Damien (Harvey Spencer Stephens)-som visar sig vara Antikrist, adopterad vid födseln av en mild amerikansk diplomat och hans fru – kommer fram på hans femte födelsedagsfest, när hans barnflicka (Holly Palance) glatt knyter ett lakan runt halsen och hoppar i döden och ropar på älskade lilla Damien. Ögonblicket är en stöt av sann skräck.

Den ultimata kallelsen till fest kommer via John Belushi i den typiska kårfilmen. Tanken på att ett gäng collegekillar skulle klä ut sig i antika romerska togas för att bättre kunna konsumera farliga mängder alkohol och slå sönder ukuleles kanske aldrig hade slagit någon innan Animal House, men den inspirerade säkert en hel generation av bröder.

Margaret Whites (Piper Laurie) hysteriska varning. innan hennes dotter Carrie (Sissy Spacek) går iväg till skolbalen slutar med att återge sig i Carries sinne efter att hon förödmjukats med grisblod och därefter ger sig ut på ett telekinetiskt raseri. På den ljusa sidan för Margaret: hon hade rätt!

Bob Woodward (Robert Redford) och Carl Bernstein (Dustin Hoffman) möter den hemliga informatören som kallas ”Deep Throat” (Hal Holbrook) i ett mörkt parkeringsgarage, och Deep Throat ger dem det bästa råd de kan få – följ spåret av pengar för att gå till botten med Watergate-skandalen.

Istället för att leverera någon form av upp-och-ner typ av bravado för att sälja Stålmannen (Christopher Reeve) som supermänniska, låter filmen från 1978 Lois Lane (Margot Kidder) få fram poängen när Stålmannen räddar henne från att falla i döden med ett försäkrande ”I’ve got you”. Lois, som är otrolig och lite hysterisk, reagerar på stålmannen på ett otroligt rationellt sätt.

Travis Bickles (Robert De Niro) imaginära konfrontation med en tunga sker inte ute på de elaka gatorna i 1970-talets New York utan framför hans egen spegel. Travis fantasier om sig själv som den sista rättfärdiga mannen i en stad av degenererade och lögnare slutar med att skapa en galning, och De Niro är absolut skräckinjagande (om än också lite patetisk) när han levererar filmens signaturreplik.

Clint Eastwoods flintiga min som detektiven Harry Callahan kom att definiera så mycket av hans skådespelarroll. Men ingen av hans spaghettiwesterns senare triumfer som regissör hade den slagkraftiga kraften när han fick ett övertag på en kriminell punkare och hånade honom för att ta ett vad om huruvida han hade avfyrat fem skott eller alla sex från sin pistol.

Charlton Hestons panikslagna rop när han bärs iväg i slutet av den dystopiska, futuristiska skräckfilmen Soylent Green har funnits tillräckligt länge i kulturen för att bli ett slags punchline. Men vändningen i slutet av filmen – att supermat Soylent Green inte är gjord av växter utan av människor – var en riktig sugpropp.

Diana Ross’ framträdande som den titelbärande sjungande superstjärnan levererades med så mycket diva-bravado att det har gett eko genom åren, och senast blev det ett veckovisa slagord i RuPaul’s Drag Race: All-Stars.

Denna replik i Mel Brooks regisserade svartvita parodi på klassiska skräckfilmer är inte särskilt mycket på papper. Dr Frankenstein (uttalas ”FRONK-en-steen”) levererar repliken till den hemtrevliga hushållerskan (Cloris Leachman) på sitt slott. Men när den levereras i filmen, följt av en åskknäpp och en häst som gnäller utanför skärmen, är den onekligen jätterolig.

Tim Currys läckra framförande mot slutet av ”Sweet Transvestite” genomsyrar denna berömda replik med en paus som är så utsökt att du förmodligen fortfarande håller andan. Det är bara en av många läckerheter i denna kultklassiska film.

När Olivia Newton-John i slutet av Grease dyker upp som sin rollfigur Sandy, som har gjort sig om till en bad-girl makeover för att passa sin greaserpojkvän Danny (John Travolta), är detta ett av de största avslöjandena i filmhistorien. Det är inte konstigt att de omedelbart måste börja sjunga.

Kermit the Frog’s öppningstext till ”The Rainbow Connection” gör jobbet och förflyttar dig genast till en lyckligare sinnesstämning – en värld där söta små muppar alla samlas och försöker slå igenom i showbiz. De älskande, drömmarna och Miss Piggy också.

Steve Martins odödliga öppningsrepliker i The Jerk inleder berättelsen om Navin Johnson, ett naivt vitt adoptivbarn till svarta andelsägarna. Navins äventyr när han försöker ta sig fram i världen upprätthåller en absurd okunnighet som öppningsrepliken helt och hållet banar väg för.

.