Tidiga avbildningar i Tyskland och ItalienRedigera
Motivet förekom både i en moder-dotter- och en fader-dotter-variant, även om den könsöverskridande varianten till slut var mer populär. De tidigaste moderna avbildningarna av Pero och Cimon dök upp oberoende av varandra i Sydtyskland och Norditalien runt 1525, i ett brett spektrum av medier som bronsmedaljer, fresker, gravyrer, teckningar, oljemålningar, keramik, inlagda trädekorationer och statyer.
I Tyskland producerade bröderna Barthel Beham (1502-40) och Sebald Beham (1500-50) mellan sig sex olika återgivningar av Pero och Cimon. Barthels första återgivning av temat år 1525 brukar sättas i samband med ett kort fängelsestraff som han, hans bror Sebald och deras gemensamma vän Georg Pencz avtjänade för anklagelser om ateism tidigare det året. Barthels bror Sebald skulle ge ut detta tryck på nytt i omvänd form 1544, denna gång med två inskriptioner som informerar betraktaren om faderns identitet (”Czinmon”) och om innebörden av denna handling: ”Jag lever på min dotters bröst”. Sebald själv skulle återkomma till motivet två gånger under sin ungdom, mellan 1526 och 1530, och återigen 1540. Trycket från 1540 är nästan tio gånger större än de flesta av bröderna Behams andra konstverk (ca 40 x 25 cm) och öppet pornografiskt. Cimons armar är bundna bakom ryggen och hans axlar och underkropp är täckta av ett jackliknande tygstycke, men hans muskulösa bröst och erigerade bröstvårtor är fullt synliga. Pero står mellan Cimons knän, helt naken, hennes hår är löst och hennes pubis och mage är rakade. Hon erbjuder honom sitt vänstra bröst med ett V-grepp. En inskription som är gjord för att se ut som en skrapning i väggen lyder: Senare under 1500-talet började tyska konstnärer avbilda scenen i oljemålningar och valde ofta det klassicerande halvlängdsformatet, vilket gav formella analogier mellan Pero och antika hjältinnor och inkluderade Pero i genren ”stark kvinna”, liknande Lucretia, Dido och Kleopatra eller Judith, Salome och Dalila. Exempel på dessa verk är Georg Penczs version från 1538, Erhard Schwetzers skildring från samma år, Penczs version (förvarad i Stockholm) från 1546, och en av den så kallade Mästaren med griparnas huvud som också utfördes 1546.
Italienska oljemålningar med motivet fanns redan 1523, då en notarie beskrev en tavla i den nyligen avlidne Pietro Lunas ägo, som ”en stor duk i en förgylld ram med en kvinna som vårdar en gammal man”. En liknande målning beskrivs av en notarie för huset Benedetti di Franciscis år 1538. Ännu en målning listas, korrekt identifierad som en dotter som vårdar sin far, av en notarie i miniatyristen Gasparo Segizzis dödsbo. Tyvärr finns ingen av dessa målningar kvar.
Influenser från Caravaggio och RubensRedigera
År 1606 visade barockkonstnären Caravaggio scenen i sitt verk Barmhärtighetens sju verk på uppdrag av konfraterniteten Pio Monte Della Misericordia. När det gäller valet av ikonografi kan Caravaggio ha inspirerats av sin föregångare Perino del Vaga, vars fresco av Romersk välgörenhet han måste ha sett under sin vistelse i Genua 1605. Efter Caravaggios altaruppsats började 1610-12 en veritabel vurm för gallerimålningar av Pero och Cimon, som spred sig i Italien, Frankrike, södra Nederländerna och Utrecht och till och med fick draghjälp av spanska målare som Jusepe de Ribera och senare Bartolomé Esteban Murillo. Med tanke på att ingen gallerimålning är äldre än 1610 måste Caravaggios altartavla ha inspirerat en modefluga som skulle pågå i ytterligare två århundraden. Trots detta har motivet, som många Caravaggisti föredrog, historiskt sett förbisetts. Caravaggisti från Utrecht, Gerrit van Honthorst och Abraham Bloemaert målade båda versioner av scenen, liksom Manfredi. Dessutom tillverkades nio exempel på Romersk välgörenhet uppenbarligen av Caravaggios kända och uttalade fiende Guido Reni (1575-1625) och hans verkstad.
Peter Paul Rubens och hans efterföljare är kända för att ha målat minst tre versioner. Rubens efterföljare tenderade att kopiera hans version från 1630 (som finns i Amsterdam) men började införa ett sovande barn vid Peros fötter, en detalj som inte nämns i den ursprungliga legenden. Detta element infördes på 1600-talet för att förhindra en tolkning att det fanns något incestuöst i handlingen – även om förekomsten av ett barn är underförstått i vilket fall som helst, eftersom kvinnan ammar. Samtidigt tillförde införandet av spädbarnet berättelsen en ny betydelse, eftersom de tre figurerna skulle representera de tre generationerna och därför också skulle kunna tolkas som en allegori över människans tre tidsåldrar. Många exempel på målningar, tryck och skulpturer av romersk välgörenhet innehåller ett spädbarn eller ett barn i förskoleåldern (kanske i stil med den pojke som ingår i Poussins The Gathering of the Manna), av konstnärer som Niccolò̀ Tornioli (1598-1651), Cecco Bravo (1607-61), Artus Quellinus den äldre (1609-1668), Louis Boullogne (1609-74), Jean Cornu (1650-1710), Johann Carl Loth (1632-98), Carlo Cignani (1628-1719), Adrian van der Werff (1659-1722), Gregorio Lazzarini (1657-1730), Francesco Migliori (1684-1734) och Johann Peter Weber (1737-1804).
En liten tillbyggnad till klockstapeln i Gent från 1741, med bland annat en skulptur av romersk välgörenhet som står högt ovanför den främre dörröppningen. Det kallas ”mammelokker”, vilket översätts från nederländska som ”bröstsugare”.
